EL DISCURSO DEL REY (Tom Hooper): 6

Resulta aburrido escribir una crítica acerca de una peli que no me ha dicho nada. Una peli que me ha tenido 2 horas para contarme una cosita que me han contado mil veces. Una peli que parte de la Historia para contarme una historia más.

Poco se puede decir sobre El discurso del Rey. Seguramente lo peor que se puede decir de ella es que busca el cine de qualité. Es que encuentra el aprecio del espectador menos exigente.

Va tan claramente a por el Oscar que es posiblemente que lo encuentre, pero lo que no va a encontrar es la recomendación del que se sienta en la butaca. Para alcanzar la historia, trata la Historia, pero no hurga en ella para no encontrar los elementos de fascismo que al espectador pudieran molestarlo. Para alcanzar la autoría, utiliza unos grandes angulares que te sacan de los años treinta. Para alcanzar el prestigio, toma celebridades y les da una cara famosa, que no un personaje. Para alcanzar la emoción, se centra en la autosuperación de un modo que pierda la esencia de la Historia. Para alcanzar la lágrima, guarda la música para un final pretendidamente épico que no mueve un solo ojo.

Con todo ello, El discurso del Rey no es una mala película. Sólo es una película sin personalidad.

BIUTIFUL (Alejandro González Iñarritu): 8

Hace 3 años nos planteábamos en este foro qué sería de las carreras de Guillermo Arriaga y Alejandro González Iñárritu después de su ruptura.

Tras su primer combate, ya podemos decirlo: ha habido empate. Un empate que significa una derrota para los dos. Porque “Lejos de la tierra quemada” y “Biutfiful” son películas estupendas. Duras y profundas como su cine en común, agresivas y con calado como “Amores perros”, “21 gramos” y “Babel”, bestiales y comprensivas. Ambas películas son notables, pero no alcanzan el sobresaliente que conseguía su colaboración.

Biutiful es por lo menos tan buena como Lejos de la tierra quemada. Pero si nos olvidamos de comparar, si nos centramos en vivir una película sobre la muerte, podemos ya decir que nos hace vivir muriendo.

Parte de un planteamiento que nos sitúa en un nuevo mundo. Un nuevo mundo en el Viejo Mundo. Un nuevo mundo que es la cara B de la Barcelona turística, las canciones desechadas de los grandes éxitos del Romanticismo. Un nuevo mundo formado por las cloacas del capitalismo. Y esas cloacas son las que alimentan el sistema, echan carbón hasta encender primero y quemar después sistemas y conciencias, almas y cuerpos.

A ese mundo pertenece Uxbal. Dentro de ese mundo, trata de sobrevivir y hacer sobrevivir. Por su profesión, es demonio visto desde fuera y es ángel cuando lo conoces. Uxbal no es ni más ni menos que el mejor actor del mundo. El despliegue de recursos y dignidad que hace Javier Bardem le vuelven a convertir en el quizá mejor actor de la historia. Su capacidad para llenar la pantalla no es más que su arma para liderar un reparto, al que acompaña, transmuta y eleva, transformándose en el medium del espectador, el que nos permite comprender un mundo que no queremos comprender.

Iñárritu se agarra a su medium y a la fortaleza visual y de puesta en escena del mejor director vivo en rodaje y montaje. Lástima que los conflictos no tengan toda la crudeza metafórica de los de su exguionista. Lástima que la música de Santaolalla no te lleve al éxtasis de “Amores perros”. Pero todos sus recursos sí te llevan a la carne y al alma de Uxbal, a vivir el mundo del que rehuimos pero encontramos, a comprenderlo y emocionarte sin que deje de acojonarnos.

La bestialidad se tiñe con su bondad natural. Y es que la bonhomía del director pierde cine al dejar de mezclarse con la dureza del guionista. En el conflicto, ambos empatan, ambos pierden.

Pero el espectador se va a casa sin consuelo y con los lacrimales vacíos. Ha vuelto a ver una peli extraordinaria, un documento tan necesario como estremecedor, unas vidas tan reales como irreales.

UN NUEVO CINE, UN VIEJO CINE

Resulta curioso que 2 de las mejores pelis del año sean documentales.

Una es Anvil, la otra es María y yo. Y ambas recurren a la realidad para contar historias de perdedores que en el fondo son ganadores. Son historias que antes tocaba Hollywood y luego tocó el cine independiente. Pero son historias que hoy no se tocan apenas en la ficción.

