PRIMOS (Daniel Sánchez Arévalo): 8,5

No soy objetivo, no lo quiero ser. Hay películas que son como personas: las amas. No importa que tengas defectos, los quieres más por ellos. Primos es de éstas. Amo Primos.

No es un amor incondicional, no la amo desde la desmesurada primera escena. Su monólogo inicial me seduce, me mueve a reírme, su continuidad me cansa un poco. Pero en el momento en el que da el salto a Comillas, su paisaje, su energía y su locura me llevan a sentirme en casa, a visitar territorio conocido, a divertirme con mis amigos, a revivir mi vida.
De eso va Primos. De la fiesta que todos vivimos cuando queremos salir de nuestro pozo. De la necesidad de soltarnos para dejar atrás las lágrimas, de cómo el disfrute nace del drama, cómo la comedia no es sino la mirada que da el tiempo tras la tragedia.
Todo eso es lo que puedo decir de Primos tratando de ser lo que no soy: objetivo. Pero lo que debo decir es lo que me sale de dentro. Que no se me fue en ningún momento la sonrisa de niño. Que no paré de soltar carcajadas de adulto. Que empaticé con cada uno de sus personajes. Que amé cada uno de sus errores. Que lloré sólo de la emoción de amar. Que acabé aplaudiendo como la mitad de mi sala. Que su antológico final me produjo una felicidad como la que sólo puede dar el amor.
El amor a un desternillante Raúl Arévalo. El amor a un sublime Quim Gutiérrez. El amor a un director, Daniel Sánchez Arévalo, que con 3 pelis ya logra construir un mundo propio pero permite que sea el de todos.

CISNE NEGRO (Darren Aronofski): 9

Cisne negro es una crítica a la búsqueda de la perfección. A cuánto uno es capaz de cruzar la línea para alcanzarla. Pero viendo la perfección de la peli, uno no para de preguntarse cuánto cruzó la línea Darren Aronofski para conseguirla.
La perfeccción alcanza a todos los puntos. Un guión con tres capas tan perfectamente entrelazadas, que en su fusión, se multiplican sus conflictos. Una dirección artística tan homogénea con el argumento que logra del blanco y el negro tantos matices como de los actores. Un vestuario que realza tanto la belleza como su sufrimiento. Un montaje que consigue una atmósfera de un desasosiego tal que te dan ganas de autodestruirte. Una música que te eleva hasta el escenario y te golpea contra el suelo. Y unos actores a punto de destrozarse a sí mismos en la búsqueda misma de la perfección.
Hasta ahí, Aronofski juega a cruzar la línea. La línea de la realidad y el sueño, la línea de la obra retratada y la vivida, la línea del blanco y el negro, la línea del bien y el mal, la línea de la vida y la muerte. Entre ambas líneas se pasa toda la película, toda la dirección. Pero esa delgada línea roja la cruza en el casting. Un casting que convierte la vida real de sus actrices en carne de ficción, de pública inmolación.
Y es que nada es casual en la la elección de la tres divas que protagonizan la ficción. No es casual la aparición de una Barbara Hershey que en su lucha por la perfección, abusó del bottox hasta autodestruirse. Y es que a ratos, su cara parece la de Mickey Rourke en The Wrestler. No es casual la selección de Winona Ryder como la persona a quien tiene que reemplazar Natalie Portman. ¿Quién no recuerda el comienzo de ambas como niñas prodigio, su crecimiento como musas independientes, su explosión en Hollywood como las guapas inteligentes? ¿Quién no recuerda el final de Winona, autodestruida en la cleptomanía hasta la total desaparición? ¿Quién no sabe quién es su sustituta natural hoy en el corazón de Hollywood?
En ese cruce de la línea entre realidad y ficción, entre el bien y el mal, nacen muchas preguntas. ¿Cómo han quedado las almas de Hershey y de Ryder? ¿Y la de Portman después de un papel tan destructivo como éste? ¿Le pasará como a Maria Schneider con su Vincent Cassel particular, Bernardo Bertolucci? Tras cruzar la línea, ¿se ha convertido Aronofski en el propio cisne negro?
No lo sé. Quizás nunca se sepa. Lo que sí sé es que lo he pasado fatal viéndola. He descubierto la belleza y el dolor, la lucha con uno mismo y las heridas, la mejora y el destrozo, la vida y la muerte. He descubierto que en la búsqueda de la perfección, el gozo y el dolor se entrelazan hasta sufrir la tragedia de conseguir una obra maestra.

