MatoMovies

THE ARTIST (Michael Hazanavicius): 8,5

2012-01-15T10:57:00.002+01:00

Lo mejor que te puede pasar ante esta película es que confíes en ella. Que te dejes llevar.
Yo lo confieso: se la recomiendo a cualquiera. Pero te ocultaría una parte decisiva de su forma. Y lo haría pensando en ti. Porque si no, no vas a atreverte a verla. Y tienes que verla.
No es verla, es sentirla. Es meterte en otra época, es ser carne de cine, de "cine de verdad", del de antes.
El mejor cine probablemente se haga ahora, pero "el cine" siempre será el cine clásico. Y "The Artist" logra que te metas dentro de él y vivas como si fueras una estrella de las de antes. Lo hace dominando todas las claves. Un guión notable, que se mueve entre la reactivación del melodrama de siempre y la inclusión de las anécdotas de las vidas reales de sus actores. Unos personajes antagónicos pero que no dejan de ser preciosos, destinados a encontrarse y encontrarnos. Una fotografía que encuentra luz, contraluz y metáforas en casi todos los planos. Y lo mejor, un ritmo bestial, que nos recuerda que el cine sobre todo nace para entretener, para evadir, para emocionarse.
Y The Artist lo encuentra. De la sala sales entretenido, evadido, emocionado. Feliz. Como en el cine de siempre.

DRIVE (Nicolas Winding Refn): 7,5

2012-01-15T10:49:00.002+01:00

Lo primero que sorprende en "Drive" es su estética ochentera. Pero puestos a asumir dicha imagen, ni siquiera elige la de Spielberg, hace como Tarantino y se va a por lo peor para hacer de lo mejor. Así en pantalla, vemos deslizarse la filmografía de Adrian Lyne o de Jerry Bruckheimer.
El hito llega ya con esos títulos directamente robados de lo más kitsch, de Flashdance.
Todo sirve para darle un aspecto único a un personaje y una secuencia inicial apasionantes. A partir de ahí, nos metemos en un trama que intenta ser "Le samouraï", pero olvida que eso supone lograr la precisión en el guión de Melville.
Pero entre imágenes alucinantes y secuencias de acción sublimes, llegamos a un último tercio en que, queriendo convertirse en Cronenberg, a Nicolas Winding Refn, se le va la mano con la violencia. Y donde quiere ser seco resulta gore. Donde quiere resultar brutal, resulta desagradable.
Ese tercio final, pleno de incoherencias de guión, lastra gran parte de los logros de una película de arte y ensayo que quiere ser para todos los públicos. De una película para todos los públicos que quiere ser de arte y ensayo.

LE HAVRE (Aki Kaurismaki): 6,5

2012-01-15T10:44:00.002+01:00

Algunas películas son aclamadas por venir de donde vienen. Yo mismo a veces tengo la tentación de aclamar lo que viene aclamado. El problema es cuando en la sala apenas se oyen risas, al salir apenas se ven lágrimas.
Es es el caso de "Le Havre". No es una mala película. Es más, el ganador de la Palma de Oro en Cannes ha facturado una película humilde, bonita, interesante. Una película optimista que se agradece en estos tiempos de dramas humanos y terrores cinematográficos.
Pero no es más que eso. Porque se trata claramente de una película pequeña y previsible. Sí, es humana, es curiosa y es de Kaurismaki, pero aunque nos empeñemos en lo contrariono es mucho más que eso.

El Festival Internacional de Cine de Albacete apoya el cine independiente y de bajo coste con la proyección de “Cecilia y Juan”

2011-09-30T20:18:00.003+02:00

Abycine proyectará el próximo 4 de octubre la ópera prima de un director, que decidió hacer su sueño realidad autoproduciendo su película
"Cecilia y Juan", una película romántica de las de antes con dos tipos de ahora, está teniendo gran acogida en pases privados y en redes sociales

Todos podemos ser protagonistas de una película romántica. Todos podemos vivir el sueño que vive un galán de cine clásico. Si el amor ha desaparecido de las pantallas, “Cecilia y Juan” demuestra que no sólo puede volver, sino que cualquiera de nosotros puede hacerlo realidad.

