Cecilia y Juan: la nota de prensa

Un sueño autoproducido, una película de verdad

• “Cecilia y Juan”, una comedia romántica de las de antes con 2 tipos de ahora
  
• La ópera prima del director Alberto Córdoba ha contado con un presupuesto pequeñísimo, íntegramente financiado por su director.

El próximo miércoles 15 de junio a las 9 de la noche, tendrá lugar el primer pase privado para prensa de la película Cecilia y Juan. Ve la luz en el cine Palafox una película imprescindible para los que aún creemos en el amor.

Cecilia y Juan son dos tipos de ahora, tan vividos como desencantados. Como en toda historia romántica, se encuentran, se repelen, se atraen. Durante un amanecer descubren la ciudad mientras descubren al otro y a sí mismos. Y se descubren siendo protagonistas de su propia comedia romántica, viviendo una noche que parece de cine y que les hace creer que puede suponer un cambio para siempre en sus vidas. Y la viven hasta el final, no sabiendo si en su relación, ganará la ficción o la vida real. Al final de la mañana, algo habrá cambiado para siempre.

El trabajo no ha sido sencillo. Si el rodaje y la selección del equipo ya es toda una aventura en cualquier película, todavía lo es más cuando se cuenta con un presupuesto 300 veces menor que el de una película media española. Eso sí, íntegramente financiados por el director, Alberto Córdoba. El rodaje, además, tenía que ser compaginado con su agenda laboral de 50 horas semanales. Alberto Córdoba es ingeniero industrial de estudios, consultor de profesión y cinéfilo de corazón. Durante años, ha compaginado su trabajo con su pasión por el cine. Ha colaborado en la elaboración de varios cortometrajes como “La voy a dejar”, “Carlos y Almudena, la verdadera historia” o “La espera”. Cecilia y Juan es su Opera Prima.

A la manera de Ehan Hawke y Julie Delpy en “Antes del atardecer”, el director buscó desde el principio la implicación del reparto y por eso, no es casualidad que sus protagonistas compartan nombre e historia con los actores que les dan vida. Cecilia Tamayo, mexicana de 27 años ha desarrollado su carrera tanto en México como en España. Desde el primer momento que el director la descubre, reconoce a la protagonista de su película. Por su parte, Juanma Diez a sus 30 años, lleva más de una década dedicado al mundo de la interpretación en cine, televisión y teatro. Además ha impartido cursos y seminarios en España y el Sudamérica. Para ambos actores, los personajes que encarnan en Cecilia y Juan son su primer papel protagonista en un largometraje.

Llevar adelante esta historia de cine romántico clásico a lo “Vacaciones en Roma” parecía una locura. Finalmente ha sido una aventura que ha resultado en una película imprescindible para los que creemos en el amor. “Cecilia y Juan” no es sólo una gran comedia romántica. Su director es el ejemplo de que los sueños, si se persiguen, se terminan por alcanzar. Una película irrepetible que te invitamos a descubrir el próximo miércoles 15, rogamos confirmar la asistencia.

Para más información:

www.facebook.com/CeciliayJuan

comunicación.ceciliyjuan@gmail.com

LA META

¡¡¡Llegó el día!!! Por fin sale a la luz "Cecilia y Juan". ¿Cuándo?

El 15 de junio de 2011 a las 21.00 en el Cine Palafox de Madrid. Será un pase privado, pero será el lanzamiento de un cohete que acabará aterrizando en los cines.

THE COMPANY MEN (John Wells): 7,5

Cuando uno entra a ver una peli como The Company Men, lo hace con todo el escepticismo posible. Es el miedo a que Hollywood, la máquina feroz de transmisión de valores del capitalismo, sea capaz de forrarse a costa de parecer revolucionario. Si a esa desconfianza, le añades la presencia del actor que más odio, Ben Affleck, te planteas por qué estás ahí.

Y durante un rato, todos esos miedos aparecen y se multiplican. Me llevan a que vea todo lo que sucede con distancia. Pero de repente hay un momento en el que te olvidas. Te olvidas de que es Hollywood quien lo cuenta. Te olvidas de que es Ben Affleck quien protagoniza.