THE FIGHTER (David O.Russell): 5,5

Que no os engañen. Que no os engañen ni las 7 nominaciones a los Oscar, ni los dos Globos de Oro. Que no os engañen los críticos nada sesudos ni los espectadores poligoneros que abarrotaban la sala.
The Fighter no es más que una ensalada de tópicos. No es más que una peliculita de boxeo. No es más que una historia convencional de superación. No es sino una peli más basada en hechos reales en la que nada de lo que sucede parece creíble.
Y lo peor no es que no te lo creas. Lo peor es que no te llega. Que no alcanza a generarte una mínima emoción.
Todo parte de un guión en el que lo único que sobresale son los dos estupendos personajes del hermano y la madre, de Christian Bale y de Melissa Leo. Ellos dos mantienen una trama en la que sólo sorprende la oda antifamiliar. Todo lo demás es convencional, es perfectamente predecible.
Y especialmente predecible es la dirección de un O'Russell que nunca fue el niño listo que le dijeron que era. Sus películas al fin siempre se caían. Aunque no la haya escrito, ésta es otra más de las que se caen.
Por eso que no os engañen. No vayáis a verla.

¿Y cuándo se estrena?

Sólo quedan 11 días para San Valentín. Y ya podéis buscaros un plan o encontrar un rollo para esa noche con el que simular que sois pareja. Porque como habréis visto, ese día todavía no será el estreno, seguimos azarosos en la postproducción de la película.

Ahora mismo, está el productor moviendo la peli, la de comunicación generando noticias, la directora de foto mejorando la imagen, un músico creando, un montador narrando mejor, una ayudante de montaje corrigiendo, un responsable de sonido arreglando, un colorista decolorando y dos tíos de efectos con los títulos de crédito. Y luego están Cecilia y Juan, los protagonistas. ¿Qué harán?

DE DIOSES Y HOMBRES (Xavier Beavois): 6,5

Tengo una espiritualidad a prueba de fe. Por eso todo lo que aquí comento, parte de ese hecho. De que, dada mi superficialidad hacia la vivencia religiosa, cuesta que me lleguen ciertos mensajes, ciertos sentimientos. No por ello dejo de admirarlas.
Y lo que me sucede durante la peli ganadora de Cannes es que no dejo de admirar, nunca llego a empatizar. Están a un nivel tan alto los monjes protagonistas que nunca llego a sentirles cerca, a emocionarme con su historia.
Eso no impide que siga creyendo que son maravillosos, que son referentes. Eso no impide que admire la obra de Beauvois. Eso no impide que no me dé cuenta de su coherencia. De cómo asume un estilo y lo mantiene hasta el final. De cómo acepta el silencio y el canto religioso como el sonido de sus vidas y por tanto, el sonido del cine. De cómo refleja su tranquilidad vital y su estrés ante la muerte. De cómo retrata sus vidas como parte de algo en esencia superior.
Todo eso es cierto. Pero el caso es que cuando llega el momento de emocionarme, no lo consigue. Cuando llega el momento de amarlos, me quedo en la celebración. Cuando llega el momento de epatarme con un último y maravilloso plano, me quedo en la admiración.

¿Quieres participar en la peli?

¿Quieres participar en Cecilia y Juan?

Manda fotos de tus lugares favoritos de Madrid, aquéllos que para ti son más especiales, los que indicarías en un álbum de grandes éxitos de la Capital.

Este domingo 23 rodamos planos de la ciudad y si nos gusta tu foto, haremos un plano para tu foto, aparecerás en los créditos. Podrás decir que has hecho una película.

Para ello, sólo tienes que coger tu móvil y darle al click. O buscar una imagen que ya tengas. No importa que aparezca alguien. Lo que importa es que proponga una nueva forma de ver un sitio viejo. O que descubra un lugar no prototípico.

Y después, súbela a esta página. O si no estás en Facebook, mándalo a la dirección de mail que pongo en comentarios.

Gracias por participar.

Los nominados a los Matomovies de Oro

El Comité ha seguido deliberando. Y elegir es renunciar. ¿A quién ha elegido? A representantes de la realidad y de la invención.