Y el cine llega al corazón más que nunca a través de ellas. Conmino a los cineastas a recoger esta senda. Es la senda de Beto en Parque Vía, de Beni Lakun en Bajo las estrellas, de Olive Hoover en Little Miss Sunshine. Es la senda de CC Baxter en El apartamento.

ANVIL (Sacha Gervasi): 9

Anvil es la película que todo artista debería ver. Es más, no sólo ver, sino convertirla en su religión.

Lo es por lo que cuenta. Por la fe inquebrantable de un par de locos en el triunfo, en romper la barrera que separa su propio patetismo del ajeno. Por la determinación con la que buscan su autorrealización sin perder sus valores. Por encontrar la felicidad en el camino más que en el destino.

Lo es también por cómo lo cuenta. Y lo cuenta con verdad. Con una cámara en mano que se vuelve agente doble, se vuelve cómplice de protagonista y espectador. Con un humor que desnuda a los personajes y luego les hace merecedores del calor de un abrazo. Con una ternura idéntica a la de los amigos, a los cuales llegas a querer más por sus virtudes que por sus defectos.

Con todo eso, Sacha Gervasi construye una obra maestra. Un monumento al arte, pero también al al fracaso, a la familia. Una nueva demostración de que es en los márgenes de la realidad y del triunfo donde se encuentran las metáforas que convertir en ejemplo, en referente vital.

Por ello, si el fracaso de Anvil como grupo les dignifica, el éxito de la peli les glorifica.

THE TOWN (Ben Affleck): 5

La carrera de Ben Affleck es una carrera contra su incapacidad para interpretar.

En el camino lo ha probado todo. Ha moldeado su cuerpo. Se ha liado con la cantante-actriz más famosa. Ha intentado hacer películas serias. Ha hecho mierda. Ha escrito un guión. Ha desaparecido del mapa. Ha proclamado su alcoholismo. Ha buscado la redención.

Ahora ha probado a dirigir. No he visto Adiós, muñeca, adiós. Pero ha gozado de gran prestigio. El mismo que sorprendentemente ha adquirido The town, Ciudad de ladrones.

Quizá lo que le falte probar sea desaparecer de la pantalla. Porque The Town no es una mala película. Tiene ritmo y nervio en el montaje. Tiene personajes que podrían interesar y una actriz estupenda. Tiene acción bien rodada y una trama interesante. Acusa de exceso de tópicos, pero entra dentro de lo que esperas en una peli de helicópteros y grúas sobre los todoterreno.

El problema es que está él. Está el que estuvo a punto de joder una obra maestra como Persiguiendo a Amy. Está en el que jode cada fotograma con su pose interesante y falsa tortura, con su exhibición de músculos y de nulo carisma. Porque él es el problema. Si no fuera por él, una historia de amor tan falsa podría ser creíble. Si no fuera por él, la trama llegaría a apasionar.

Ahora que ha probado la dirección, ha llegado el momento de terminar su carrera. Sólo tiene que hacer una cosa para conseguirlo: desaparecer de la pantalla.

TAMBIÉN LA LLUVIA (Icíar Bolláin): 10

Quedan dos meses para el estreno. Pero id haciendo hueco en vuestra agenda.

Porque no os podéis quedar sin verla. Porque ha nacido para vivir, ha nacido para perdurar.

Es difícil expresar el grado de excitación y de emoción que me generó. Para mí, es desde ya la mejor película del año, una de las 2 ó 3 mejores de los últimos años. Por fuerza, por mensaje, por ritmo, por interpretación. Pero sobre todo, por calado. Es una peli nacida para llegar al fondo de los corazones.

Espero que tenga muchísima suerte comercial. La merece.

Depende de ti. Hazme caso: no te arrepentirás.

HÉROES (Pau Freixas): 6

Héroes es una apuesta suicida. Porque sólo se le puede calificar así a una película que cuando elige ser mimética de alguien, no opta por El padrino o Eva al desnudo, sino por Los Goonies. Porque es entre Cuenta conmigo, Verano Azul y E.T. donde juega Freixas. En un ochenterismo que no sólo llega a la superficie de la excelsa dirección artística y la música, sino que alcanza la superficialidad de la trama y sus emociones.