Y te olvidas porque lo que ves huele a verdad. Porque la relación entre Affleck y su mujer es real. Porque el guión propone una cosa y la realidad la eleva. No creo que su dirección sea sustantiva, pero sus intérpretes sí consiguen que lo sea.

Y así entre una dirección invisible y unos actores estupendos, el guión te lleva a un lugar al que nunca creíste que te iba a llevar Hollywood. Te lleva a plantearte lo que haces. Te lleva a plantearte lo que no haces. Te lleva a querer a los personajes y a odiar el mundo en el que vives.

Te lleva a saber que es el momento de cambiar el mundo y que hay mucha gente que ya lo está haciendo.

Quizá no sea buen cine dar la respuesta, pero me encanta que lo haga, me encanta que se comprometa a hacer y no sólo a hablar .

CARLOS (Olivier Assayas): 7

Ante una peli como Carlos, lo primero que uno siente es agradecimiento. Agradecimiento por todo el tiempo que ha pasado sin películas como ésta. Películas de espías, de complots internacionales, de alta política y bajas motivaciones, de cien localizaciones, de crímenes perfectos, de malos que son buenos, de buenos que son malos.

Ese agradecimiento se materializa en unas primeras 2 horas simplemente magistrales. Durante esos 120 minutos que reflejan el nacimiento y generación de un mito, el goce como espectador llega a extremos de orgasmo. El punto culminante es la secuencia del secuestro en la OPEP. Ese momento debería valer una vida. Quizá una película no pueda alejar tanto tan gran momento de su final. Quizá una vida no debiera alejar tanto tan gran momento de su muerte.

Y es lo que le pasa a “Carlos”, es lo que le pasa al personaje. Es tan grande su leyenda, su estrellato de rock que jode ver cómo inicia su proceso de degradación. Si hubiera muerto en el avión de la OPEP, quedaría como una leyenda de la masculinidad. Al seguir viviendo y acabar con problemas de próstata y exceso de grasa, acaba como una parodia del macho.

A la película no le llega a pasar eso, pero sí se resiente de la pérdida de actividad. La acción se torna espera; la espera, rutina; el pasado, futuro. Y los cortes de montaje se cargan más esta parte que la central, restan más en el prólogo y en el desenlace que en el nudo.

“Carlos” anhela morir al final de una escalera. Cree que es su sino como creía en la Revolución, con más ansia de mito que de realidad, con más ganas de ser el Che por la foto que por sus conquistas. Probablemente, Carlos no sería legal, pero marca una época: el camino que va de mayo del 68 a una liposucción.

ABAJO EL TELÓN (Tim Robbins): 9

¿Por qué lleva Tim Robbins más de diez años sin dirigir? ¿A qué se dedica este enorme genio?
He tenido que volver a ver Abajo el telón para recordarlo. Y es queTim Robbins es uno de los cineastas actuales que más emociones me provoca. Su inteligentísima “Ciudadano Bob Roberts” me hizo reír ácidamente y derramar lágrimas. Su absolutamente excelsa “Pena de muerte” paralizó literalmente todos los miembros de mi cuerpo, salvo el cerebro y los ojos. Su última obra, “Abajo el telón”, va mucho más lejos. Te hace vibrar, llorar, bailar, levantarte, aplaudir.

Es una obra creada para ser cinética. Pretende mover piernas, manos, conciencias. Lo consigue desde un sentimiento desaforado, desde un acto de lujuria ante el hecho de hacer cine que provoca que revuelva la sala y el escenario, espectadores y actores.

Durante las dos primeras horas de su metraje, Robbins muestra su capacidad para realizar con inigualable habilidad escenas corales, para dibujar con pinceladas múltiples personajes en el abismo de sí mismos, para hacerte navegar hacia su revolucionario terreno. Si es cierto que su sentido de la dirección es algo casi inaudito, no es hasta la última media hora final cuando se vuelve (con la impagable ayuda de la música de su hermano David) magistral, cuando toca el cielo y nuestros corazones. Y con el último plano, arrebata para siempre ese cielo y esos corazones.