5 FICCIONES:

• An Education (Lone Scherfig, Gran Bretaña, comedia dramática)
• Carancho (Pablo Trapero, Argentina, thriller dramático)
• La cinta blanca (Michael Haneke, Austria, drama de terror)
• Conocerás al hombre de tus sueños (Woody Allen, USA, comedia)
• Two lovers (James Gray, USA, thriller romántico)

2 DOCUMENTALES:

• Anvil - El sueño de una banda de rock (Sacha Gervasi, USA, documental biopic cómico)
• María y yo (Félix Fernández de Castro, España, documental biopic drama)

Y ahora tú, ¿por quién votas? ¿Buscas opciones seguras tipo La cinta blanca o arriesgas con producciones de calado como Carancho?

¿Te gusta lo mismo que a todos?

¿Cuál es para ti la mejor película del año?

Como cada nuevo año, los Matomovies de Oro ya están aquí.
Y con ellos, las nominaciones. Después de un rigurosísimo proceso de selección, tras horas y horas de sesudas reuniones, el Comité ha deliberado. Y éstos son los nominados a la mejor película estrenada en España en 2010:

An Education (Lone Scherfig, Gran Bretaña, comedia dramática)

Anvil - El sueño de una banda de rock (Sacha Gervasi, USA, documental biopic cómico)

Bicicleta, cuchara, manzana (Carles Bosch, España, documental biopic drama)

Biutiful (Alejandro González Iñárritu, España-México, drama)

Bon Appetit (David Pinillos, España-Alemania, drama romántico)

Carancho (Pablo Trapero, Argentina, thriller dramático)

La cinta blanca (Michael Haneke, Austria, drama de terror)

Conocerás al hombre de tus sueños (Woody Allen, USA, comedia)

Lourdes (Jessica Hausner, Francia, drama religioso)

María y yo (Félix Fernández de Castro, España, documental biopic drama)

Origen (Christopher Nolan, USA, thriller acción)

La red social (David Fincher, USA, drama cómico)

Two lovers (James Gray, USA, thriller romántico)

Up in the Air (Jason Reitman, USA, comedia dramática)

Y ahora, es tu momento de elegir. ¿Cuál es tu favorita entre las nominadas?

EL DISCURSO DEL REY (Tom Hooper): 6

Resulta aburrido escribir una crítica acerca de una peli que no me ha dicho nada. Una peli que me ha tenido 2 horas para contarme una cosita que me han contado mil veces. Una peli que parte de la Historia para contarme una historia más.

Poco se puede decir sobre El discurso del Rey. Seguramente lo peor que se puede decir de ella es que busca el cine de qualité. Es que encuentra el aprecio del espectador menos exigente.

Va tan claramente a por el Oscar que es posiblemente que lo encuentre, pero lo que no va a encontrar es la recomendación del que se sienta en la butaca. Para alcanzar la historia, trata la Historia, pero no hurga en ella para no encontrar los elementos de fascismo que al espectador pudieran molestarlo. Para alcanzar la autoría, utiliza unos grandes angulares que te sacan de los años treinta. Para alcanzar el prestigio, toma celebridades y les da una cara famosa, que no un personaje. Para alcanzar la emoción, se centra en la autosuperación de un modo que pierda la esencia de la Historia. Para alcanzar la lágrima, guarda la música para un final pretendidamente épico que no mueve un solo ojo.

Con todo ello, El discurso del Rey no es una mala película. Sólo es una película sin personalidad.

BIUTIFUL (Alejandro González Iñarritu): 8

Hace 3 años nos planteábamos en este foro qué sería de las carreras de Guillermo Arriaga y Alejandro González Iñárritu después de su ruptura.

Tras su primer combate, ya podemos decirlo: ha habido empate. Un empate que significa una derrota para los dos. Porque “Lejos de la tierra quemada” y “Biutfiful” son películas estupendas. Duras y profundas como su cine en común, agresivas y con calado como “Amores perros”, “21 gramos” y “Babel”, bestiales y comprensivas. Ambas películas son notables, pero no alcanzan el sobresaliente que conseguía su colaboración.

Biutiful es por lo menos tan buena como Lejos de la tierra quemada. Pero si nos olvidamos de comparar, si nos centramos en vivir una película sobre la muerte, podemos ya decir que nos hace vivir muriendo.