Sus conflictos son de tal simplismo que sólo el humor paródico podía haber hecho que éstos crecieran. Y sin embargo, Pau Freixas (más que su guionista Espinosa) deja su huella al seguir apostando por el drama, por su propia peli. Al creer en él mismo, en su historia. Y es entonces cuando la peli se eleva, cuando toma su propio vigor, cuando empiezas a quererlos, cuando sientes que su verano es tan importante como el tuyo. Es entonces cuando en la parte final llega a hacer verdad lo que hasta entonces sólo era la película que quiso ser Los Goonies.

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Sólo tienes que entrar en la página oficial y podrás saber todo acerca de "Cecilia y Juan":

• Imágenes de momentos especiales
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El TRAILER de mi peli: Cecilia y Juan

Muchos lo habéis pedido. Pues por fin está. A muy pocos meses de su estreno, ya podéis ver el primer trailer de mi peli, "Cecilia y Juan".
¿Que de qué va? Pues es una película romántica de las de antes, con dos tipos de ahora.

Espero vuestras opiniones, vuestras sugerencias.

AMADOR (Fernando León de Aranoa): 7

Inmigrantes que tratan de robar las sobras. Inmigrantes que se protegen de los propios inmigrantes. Inmigrantes que dedican insultos racistas a otros inmigrantes.

De eso va la última de Fernando León, de inmigrantes. De inmigrantes que parecen reales, nada idealizados en intenciones y actos. Y no sólo los caracteriza como reales, tampoco demoniza al hombre blanco. Su discurso político no necesita caer en la caracterización para calar. El discurso político está ahí, sin necesidad de denunciarlo, sin necesidad de enunciarlo.

Ahí radican todas las virtudes y los defectos de Amador. En su apuesta por contar la vida de los inmigrantes. En su negación a caer en el mensajismo. Otra cosa es que al elegir esa apuesta, pierde muchas de las fortalezas que le llevaron a rodar tres obras maestras consecutivas, Familia, Barrio y Los lunes al sol.

Al optar por no contar la vida de los españoles, pierde su sentido del humor. Un maravilloso talento para la comedia fundado en su talento innato para el diálogo característico, paradójico. Y al optar por no contar la vida de los españoles, sus personajes también pierden vitalidad, la que le sobraba a Juan Luis Galiardo, Eloi Cabezas o Javier Bardem. La que hacía que por muy triste que fuera la historia y patético el personaje, se multiplicara la empatía hasta llegar al amor profundo por sus personajes.

Eso no ocurre con Magaly Solier. Está tan apagada, tan vacía de motivaciones e interés que su propuesta puede resultar realista, pero desde luego no apasionante. Interesa, porque escribe tan bien Fernando León que es imposible que no interese. Llega el mensaje porque tiene un final tan redondo que es imposible que no llegue. Pero brillar sólo brilla cuando la pantalla se llena de actores patrios, cuando aparece Celso Bugallo o una puta y un cura que generan unas composiciones tan desternillantes como apasionantes, tan interesantes como emocionantes.

Espero en el camino la próxima de Fernando León de Aranoa. Y espero que hable de lo mejor que sabe, de españoles.

BURIED (Rodrigo Cortés): 7,5

Buried es la mejor película americana del otoño. Sólo que es española.

Esta anomalía, cifrada en las tildes que aparecen los títulos de crédito, marca la película. Y es que parece mentira que todo lo que ves y (sobre todo) oyes pueda ser obra de un grupito de españoles empeñados en contar una historia tan global como el conflicto EE.UU.-Irak.

Esta anomalía también se marca en la apuesta. Un americano había escrito el excelente guión, pero ningún americano se atrevió a producirlo. El motivo es claro: un solo escenario, un solo tiempo, un solo personaje. Hay tantas restricciones que sólo el presupuesto de gastos puede agradecerlas.

Y sin embargo, el de ingresos va a ser el principal beneficiado. Lo va a ser porque la intriga generada es bestial. Porque dichas restricciones se convierten en armas de concreción. Quizá la dirección no explota todas sus posibilidades claustrofóbicas, pero sin embargo, Cortés es capaz de convertir Buried en una peli de acción, en Indiana Jones y el Sarcófago de madera de pino. Logra generarte situaciones de alta tensión emocional, logra hacerte vivir persecuciones sin poder mover los pies.