Es lo que les pasa a Cecilia y Juan. Ellos son dos tipos de ahora, tan vividos como desencantados. Como en toda historia romántica, se encuentran, se repelen, se atraen. Durante un amanecer descubren la ciudad mientras descubren al otro y a sí mismos. Y se descubren siendo protagonistas de su propia película romántica, viviendo una noche que parece de cine y que les hace creer que puede suponer un cambio para siempre en sus vidas. Y la viven hasta el final, no sabiendo si en su relación, ganará la ficción o la vida real. Al final de la mañana, algo habrá cambiado para siempre.

Pero no sólo Cecilia y Juan viven su propio sueño. También lo vive su director, Alberto Córdoba. Tras dirigir varios cortometrajes y escribir numerosos largos que no obtenían subvenciones, se lanzó a la aventura de cumplir su sueño: autoproducir su ópera prima. Con sólo 14.000 euros (150 veces menos que una película media española), ha conseguido tener su primer largometraje.

Pero el sueño no era sólo tenerlo. Era poder compartirlo. Tras las estupendas críticas recibidas en pases privados que le han llevado a tener una importante comunidad de fans, el Festival Internacional de Cine de Albacete proyectará el próximo martes 4 de octubre a las 22.30 el estreno oficial de la cinta.

Llevar adelante esta historia de cine romántico clásico a lo “Vacaciones en Roma” parecía una locura. Finalmente ha sido una aventura, una película imprescindible para los que creemos en el amor. “Cecilia y Juan” no es sólo una gran historia romántica. En tiempos de crisis y de desencanto, la historia de su rodaje y estreno es el ejemplo de que los sueños, si se persiguen, se terminan por alcanzar. Una película irrepetible que te invitamos a descubrir el próximo martes 4.

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS (Enrique Urbizu): 9,5

2011-09-25T12:20:00.002+02:00

Todo nuestro mundo depende de que haya algún hijo de puta que nos haga el trabajo sucio. Nuestra mentalidad pequeñoburguesa lo negará, miraremos para otro lado, incluso criticaremos a ese hijo de puta, pero necesitamos a gente como él. Necesitamos a Santos Trinidad.
Lo necesitamos tanto como lo necesita el cine. Desde Malamadre en "Celda 211", no habíamos asistido a un personaje de tantísima enjundia, de tanta fuerza y hondura cinematográfica. Apoyándose en los códigos del cine negro y en este personaje que sólo se echa un chorro de Coca-Cola en el Habana 7, Urbizu y Gaztambide crean una trama asentada en la realidad española para hablar de la realidad desde algo tan aparentemente hollywoodiense como la salvación del mundo, de nuestro mundo.
Lo hacen con el conocimiento de causa que da vivir la calle, con los detalles del que se nota que ha investigado, con la profundidad del que conoce a la gente. Sumando todos esos elementos a una estructura tradicional de thriller, que sólo al final opta por el camino más grandilocuente, Enrique Urbizu logra hacer cine del grande.
De ese cine que te hace levantarte butaca, que te hace proferir insultos a los malos, que te sobrecoge con cada uno de sus caminos, que te hace sonreír con cada una de sus expresiones, que te hace admirar a cada uno de sus secundarios, que me hace llorar del talento que veo en la pantalla mientras la disfruto, que me deja totalmente conmovido cuando termina.
Que me hace admirar a ese hijo de puta que no quiero ver en mi día a día, que critico y rechazo, que me hace ver lo vulnerables que somos, al que quiero como quería a Malamadre, que me hace saber que no olvidaré a este Santos Trinidad al que Jose Coronado eleva hasta por encima del cielo.
"¡A tomar por culo el mundo!" -dice él. Y sin embargo, está en su mano salvarnos, seguir con nuestro mundo.