Parte de un planteamiento que nos sitúa en un nuevo mundo. Un nuevo mundo en el Viejo Mundo. Un nuevo mundo que es la cara B de la Barcelona turística, las canciones desechadas de los grandes éxitos del Romanticismo. Un nuevo mundo formado por las cloacas del capitalismo. Y esas cloacas son las que alimentan el sistema, echan carbón hasta encender primero y quemar después sistemas y conciencias, almas y cuerpos.

A ese mundo pertenece Uxbal. Dentro de ese mundo, trata de sobrevivir y hacer sobrevivir. Por su profesión, es demonio visto desde fuera y es ángel cuando lo conoces. Uxbal no es ni más ni menos que el mejor actor del mundo. El despliegue de recursos y dignidad que hace Javier Bardem le vuelven a convertir en el quizá mejor actor de la historia. Su capacidad para llenar la pantalla no es más que su arma para liderar un reparto, al que acompaña, transmuta y eleva, transformándose en el medium del espectador, el que nos permite comprender un mundo que no queremos comprender.

Iñárritu se agarra a su medium y a la fortaleza visual y de puesta en escena del mejor director vivo en rodaje y montaje. Lástima que los conflictos no tengan toda la crudeza metafórica de los de su exguionista. Lástima que la música de Santaolalla no te lleve al éxtasis de “Amores perros”. Pero todos sus recursos sí te llevan a la carne y al alma de Uxbal, a vivir el mundo del que rehuimos pero encontramos, a comprenderlo y emocionarte sin que deje de acojonarnos.

La bestialidad se tiñe con su bondad natural. Y es que la bonhomía del director pierde cine al dejar de mezclarse con la dureza del guionista. En el conflicto, ambos empatan, ambos pierden.

Pero el espectador se va a casa sin consuelo y con los lacrimales vacíos. Ha vuelto a ver una peli extraordinaria, un documento tan necesario como estremecedor, unas vidas tan reales como irreales.

UN NUEVO CINE, UN VIEJO CINE

Resulta curioso que 2 de las mejores pelis del año sean documentales.

Una es Anvil, la otra es María y yo. Y ambas recurren a la realidad para contar historias de perdedores que en el fondo son ganadores. Son historias que antes tocaba Hollywood y luego tocó el cine independiente. Pero son historias que hoy no se tocan apenas en la ficción.

Y el cine llega al corazón más que nunca a través de ellas. Conmino a los cineastas a recoger esta senda. Es la senda de Beto en Parque Vía, de Beni Lakun en Bajo las estrellas, de Olive Hoover en Little Miss Sunshine. Es la senda de CC Baxter en El apartamento.

ANVIL (Sacha Gervasi): 9

Anvil es la película que todo artista debería ver. Es más, no sólo ver, sino convertirla en su religión.

Lo es por lo que cuenta. Por la fe inquebrantable de un par de locos en el triunfo, en romper la barrera que separa su propio patetismo del ajeno. Por la determinación con la que buscan su autorrealización sin perder sus valores. Por encontrar la felicidad en el camino más que en el destino.

Lo es también por cómo lo cuenta. Y lo cuenta con verdad. Con una cámara en mano que se vuelve agente doble, se vuelve cómplice de protagonista y espectador. Con un humor que desnuda a los personajes y luego les hace merecedores del calor de un abrazo. Con una ternura idéntica a la de los amigos, a los cuales llegas a querer más por sus virtudes que por sus defectos.

Con todo eso, Sacha Gervasi construye una obra maestra. Un monumento al arte, pero también al al fracaso, a la familia. Una nueva demostración de que es en los márgenes de la realidad y del triunfo donde se encuentran las metáforas que convertir en ejemplo, en referente vital.

Por ello, si el fracaso de Anvil como grupo les dignifica, el éxito de la peli les glorifica.

THE TOWN (Ben Affleck): 5

La carrera de Ben Affleck es una carrera contra su incapacidad para interpretar.

En el camino lo ha probado todo. Ha moldeado su cuerpo. Se ha liado con la cantante-actriz más famosa. Ha intentado hacer películas serias. Ha hecho mierda. Ha escrito un guión. Ha desaparecido del mapa. Ha proclamado su alcoholismo. Ha buscado la redención.

Ahora ha probado a dirigir. No he visto Adiós, muñeca, adiós. Pero ha gozado de gran prestigio. El mismo que sorprendentemente ha adquirido The town, Ciudad de ladrones.