Al final, queda una peli americana estupenda, coherente y emocionante hasta el final, cuyo doble truco final (sueño y canción) te impide quedarte con el regusto del buen cine. Te impide levantarte al día siguiente con el ataúd metido en tu cerebro.

Pero lo que ha quedado es una emoción sin límites, el éxito de una marcianada española que logró devenir americana.

TODO LO QUE TÚ QUIERAS (Achero Mañas): 7,5

No es fácil escribir acerca de una película que te impide asirte a ella. Una película que consigue sumergirte en su universo y cuando ya te sientes cómodo en él, te saca al romper todas tus expectativas. Que se empeña en llevarte a otro nuevo mundo, del cual te vuelve a sacar. Una película que hace del riesgo, esencia; y en la esencia, arte.

"Todo lo que tú quieras" empieza como un melodrama y lo es hasta el final. Pero no como un melodrama de Douglas Sirk o de Venezuela, sino como un anclado en la realidad, en que las escenas te perturban y el contenido metafórico te mueve. Y dicho melodrama avanza ajeno a cualquier norma hasta hacer que el espectador dude sobre lo que está viendo. De si se está moviendo en el territorio de la comedia o en el de la realidad. De si hay hetero u homosexualidad. De si hay lógica o simplemente amor.

Y dicha duda incomoda de tal modo que hace complicado seguir creyendo en lo que te cuenta. Ahí te exige un esfuerzo. El mismo esfuerzo que aplica la peli para salirse casi siempre de los tópicos. El mismo esfuerzo que aplica Mañas al construir y hacer realidad dos personajes apasionantes: transformista y niña. El mismo esfuerzo que logra Achero al encontrar una puesta en escena con el poderío de "El Bola" y la brillantez del cine grande.

En el camino, ha podido quedar el espectador. Yo no quedé, aunque estuve a punto. Yo llegué asido hasta el final. Y en el final, llegó al objetivo del melodrama. En el final me emocionó como un niño, me emocionó como a Leo y a Flaca, me llegó adentro aunque afuera no hubiera sino sirenas.

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS (Woody Allen): 8,5

Exceptuando el catedrático Haneke, puede que Woody Allen sea el más filósofo de todos los directores. Sin embargo, si de algo carece su cine es de filosofía. Exceptuando al recién muerto Rebella, puede que Woody Allen sea el más triste de todos los directores. Sin embargo, si de algo carece su cine es de tristeza.

"Conocerás al hombre de tus sueños" lleva estos dos hitos hasta el extremo. No es filosófica ni es triste, todo lo contrario. Es sin duda la película más divertida que hace desde su época de gloria en los 90. Hace de la risa un arte sublime, que lleva a que pasen sus minutos con la felicidad del que conoce la vida y la asume como es. Del que ya no se hace preguntas porque sabe que ya no son necesarias las respuestas. Abandona la filosofía al generarnos nuevas ilusiones.

Y Woody Allen alcanza este estado de gracia utilizando como nunca sus armas de siempre. Con personajes magníficamente paródicos. Con una trama de historias paralelas perfectamente hilada, que multiplica el impacto de cada situación. Con una visión de la vida tan patética como glamourosa. Con un poderío visual mayor de lo habitual. Con unos actores nacidos para la comedia.

Y dentro de esto, como siempre, es capaz de dejar sitio a cada personaje, de hacer que cada secundario se sienta protagonista. Lo hace una Naomi Watts en eterna deificación, un Antonio Banderas desternillante. Porque si toda la función alcanza momentos gloriosos, entre ambos llegan al cielo en 3 escenas que pasarán a los hitos del tópico plano fijo de la comedia. Muestran cómo dos actores de comedia pueden hacer que una escena sea al mismo tiempo graciosa, metafórica y reveladora.

Así, entre ilusiones y realidades, Woody Allen nos lleva gozoso hacia un final que en su único error, quizá se precipita. Y al precipitarse, quizá nos deja menos tiempo para la reflexión, para las preguntas. Vuelve a conseguir alejar la tristeza, alejar la filosofía.

ORIGEN (Christopher Nolan): 8

Christopher Nolan lleva toda su filmografía buscando lo oculto. Pero no busca en los territorios opacos, busca en los límites. Busca joyas en el espacio que queda entre lo que se ve y lo que no se ve.