LA PIEL QUE HABITO (Pedro Almodóvar): 7,5

2011-09-05T12:36:00.003+02:00

Almodóvar es como el Dr. Robert, un esteta incorfomista. Alguien incapaz de quedarse con las soluciones que ya le han funcionado, alguien que quiere ir siempre más allá y buscar formas nuevas para problemas antiguos.
Almodóvar ha ido en "La piel que habito" más lejos de lo que nunca había ido. Puede que prefieras su comedia naturalista, puede que prefieras sus dramas femeninos, puede que prefieras sus melodramas de artificios de diseño, pero lo que no se puede negar es que Almodóvar ha hecho como el Dr. Robert: ha dado un salto mortal y sin red.
Y ha caído de pie. Sorprendentemente de pie. Lo ha hecho, pese a unos conflictos bestiales, pese a un argumento de culebrón, pese al retorcimiento objetivo de sus personajes, pese al exceso de un personaje que sobra (El Tigre). Pero ha caído de pie.
Cae de pie porque como siempre, narra de una forma que hace que te metas en un nuevo mundo, que quieras saber más, que te emociones. Y aunque no para de innovar, aunque consigue tener la mejor fotografía de toda su carrera, aunque consigue una belleza en las imágenes y en la dirección artística que enlazan directamente con su argumento (la construcción de la belleza), su mayor virtud es la de siempre: transforma lo extraño en normal, el horror en belleza, hace querible y comprensible una gama de personajes que en modo alguno lo son.
Y lo hace él con un guión excelente, puede que demasiado pensado y escrito. Pero lo hace Banderas con la mejor interpretación desde "Átame". Ya no es Ricky, ahora es Robert el que secuestra y se enamora. Es otro. Y eso es lo que consigue: parecer realmente otro, dejar de parecer Antonio Banderas.
Cuando acaba la película, cada personaje es otro, cada actor es otro, tú eres otro. Probablemente Almodóvar sea otro. Y sin embargo, como Vicente, también Almodóvar sigue siendo el mismo.

SUPER 8 (JJ Abrams): 5

2011-08-27T10:24:00.003+02:00

Las intenciones de Abrams son tan nítidas que es muy fácil opinar sobre su cumplimiento: conseguir con Super 8 lo que "E.T" y "Los Goonies" consiguieron con él cuando eran pequeño. Lo impresionante es que no sólo lo consiguieron con él, lo consiguió con casi todos los niños de la época.
Yo era niño en aquella época. Y sí las disfruté. Eso sí, luego me he hecho adulto y he podido volver a verlas. Y desgraciadamente, he visto que eran pelis de aventuras apreciables, pero llenas de trampas y chistes fáciles, que eso sí, alcanzan a veces la credibilidad, la verdadera emoción. Es justo de lo que carece Super 8.
Este homenaje a aquella manera de hacer cine tiene la fuerza del cine hipertrofiado, de la tensión de una trama potente y tiene la carencia de la copia sin alma. Y es que como pastiche de "E.T", "Los Goonies", "Parque Jurásico", "Poltergeist", "La guerra de los mundos" y "Cuenta conmigo" acusa que no es realmente una peli de pandillas y que tampoco es una peli de invasiones. Y con ello, pierde identificación de los niños y pierde tensión narrativa, gana desinterés y aburrimiento.
La consecuencia es que se deja ver. Pero que no gusta ni a adultos ni a niños. La consecuencia es que los que fuimos niños, no conseguimos sentir nostalgia. Y que los que ahora lo son, no se quieren subir a ese carro.
Es una oportunidad perdida. Lástima, porque hay oficio. Lástima, porque como apuesta, podía haber sido interesante.

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS (Rupert Wyatt): 8

2011-08-27T10:15:00.002+02:00

No he podido ver nunca la original de Franklin J. Schaffner. Tuve la mala suerte de ver el remake de Tim Burton. Con esta mínima información, acudí a la sala por un único motivo: la falta de opciones adultas en la cartelera.
Y sí, sí es una peli adulta. Sí toma al espectador como una persona inteligente. Sí tiene personajes nada esquemáticos. Sí se preocupa por tener imágenes potentes y metafóricas. Sí respeta códigos y formas, sí se preocupa por tener un guión progresivo, narrativo, donde todo aporta y cada elemento se superpone al anterior hasta hacer crecer la trama, los personajes y la tensión.
Por esa adultez, "El origen del planeta de los simios" se disfruta con el placer de un niño. Te hace sentir ese niño que veía cine en verano y que se metía en una aventura hasta el final.
Así me sentí yo. Así se sintió un cine que acabó aplaudiendo. Así puedes vivirla.

LA BODA DE MI MEJOR AMIGA (Paul Freig): 5

2011-08-27T10:05:00.002+02:00

Las películas producidas por Judd Apatow parecen ser intercambiables de las que dirige él. Sus patrones son los mismos: personajes demasiado convencidos de su gracia, patetismo, chistes fáciles, réplicas excelentes y un abuso sistemático del "caca, culo, pedo, pis".