Quizá lo que le falte probar sea desaparecer de la pantalla. Porque The Town no es una mala película. Tiene ritmo y nervio en el montaje. Tiene personajes que podrían interesar y una actriz estupenda. Tiene acción bien rodada y una trama interesante. Acusa de exceso de tópicos, pero entra dentro de lo que esperas en una peli de helicópteros y grúas sobre los todoterreno.

El problema es que está él. Está el que estuvo a punto de joder una obra maestra como Persiguiendo a Amy. Está en el que jode cada fotograma con su pose interesante y falsa tortura, con su exhibición de músculos y de nulo carisma. Porque él es el problema. Si no fuera por él, una historia de amor tan falsa podría ser creíble. Si no fuera por él, la trama llegaría a apasionar.

Ahora que ha probado la dirección, ha llegado el momento de terminar su carrera. Sólo tiene que hacer una cosa para conseguirlo: desaparecer de la pantalla.

TAMBIÉN LA LLUVIA (Icíar Bolláin): 10

Quedan dos meses para el estreno. Pero id haciendo hueco en vuestra agenda.

Porque no os podéis quedar sin verla. Porque ha nacido para vivir, ha nacido para perdurar.

Es difícil expresar el grado de excitación y de emoción que me generó. Para mí, es desde ya la mejor película del año, una de las 2 ó 3 mejores de los últimos años. Por fuerza, por mensaje, por ritmo, por interpretación. Pero sobre todo, por calado. Es una peli nacida para llegar al fondo de los corazones.

Espero que tenga muchísima suerte comercial. La merece.

Depende de ti. Hazme caso: no te arrepentirás.

HÉROES (Pau Freixas): 6

Héroes es una apuesta suicida. Porque sólo se le puede calificar así a una película que cuando elige ser mimética de alguien, no opta por El padrino o Eva al desnudo, sino por Los Goonies. Porque es entre Cuenta conmigo, Verano Azul y E.T. donde juega Freixas. En un ochenterismo que no sólo llega a la superficie de la excelsa dirección artística y la música, sino que alcanza la superficialidad de la trama y sus emociones.

Sus conflictos son de tal simplismo que sólo el humor paródico podía haber hecho que éstos crecieran. Y sin embargo, Pau Freixas (más que su guionista Espinosa) deja su huella al seguir apostando por el drama, por su propia peli. Al creer en él mismo, en su historia. Y es entonces cuando la peli se eleva, cuando toma su propio vigor, cuando empiezas a quererlos, cuando sientes que su verano es tan importante como el tuyo. Es entonces cuando en la parte final llega a hacer verdad lo que hasta entonces sólo era la película que quiso ser Los Goonies.

¿Quieres ser fan de mi peli?

Si quieres, ya puedes saber todo de la peli.

Sólo tienes que entrar en la página oficial y podrás saber todo acerca de "Cecilia y Juan":

• Imágenes de momentos especiales
• Vídeos, como el trailer que ya conoces
• Debates relacionados
• Eventos que tienen a Cecilia y Juan como leit motiv

Si quieres acudir a algo relacionado con la peli, lo sabrás ahí, en tu página.

Hazte amigo, haz amigos.

El TRAILER de mi peli: Cecilia y Juan

Muchos lo habéis pedido. Pues por fin está. A muy pocos meses de su estreno, ya podéis ver el primer trailer de mi peli, "Cecilia y Juan".
¿Que de qué va? Pues es una película romántica de las de antes, con dos tipos de ahora.

Espero vuestras opiniones, vuestras sugerencias.

AMADOR (Fernando León de Aranoa): 7

Inmigrantes que tratan de robar las sobras. Inmigrantes que se protegen de los propios inmigrantes. Inmigrantes que dedican insultos racistas a otros inmigrantes.

De eso va la última de Fernando León, de inmigrantes. De inmigrantes que parecen reales, nada idealizados en intenciones y actos. Y no sólo los caracteriza como reales, tampoco demoniza al hombre blanco. Su discurso político no necesita caer en la caracterización para calar. El discurso político está ahí, sin necesidad de denunciarlo, sin necesidad de enunciarlo.

Ahí radican todas las virtudes y los defectos de Amador. En su apuesta por contar la vida de los inmigrantes. En su negación a caer en el mensajismo. Otra cosa es que al elegir esa apuesta, pierde muchas de las fortalezas que le llevaron a rodar tres obras maestras consecutivas, Familia, Barrio y Los lunes al sol.