Empezó por la memoria y encontró los recuerdos olvidados en Memento. Consiguió el que quizá es el mejor thriller de la historia. Luego buscó en el espacio que antecede a la fase R.E.M., ese lugar de frustración que queda en la noche de los insomnes. Consiguió una obra maestra con Insomnio. Siguió alerta y llevó su ansia de saber al ilusionismo. Y en la mezcla de truco y realidad encontró en Prestige otro hito fascinante, nacido para confundir y sin embargo, perdurar. Con ello no le bastaba.

Tras el olvido, la magia y el comienzo del sueño, le faltaba llegar al centro de todo ello, al territorio donde el ser humano nunca llega, al territorio donde soñando sueña con llegar. Le faltaba llegar al sueño. Y apareció Origen.

Origen es totalmente coherente con el resto de su trayectoria. Tiene sus mismas dosis de espectáculo, de foco, de precisión estructural. Tiene un guión que supone otro salto sin red hacia el ridículo. Pero nuevamente lo logra evitar.

Lo evita gracias a una escritura modélica, capaz de contar cuatro historias dentro de una historia. Gracias a una fortaleza visual tan brutal, que logra satisfacer la infinitas posibilidades que daba la historia. Gracias a una puesta en escena de maestro, que hace real lo que sólo era sueño. Lo logra gracias a una inteligencia tan fina que es capaz de hacer comprensible una historia nacida para ser incomprendida.

Sólo su afán por dar espectáculo imposibilita el acceso a la maestría. La necesidad de recuperar el presupuesto le lleva a meter acción donde el conflicto no la requería. Y en ese añadido la película pierde algo de interés, hace que sobre algo de metraje. Pero poco.

Porque la solidez de Nolan hace que el espectador vuelva a conectar con su búsqueda. Vuelva a recuperar el olvido, vuelva a encontrar la magia, vuelva a recuperar lo apenas dormido, vuelva a vivir el sueño, soñando dentro de él hasta vivir soñando.

v.o.s. (Cesc Gay): 10

La cartelera es una ruleta rusa. Hay muchas películas sin nada que lo obtienen todo. Hay algunas películas con todo que son ninguneadas por crítica y público. "v.o.s." no pertenece a este último grupo, lo lidera.

Toda crítica es subjetiva, ésta también lo es. Y admito que la última criatura de Gay cuenta con múltiples elementos que hacen que me guste, que satisfaga mis obsesiones.

El primero es su condición de metacine. Su condición de obra entre la realidad y la ficción, entre la creación y lo creado, hacen de ella algo moderno, real, tanto como la inevitable voz en off que todos tenemos dentro mientras vivimos nuestra vida.

El segundo recurso es su no adscripción a un género, su decidida apuesta por la vitalidad de la comedia y el poso del drama, por la ligereza de la risas y el anclaje a la dura realidad de las relaciones.

El tercero es su cinefilia militante. Una cinefilia que le lleva a homenajear casi de forma involuntaria, difícilmente eludible. Como con Tarantino, se trata de una forma de vivir la vida en la cual el cine siempre está presente, en la cual las películas vistas pasan a integrarse en la vida y ser foco, referencia, personajes.

El cuarto y último es su pequeñez. La lleva tan lejos como para titular en minúsculas. Si con los otros me divierto y afilio, éste me lleva directamente a identificarme. Gay no cree estar contando la película definitiva. Quizá no cree que ésta exista. Quizá la película definitiva es la que es capaz de contar la normalidad de la vida de forma que consiga que capte esta normalidad y al mismo tiempo, la haga milagro.

Y él lo consigue. Consigue captar la verdad y encontrar el aura. Consigue hacernos reír con el día a día y emocionarnos hasta la lágrima con el milagro del nacimiento. Consigue hacer la película que siempre quiso hacer Woody Allen: mostrar la tragedia que es la vida, haciendo que el tiempo y la distancia del cine, la tornen comedia.

MADRES E HIJAS (Rodrigo García): 7,5

Siempre he creído que el hijo de García Márquez es mucho mejor que su padre. Mucho más sensible, mucho menos cursi, mucho más depurado, mucho menos exhibicionista.

Lo ha demostrado en los 3 largos que ha estrenado en España. Si Cosas que diría con sólo mirarla y 9 vidas, transmitían su amor e intento de comprensión de las mujeres a través de cortometrajes tan potentes y aislados como vertebrados, Madres e hijas es su primer salto a la narración convencional.