SIN LÍMITES (Neil Burger): 5,5

Hay películas que se creen más listas de lo que son. Hay personas que se creen más listas de las que son. "Sin límites" cuenta con ambas.
Su protagonista se considera un genio. Su director, también. Y por ello, se empeña en ofrecernos mil trucos que le hacen parecer más listo, pero no mejor director. A saber: cambios drásticos de lente, dar la vuelta a la cámara, letras mil, planos-secuencia sin fin, uso de un actor de prestigio. Pero todos, todos son falsos. Parece que todos aportan y sin embargo, son absolutamente inanes.
Y es que todo es inane en "Sin límites" salvo un guión con algún giro de interés. Gracias a él y a la fuerza que trata de imprimirle su director, eres capaz de obviar el tedio de la lluvia de Semana Santa, eres capaz de obviar la falta de lógica y rigor, eres capaz hasta de olvidar la pregunta de qué coño hace ahí metido Robert de Niro y por qué le pone tan poco empeño.
Si la ves, al menos, no hagas como el prota y como el director. No creas que eres más listo por entenderla, no hay nada que entender.

LA LEGIÓN DEL ÁGUILA (Kevin McDonald): 6,5

La cartelera de un lugar de playa es lo más deprimente desde que Eugenio dejó de tomar zumo de naranja para comer hormigas. Los blockbusters se multiplican hasta hacer que aborrezcas la taquilla. Llegas a las multisalas y sólo quieres salir.
Pero tras recorrer 700 km para llegar al centro del temporal, ayer decidí jugármela y ver "La legión del Águila". No me equivoqué. Era lo que le pedía, era lo que esperaba. Era "una de romanos".
Una de romanos de verdad. Con conflictos más grandes que la vida, con decorados espectaculares, con batallas sangrientas, con paisajes únicos. Pero todo hecho con cerebro. En la acumulación no estaba el vacío, sino que encontraba su esencia.
Lo hacía gracias a una historia que parte de la historia para encontrar un argumento excelente, nuevo y épico, brillante y jugoso. El duelo-amistad entre los dos protagonistas logra generar intriga en cada situación, multiplicar el impacto de cualquier encuentro con forasteros. El diseño de unos villanos excepcionales contribuye a convertir en épica y en mensaje lo que podría haber sido sólo lucha. Ahí y en su estupenda dirección radica la fuerza de una peli nacida para ser blockbuster, pero a la que su propia calidad quizá haga que tenga que desaparecer de las multisalas.
¿Por qué? Porque es una película digna, porque es una película de otros tiempos.

INSIDE JOB (Charles Ferguson): 8,5

Ante una peli tan contundente como "Inside Job", dan ganas de levantarse, comenzar a proferir gritos y unirse a todos los espectadores en una nueva lucha.
Algo de eso se vivió al terminar en mi sala: hubo un aplauso espontáneo. No fue un aplauso de júbilo, fue de solidaridad, de agradecimiento por alejarnos de la ceguera, de apuesta por la lucha.
Ahora queda que no sólo los convencidos la vean, que no la vean únicamente las víctimas. Que la vean los culpables, los causantes de lo que se muestra. Que la tomen y la lancen contra sus conciencias. Que vayan a comisaría y se autometan en prisión. Que los gobernantes les acompañen. Y que todos juntos tomen decisiones para que nada así vuelva a suceder.
Pero sucederá. Porque el hombre es un lobo para el hombre, porque la codicia nos puede más que el respeto al prójimo.
Como veréis, nada de esto parece una crítica de cine y sí un panfleto de club subvencionado. Pero es que es difícil resistirse a lo que vives viendo Inside Job. Es complicado tratar de analizarla como película. Tiene 2 méritos. El primero es que te agarra y te levanta la indignación durante 110 minutos absolutamente apasionantes. El segundo, que logra que comprendas palabras que nunca osarías pronunciar.
El resumen es muy simple. Hay que ir a verla, hay que denunciar, hay que iniciar la lucha, hay que lograr que la banca incívica deje de gobernarnos. Que el Gobierno de Wall Street desaparezca de inmediato.