Al optar por no contar la vida de los españoles, pierde su sentido del humor. Un maravilloso talento para la comedia fundado en su talento innato para el diálogo característico, paradójico. Y al optar por no contar la vida de los españoles, sus personajes también pierden vitalidad, la que le sobraba a Juan Luis Galiardo, Eloi Cabezas o Javier Bardem. La que hacía que por muy triste que fuera la historia y patético el personaje, se multiplicara la empatía hasta llegar al amor profundo por sus personajes.

Eso no ocurre con Magaly Solier. Está tan apagada, tan vacía de motivaciones e interés que su propuesta puede resultar realista, pero desde luego no apasionante. Interesa, porque escribe tan bien Fernando León que es imposible que no interese. Llega el mensaje porque tiene un final tan redondo que es imposible que no llegue. Pero brillar sólo brilla cuando la pantalla se llena de actores patrios, cuando aparece Celso Bugallo o una puta y un cura que generan unas composiciones tan desternillantes como apasionantes, tan interesantes como emocionantes.

Espero en el camino la próxima de Fernando León de Aranoa. Y espero que hable de lo mejor que sabe, de españoles.

BURIED (Rodrigo Cortés): 7,5

Buried es la mejor película americana del otoño. Sólo que es española.

Esta anomalía, cifrada en las tildes que aparecen los títulos de crédito, marca la película. Y es que parece mentira que todo lo que ves y (sobre todo) oyes pueda ser obra de un grupito de españoles empeñados en contar una historia tan global como el conflicto EE.UU.-Irak.

Esta anomalía también se marca en la apuesta. Un americano había escrito el excelente guión, pero ningún americano se atrevió a producirlo. El motivo es claro: un solo escenario, un solo tiempo, un solo personaje. Hay tantas restricciones que sólo el presupuesto de gastos puede agradecerlas.

Y sin embargo, el de ingresos va a ser el principal beneficiado. Lo va a ser porque la intriga generada es bestial. Porque dichas restricciones se convierten en armas de concreción. Quizá la dirección no explota todas sus posibilidades claustrofóbicas, pero sin embargo, Cortés es capaz de convertir Buried en una peli de acción, en Indiana Jones y el Sarcófago de madera de pino. Logra generarte situaciones de alta tensión emocional, logra hacerte vivir persecuciones sin poder mover los pies.

Al final, queda una peli americana estupenda, coherente y emocionante hasta el final, cuyo doble truco final (sueño y canción) te impide quedarte con el regusto del buen cine. Te impide levantarte al día siguiente con el ataúd metido en tu cerebro.

Pero lo que ha quedado es una emoción sin límites, el éxito de una marcianada española que logró devenir americana.

TODO LO QUE TÚ QUIERAS (Achero Mañas): 7,5

No es fácil escribir acerca de una película que te impide asirte a ella. Una película que consigue sumergirte en su universo y cuando ya te sientes cómodo en él, te saca al romper todas tus expectativas. Que se empeña en llevarte a otro nuevo mundo, del cual te vuelve a sacar. Una película que hace del riesgo, esencia; y en la esencia, arte.

"Todo lo que tú quieras" empieza como un melodrama y lo es hasta el final. Pero no como un melodrama de Douglas Sirk o de Venezuela, sino como un anclado en la realidad, en que las escenas te perturban y el contenido metafórico te mueve. Y dicho melodrama avanza ajeno a cualquier norma hasta hacer que el espectador dude sobre lo que está viendo. De si se está moviendo en el territorio de la comedia o en el de la realidad. De si hay hetero u homosexualidad. De si hay lógica o simplemente amor.

Y dicha duda incomoda de tal modo que hace complicado seguir creyendo en lo que te cuenta. Ahí te exige un esfuerzo. El mismo esfuerzo que aplica la peli para salirse casi siempre de los tópicos. El mismo esfuerzo que aplica Mañas al construir y hacer realidad dos personajes apasionantes: transformista y niña. El mismo esfuerzo que logra Achero al encontrar una puesta en escena con el poderío de "El Bola" y la brillantez del cine grande.

En el camino, ha podido quedar el espectador. Yo no quedé, aunque estuve a punto. Yo llegué asido hasta el final. Y en el final, llegó al objetivo del melodrama. En el final me emocionó como un niño, me emocionó como a Leo y a Flaca, me llegó adentro aunque afuera no hubiera sino sirenas.