Y es salto, pero menos. Porque los mismos personajes que poblaban sus cortos aparecen en el drama. La misma idea central que se bifurcaba en varias sigue apareciendo aquí. La diferencia es que aquí sí hay unidad de historia, sí hay un hilo común argumental que une a las diferentes historias. Ese hilo es la sangre y es el tiempo, ese hilo es la relación materno-filial que nace de los genes o de la compañía.

Así, el conflicto adopción-legado-educación explota en 3 madres que no lo son, se desarrolla en sus diferentes vertientes, alcanza un grado de profundidad que nos lleva más a vivir sus vidas que a plantearnos preguntas. Más a sentir sus emociones que a replantearnos nuestra realidad.

Para ello se sirve de retratos femeninos tan acerados como los de sus cortos, de vidas tan apasionantes como la de Naomi Watts, uno de esos personajes nacidos para quedarse. Es ella y su relación con un sublime Samuel L. Jackson quienes llevan la película a los terrenos de la perdurabilidad. Su imposible relación es una de las cotas mejores en lo que va de año.

Por eso al bajar de ella para aterrizar en la coherencia de la historia y de los personajes, en la unión de esas 3 madres aparece un desenlace necesario, pero insuficiente para el grandísimo cine que hasta entonces hemos visto.

Un cine en el que el plano-secuencia sólo llega en el último plano. Un cine en el que el montaje y la planificación se dan la mano de una forma tan precisa que cada elipsis genera intriga y metáfora, cada corte es sereno y elegante, cada fin es un comienzo.

Un comienzo libre de emociones, germen de nueva vida. Ya sea por los genes, ya sea por la compañía.

TWO LOVERS (James Gray): 8,5

Two Lovers es sin duda la película de la primavera. No lo es sólo por la ausencia de cosas buenas, lo es por que le salen virtudes por cada poro de los fotogramas.

Por una vez, sus fortalezas no nacen de una historia trabajada para ser original. Ni mucho menos. Sus conflictos son los de Shakespeare, los de toda la vida. El chico que se debate entre lo que le atrae y lo que le conviene. La chica que elige un amor, que le convierte en adicta a la lágrima. Y la enfermera patológica, que busca sufrir haciendo bien en la Tierra para llevarse tranquilidad al Cielo.

Nada hay de original en ello. Pero no por ello deja de ser original. Porque la originalidad está en que esos personajes sí lo son. Lo son porque la bipolaridad o la esquizofrenia no suelen aparecer en películas de estrellas más que para historias de superación, historias de excepción. Y si algo no es Two Lovers es una historia donde se trate a los personajes como seres extraños, seres a los que el mundo trata de meter en él.

Los personajes viven siempre dos vidas. La que está en su cabeza y la que tienen vivir fuera de ella. Y eso les condena a estar siempre donde no tienen que estar. Por eso están siempre solos. Por eso cada momento en que logran meterse en el mundo vale cien veces de disfrute más. Por eso pasas de rechazarlos a quererlos. De no entenderlos a pensar que quizás tú harías lo mismo.

Esto lo logra gracias a sus personajes, gracias a sus actores. Pero los grandes logros de la película no están sólo en su apuesta por personajes sin empatía para el espectador. Están en una dirección que hace aflorar al exterior lo que llevan dentro de la cabeza.

Y lo difícil no es sacarlo, es hacerlo de forma natural. Lo hace sin utilizar el diálogo o los sueños. Lo hace sin recurrir a la voz en off o a la cámara subjetiva. Lo hace mediante una fotografía plagada de detalles. Con planos que iluminan lo mejor de Manhattan como un sitio que no es para Joaquin Phoenix. Con rejas en la terraza que acorralan a Gwyneth y lo separan de Joaquin. Con cristales en las puertas que deforman las imágenes casi tanto como su cabeza. Con guantes que son metáforas y puertas de Metro que son predicciones.

Lo hace mediante mil y un recursos, que logran crear una nueva realidad y hacértela vivir con la intensidad del interior de la cabeza de un loco. Lo hace con la sinceridad de un genio que no intenta llegar al gran público, pero que consigue la emoción del que habla sin ambages. Lo hace encontrando la vida dentro de uno a través del que somos y nunca queremos ser. Lo hace haciendo cine grande en cada fotograma, creando poros, encontrando almas.