TORRENTE 4 (Santiago Segura): 6

Torrente 4 devuelve la saga por sus fueros. Esos fueros que alcanzaron la gloria en la primera y que se mantuvieron en la secuela. Esos fueros que derivan de un guión de hierro, de una dirección portentosa y de una interpretación protagonista poderosa.
Dichas virtudes dan a luz una historia que nunca se cae, algunas secuencias notabilísimas, la complicidad con un personaje para la historia y multitud de risas en gags entre la brillantez formal, la risa fácil y la ironía sangrante.
Así se consigue mantener al espectador como en las dos primeras: aferrado a la butaca, con una sonrisa de placer continua y con estallidos de carcajada ocasionales. Lástima que caiga en algunos de los excesos que acompañaban la tercera. Y esos excesos pasan por dos puntos: uno, la caja; dos, el famoseo.
La caja hace que se note en demasía la publicidad. Telepizza o Plenilunio tienen su propio y demasiado obvio publirreportaje. Ese primer punto no hace temblar la narración, sí lo hace el segundo. Su desmedida afición al cameo evita risas. Tantas apariciones sin contenido llegan a alejar de la historia. Pero no sólo eso, se pierden oportunidades de hacer reír. Si un actor como Florentino Fernández o Wyoming tienen una escena, la bordan, logran que te mueras de la risa. Si esa escena es de Belén Esteban o Sergio Ramos, sobra. Esto es malo, pero alcanza la gravedad en el caso del compañero de fatigas de Torrente, el ínclito Kiko Rivera.
Si Gabino Diego o (sobre todo) Javier Cámara elevaban el nivel actoral y de descojone hasta el gozo, Rivera lo baja hasta el desplome. No tiene energía, no tiene vis cómica, no tiene nada. Sólo un nombre y una reputación. Y eso no basta para hacer reír.
Hacer reír es un don y un oficio. Lo demuestra Segura en cada escena. Como actor y como director. Como personaje y como narrador. Dejemos que siga haciendo Torrente, pero exijámosle que se rodee de lo mejor, de gente como él.

VALOR DE LEY (Joel y Ethan Coen): 6,5

Poco puedo decir de la última de los Coen.
No soy nada fan del western, en todo caso, es el spaguetti western el que más me hace disfrutar. Por ello, fui con pocas ganas y mucha confianza en los Coen. Salí contento de haberla visto y con menos confianza en los Coen.
¿La disfruté? Sí, bastante en el tercio inicial, nada en el intermedio, mucho en el tercio final.
¿Me emocioné? No, estuve cerca antes del epílogo.
¿Qué cambiaría? No lo sé. No domino el western, pero me cansaron tantos planos cortos de homenaje al cine de los estudios. Cambiaría el epílogo, lo eliminaría de un plumazo, le quita emoción y reflexión. Y quizá en la parte intermedia, le introduciría un tema y una épica.
¿Con qué me quedo? Con algún diálogo, con el personaje de la niña y de Jeff Bridges y con el intento frustrado de renovar un género que necesita modernidad para volver a generar lo que generó.

LOS CHICOS ESTÁN BIEN (Lisa Chodololenko): 5,5

Un padre centrado en el trabajo, que bebe más de la cuenta. Una madre que abandona su carrera para centrarse en la familia, y deja de sentirse deseada. Una hija a la que el chico le gusta pasa de ella. Y un adolescente, con un amigo al que ya apenas le une nada.
Esos son los personajes de Los chicos están bien, un cúmulo de tópicos tras tópicos, que sólo se refugian bajo la excusa de que la familia es homo, en lugar de heterosexual. Esa es la única originalidad de una peli, cuyo guión opta por siempre por el camino más fácil en lugar de la autoexigencia, por la solución trillada en lugar de la búsqueda.
Y eso nace en los personajes: qué decir del cuarentón soltero guay inmaduro. Pero llega hasta la dirección, que explota el plano contra plano hasta hacer pensar que es la única posibilidad. Llega tan lejos esta comodidad que no sólo obvia el desmesurado talento de sus actrices sin un solo plano secuencia que redunde vida, familia, sino que no es capaz de una sola metáfora visual. Todo es plano y barato y fácil, pero el extremo llega en un último plano, visto en tantos telefilmes que uno siente la misma vergüenza ajena que debieran sentir Moore, Ruffalo y Benning de su directora.

Mi quiniela de los Oscar

Yo no hago quinielas, no juego a acertar quién va a ganar. Eso es un juego de azar.
Lo que sí digo es de los nominados, quién creo que debiera ganar. Eso es crítica de cine.

Película: Cisne negro
Director: Darren Aronofski
Actor: Javier Bardem
Actriz: Natalie Portman
Actor 2º: Christian Bale
Actriz 2ª: Helena Bonham Carter
Guión original: Origen
Guón adaptado: La red social
Peli extranjera: Biutiful
Fotografía: Cisne negro
Montaje: La red social
Dirección artística: Origen
Vestuario: Yo soy el amor

¿Y para ti, quién debiera ganar?

PRIMOS (Daniel Sánchez Arévalo): 8,5

No soy objetivo, no lo quiero ser. Hay películas que son como personas: las amas. No importa que tengas defectos, los quieres más por ellos. Primos es de éstas. Amo Primos.

No es un amor incondicional, no la amo desde la desmesurada primera escena. Su monólogo inicial me seduce, me mueve a reírme, su continuidad me cansa un poco. Pero en el momento en el que da el salto a Comillas, su paisaje, su energía y su locura me llevan a sentirme en casa, a visitar territorio conocido, a divertirme con mis amigos, a revivir mi vida.
De eso va Primos. De la fiesta que todos vivimos cuando queremos salir de nuestro pozo. De la necesidad de soltarnos para dejar atrás las lágrimas, de cómo el disfrute nace del drama, cómo la comedia no es sino la mirada que da el tiempo tras la tragedia.
Todo eso es lo que puedo decir de Primos tratando de ser lo que no soy: objetivo. Pero lo que debo decir es lo que me sale de dentro. Que no se me fue en ningún momento la sonrisa de niño. Que no paré de soltar carcajadas de adulto. Que empaticé con cada uno de sus personajes. Que amé cada uno de sus errores. Que lloré sólo de la emoción de amar. Que acabé aplaudiendo como la mitad de mi sala. Que su antológico final me produjo una felicidad como la que sólo puede dar el amor.
El amor a un desternillante Raúl Arévalo. El amor a un sublime Quim Gutiérrez. El amor a un director, Daniel Sánchez Arévalo, que con 3 pelis ya logra construir un mundo propio pero permite que sea el de todos.