PERDONA QUE TE LLAME AMOR (Federico Moccia): 0

En función de cómo uno la vea, a la nota de esta película se le puede poner un 1 delante. Porque viéndola puedes ser completamente feliz. Viéndola puedes sentir el mismo orgasmo que yo sentí desternillándome de "Independence Day".

Porque eso es la peli: una parodia involuntaria. Hay tantas situaciones que encuentran el ridículo que el ridículo acaba formando parte de la esencia de la película. Y es entonces cuando no sabes si lo que ves es sublime o simplemente ridículo.

La vergüenza ajena no tarda en entrar. Lo hace en el primer fotograma cuando te introducen por vez primera frases de autores célebres, a la busca de enjundia intelectual. Pero si a la mierda le incluyes una cita de Balzac, sigue siendo mierda. Continúa con una voz en off en pos de un personaje que nada tiene que ver con la trama, y que sólo aporta una supuesta filosofía que no alcanzaría ni la de un manual de autoayuda. Prosigue con unos personajes pretendidamente interesantes, cuyo interés se resume en su cuerpo. Lo acompaña de unas situaciones tan esquemáticas y falsas como de las de los dos publicistas que les ponen a competir por un supuesto premio. Lo adorna con que al final este premio lo ganan unos dibujos de la prota que enrojecerían hasta a una niña sin padre junto a la casa. Lo amplían unos diálogos tan edulcorados que serán denunciados por la Asociación de Defensa de la Diabetes. Lo magnifica la manida metáfora del faro como retiro de un supuesto ejecutivo agresivo. Se supera metiendo con calzador un accidente que introduzca la muerte y la amistad en sus inanes vidas. Y alcanza la epopeya un juego de luces y ecos durante una escena sexual que haría temblar de erotismo al mismísimo Leonardo Dantés.

Todo es tan falso como surreal. Todo es tan patético como vergonzante. Todo es tan tópico que acaba encontrando lo que no buscaba, una carcajada tan bestial que sí permite llegar a lo que quería: hacer felices a los espectadores.

CyJ: Primer visionado

Acabo de realizar mi primer visionado de la película con un amigo profesional. Y todavía tengo la carne de gallina.

Qué sensación más potente es no querer ver los defectos, qué maravilla es ver que no todos los ven, que algunos de los que se ven son corregibles, qué gozada es emocionarte, sentirte sobrecogido por algo que encima es tuyo.

Cada vez me apetece más llegar al final, llegar al principio.

EL MAL AJENO (Oskar Santos): 7,5

http://www.youtube.com/watch?v=L_84Sisn_6k

No entiendo el desprecio crítico que ha vivido esta película. No es que pida su aprecio por ser ópera prima, lo pido porque es de las pocas películas que te ata a la butaca desde su lanzamiento hasta su desenlace.

Te ata a base de golpes. A base de inundarte con su óptica visual, con sus planos arrebatadores, con sus conflictos superpuestos, con su renovado lenguaje matemático. Puede que algunos de sus golpes tengan que ver con el carácter sobrenatural de la trama, admito que esos son golpes más o menos fáciles. Puede que otros sean efectos especiales sin máscaras ni tecnología, puedo admitir también su no extrema dificultad. Pero provengan de unos o de otros, lo importante es que arrebatan, que elevan la trama a miles de puntos en lo que ninguno carece de atractivo.

Como en el buen cine, cada escena tiene entidad en sí misma. Tiene un prólogo, tiene un nudo y tiene un desenlace. A nivel argumental y a nivel metafórico. Como en el buen cine, cada personaje tiene una personalidad, tiene una evolución. A nivel físico y a nivel psicológico. Como en el buen cine, cada personaje tiene un actor, tiene carisma. A nivel presencia y a nivel interacción.

Sumando ese guión y esos actores, aparece una realización que hace que cada escena brille sobre sí misma sin cegar a las demás. Es tan potente el uso de la cámara, es tan sobresaliente la fotografía que logra reinventar lugares tan conocidos como la clínica de La Paz o un parking carne de grisura. Y en la suma de la historia con la dirección y con la interpretación, se llega a una atmósfera, a un clímax donde lo sobrenatural deviene natural, donde lo irreal se cuela en el espacio de lo real hasta llegar a ser indistinguibles.

Donde el mal y el bien se encuentran para hacer una aleación, para llegar a hacer el bien ajeno practicando el mal propio, para realizar el mal encontrando el bien.