CISNE NEGRO (Darren Aronofski): 9

Cisne negro es una crítica a la búsqueda de la perfección. A cuánto uno es capaz de cruzar la línea para alcanzarla. Pero viendo la perfección de la peli, uno no para de preguntarse cuánto cruzó la línea Darren Aronofski para conseguirla.
La perfeccción alcanza a todos los puntos. Un guión con tres capas tan perfectamente entrelazadas, que en su fusión, se multiplican sus conflictos. Una dirección artística tan homogénea con el argumento que logra del blanco y el negro tantos matices como de los actores. Un vestuario que realza tanto la belleza como su sufrimiento. Un montaje que consigue una atmósfera de un desasosiego tal que te dan ganas de autodestruirte. Una música que te eleva hasta el escenario y te golpea contra el suelo. Y unos actores a punto de destrozarse a sí mismos en la búsqueda misma de la perfección.
Hasta ahí, Aronofski juega a cruzar la línea. La línea de la realidad y el sueño, la línea de la obra retratada y la vivida, la línea del blanco y el negro, la línea del bien y el mal, la línea de la vida y la muerte. Entre ambas líneas se pasa toda la película, toda la dirección. Pero esa delgada línea roja la cruza en el casting. Un casting que convierte la vida real de sus actrices en carne de ficción, de pública inmolación.
Y es que nada es casual en la la elección de la tres divas que protagonizan la ficción. No es casual la aparición de una Barbara Hershey que en su lucha por la perfección, abusó del bottox hasta autodestruirse. Y es que a ratos, su cara parece la de Mickey Rourke en The Wrestler. No es casual la selección de Winona Ryder como la persona a quien tiene que reemplazar Natalie Portman. ¿Quién no recuerda el comienzo de ambas como niñas prodigio, su crecimiento como musas independientes, su explosión en Hollywood como las guapas inteligentes? ¿Quién no recuerda el final de Winona, autodestruida en la cleptomanía hasta la total desaparición? ¿Quién no sabe quién es su sustituta natural hoy en el corazón de Hollywood?
En ese cruce de la línea entre realidad y ficción, entre el bien y el mal, nacen muchas preguntas. ¿Cómo han quedado las almas de Hershey y de Ryder? ¿Y la de Portman después de un papel tan destructivo como éste? ¿Le pasará como a Maria Schneider con su Vincent Cassel particular, Bernardo Bertolucci? Tras cruzar la línea, ¿se ha convertido Aronofski en el propio cisne negro?
No lo sé. Quizás nunca se sepa. Lo que sí sé es que lo he pasado fatal viéndola. He descubierto la belleza y el dolor, la lucha con uno mismo y las heridas, la mejora y el destrozo, la vida y la muerte. He descubierto que en la búsqueda de la perfección, el gozo y el dolor se entrelazan hasta sufrir la tragedia de conseguir una obra maestra.

THE FIGHTER (David O.Russell): 5,5

Que no os engañen. Que no os engañen ni las 7 nominaciones a los Oscar, ni los dos Globos de Oro. Que no os engañen los críticos nada sesudos ni los espectadores poligoneros que abarrotaban la sala.
The Fighter no es más que una ensalada de tópicos. No es más que una peliculita de boxeo. No es más que una historia convencional de superación. No es sino una peli más basada en hechos reales en la que nada de lo que sucede parece creíble.
Y lo peor no es que no te lo creas. Lo peor es que no te llega. Que no alcanza a generarte una mínima emoción.
Todo parte de un guión en el que lo único que sobresale son los dos estupendos personajes del hermano y la madre, de Christian Bale y de Melissa Leo. Ellos dos mantienen una trama en la que sólo sorprende la oda antifamiliar. Todo lo demás es convencional, es perfectamente predecible.
Y especialmente predecible es la dirección de un O'Russell que nunca fue el niño listo que le dijeron que era. Sus películas al fin siempre se caían. Aunque no la haya escrito, ésta es otra más de las que se caen.
Por eso que no os engañen. No vayáis a verla.

¿Y cuándo se estrena?

Sólo quedan 11 días para San Valentín. Y ya podéis buscaros un plan o encontrar un rollo para esa noche con el que simular que sois pareja. Porque como habréis visto, ese día todavía no será el estreno, seguimos azarosos en la postproducción de la película.

Ahora mismo, está el productor moviendo la peli, la de comunicación generando noticias, la directora de foto mejorando la imagen, un músico creando, un montador narrando mejor, una ayudante de montaje corrigiendo, un responsable de sonido arreglando, un colorista decolorando y dos tíos de efectos con los títulos de crédito. Y luego están Cecilia y Juan, los protagonistas. ¿Qué harán?

DE DIOSES Y HOMBRES (Xavier Beavois): 6,5

Tengo una espiritualidad a prueba de fe. Por eso todo lo que aquí comento, parte de ese hecho. De que, dada mi superficialidad hacia la vivencia religiosa, cuesta que me lleguen ciertos mensajes, ciertos sentimientos. No por ello dejo de admirarlas.
Y lo que me sucede durante la peli ganadora de Cannes es que no dejo de admirar, nunca llego a empatizar. Están a un nivel tan alto los monjes protagonistas que nunca llego a sentirles cerca, a emocionarme con su historia.
Eso no impide que siga creyendo que son maravillosos, que son referentes. Eso no impide que admire la obra de Beauvois. Eso no impide que no me dé cuenta de su coherencia. De cómo asume un estilo y lo mantiene hasta el final. De cómo acepta el silencio y el canto religioso como el sonido de sus vidas y por tanto, el sonido del cine. De cómo refleja su tranquilidad vital y su estrés ante la muerte. De cómo retrata sus vidas como parte de algo en esencia superior.
Todo eso es cierto. Pero el caso es que cuando llega el momento de emocionarme, no lo consigue. Cuando llega el momento de amarlos, me quedo en la celebración. Cuando llega el momento de epatarme con un último y maravilloso plano, me quedo en la admiración.

¿Quieres participar en la peli?

¿Quieres participar en Cecilia y Juan?

Manda fotos de tus lugares favoritos de Madrid, aquéllos que para ti son más especiales, los que indicarías en un álbum de grandes éxitos de la Capital.

Este domingo 23 rodamos planos de la ciudad y si nos gusta tu foto, haremos un plano para tu foto, aparecerás en los créditos. Podrás decir que has hecho una película.

Para ello, sólo tienes que coger tu móvil y darle al click. O buscar una imagen que ya tengas. No importa que aparezca alguien. Lo que importa es que proponga una nueva forma de ver un sitio viejo. O que descubra un lugar no prototípico.

Y después, súbela a esta página. O si no estás en Facebook, mándalo a la dirección de mail que pongo en comentarios.

Gracias por participar.

Los nominados a los Matomovies de Oro

El Comité ha seguido deliberando. Y elegir es renunciar. ¿A quién ha elegido? A representantes de la realidad y de la invención.

5 FICCIONES:

• An Education (Lone Scherfig, Gran Bretaña, comedia dramática)
• Carancho (Pablo Trapero, Argentina, thriller dramático)
• La cinta blanca (Michael Haneke, Austria, drama de terror)
• Conocerás al hombre de tus sueños (Woody Allen, USA, comedia)
• Two lovers (James Gray, USA, thriller romántico)

2 DOCUMENTALES:

• Anvil - El sueño de una banda de rock (Sacha Gervasi, USA, documental biopic cómico)
• María y yo (Félix Fernández de Castro, España, documental biopic drama)

Y ahora tú, ¿por quién votas? ¿Buscas opciones seguras tipo La cinta blanca o arriesgas con producciones de calado como Carancho?

¿Te gusta lo mismo que a todos?

¿Cuál es para ti la mejor película del año?

Como cada nuevo año, los Matomovies de Oro ya están aquí.
Y con ellos, las nominaciones. Después de un rigurosísimo proceso de selección, tras horas y horas de sesudas reuniones, el Comité ha deliberado. Y éstos son los nominados a la mejor película estrenada en España en 2010:

An Education (Lone Scherfig, Gran Bretaña, comedia dramática)

Anvil - El sueño de una banda de rock (Sacha Gervasi, USA, documental biopic cómico)

Bicicleta, cuchara, manzana (Carles Bosch, España, documental biopic drama)

Biutiful (Alejandro González Iñárritu, España-México, drama)

Bon Appetit (David Pinillos, España-Alemania, drama romántico)

Carancho (Pablo Trapero, Argentina, thriller dramático)

La cinta blanca (Michael Haneke, Austria, drama de terror)

Conocerás al hombre de tus sueños (Woody Allen, USA, comedia)

Lourdes (Jessica Hausner, Francia, drama religioso)

María y yo (Félix Fernández de Castro, España, documental biopic drama)

Origen (Christopher Nolan, USA, thriller acción)

La red social (David Fincher, USA, drama cómico)

Two lovers (James Gray, USA, thriller romántico)

Up in the Air (Jason Reitman, USA, comedia dramática)

Y ahora, es tu momento de elegir. ¿Cuál es tu favorita entre las nominadas?