A eso le une una marca de estilo y es un gusto por la improvisación, que produce a veces muy buenos resultados cómicos, pero que tienen como consecuencia comedias que se van por encima de las dos horas. Y francamente, sus pelis no tienen tanta profundidad como para aguantar eso.
La boda de mi mejor amiga es otro producto Apatow más. Tiene una muy buena actriz como comediante y una trama que no está mal, pero sigue abusando de querer ser graciosa. Obvia el principio básico: no te creas graciosa, no te rías, pásalo mal para hacerlo pasar bien.
Y funciona. Funciona a veces, pero el conjunto tiende a caerse. En mi cine no se rió casi nadie. Mala señal.

CARTELERA DE UN CINE DE PLAYA

2011-08-27T09:56:00.004+02:00

La cartelera de una ciudad de provincias es dura. Es Hollywood hipertrofiado y llevado al extremo. Es poder elegir entre una superproducción y otra. Es renunciar a los otros cines. Es dejar de saber que existen.
Si a esto se le agrega el verano y la playa y la desconexión mental que supone, todo esto se lleva al extremo. En mi cine ahora se proyectan "Conan 3D", "Super 8", "Los pitufos 3D", "La boda de mi mejor amiga", "El origen del planeta de los simios" y ¡¡¡"Zooloco"!!! Visiones tan rápidas de la cartelera hacen necesaria una política de excepción cultural, comprenden que o hay subvenciones o acabaremos siendo tan tontos como los habitantes de Iowa.
Pero bueno, vayamos a nuestro tema, las críticas. Por motivos obvios, de estas 6 pelis, he tenido que renunciar a ver 3. Éstas son mis experiencias:

Segundas críticas sobre Cecilia y Juan

2011-07-21T13:42:00.004+02:00

"Cecilia y Juan es como el buen vino, el 2º trago mucho mejor que el primero" (JC)
"Gracias por tener el talento y la sensibilidad que has demostrado haciendo una peli como esta!!! Pasé un rato estupendo!!!"
"Yo estuve anoche en el estreno. De nuevo mis felicitaciones! Excelente guión y excelentes interpretaciones. Una prueba de que cuando se desea algo con mucha pasión, es posible hacerlo realidad" (IMGC)
"Gran TRABAJO, me ha gustado mucho" (NP)
Realmente me encantaron la sensualidad, la música y los diálogos inteligentes que vi!!! todo aderezado con el “misterio/romanticismo” del cine al aire libre!!!! Simplemente genial!!!!" (CJ)
"Ciertamente, me sorprendió por lo buena que es" (ChD)
"ENHORABUENA con mayúsculas por el pase de ayer. Me encantó. Que triunfe como se merece" (CS)
"Nos ha gustado la interpretación de los actores. Están muy bien elegidos, ayudan a comprender la situación en la que se encuentra cada uno de ellos; esos tiras y afloja; ese conflicto entre hombre-mujer y la percepción que tiene cada sexo del mundo en sí mismo. Ello permite que el espectador se identifique con los personajes. Se mantiene la tensión" (PE)
"Cecilia y Juan triunfará. Gran trabajo" (GM)

CINE DE VERANO

2011-07-17T14:56:00.002+02:00

Si vives en Madrid y quieres ver "Cecilia y Juan", este mismo martes 19 de julio podrás verla. ¿Dónde? ¿Qué mejor que al aire libre, qué mejor que en un cine de verano?

Lo haremos en el sitio donde empezamos, qué mejor que hacerlo con una entidad sin ánimo de lucro, ¿qué mejor que hacerlo con la Fundación Carmen Pardo-Valcarce? Ayudan en la educación e integración laboral a los discapacitados y tienen un estupendo club de tenis y padel al que seguramente ya vas.

Pues ahí, en lo alto de Montecarmelo, con vistas a la mejor puesta de sol de Madrid, se iniciará el próximo martes 19 a las 21.30 un nuevo pase privado de la peli. Sólo tienes que traer impresa la foto de invitación que adjunto.

BEGINNERS (Mike Mills): 8,5

2011-07-11T13:45:00.002+02:00

Al minuto de comenzar Beginners, te das cuenta de que es una experiencia distinta. De que lo que vas a ver es el auténtico y absoluto placer del cine.
No lo es porque haya grandes movimientos de cámara y persecuciones. Lo es porque te lleva a una atmósfera donde lo cotidiano se vuelve mágico, lo común bello y lo extraordinario, hábito.
Lo hace gracias a un guión de hierro. Un guión que toma una decisión aparentemente estúpida que en su desarrollo, se vuelve un absoluto acierto: contar en paralelo dos historias que suceden en tiempos distintos y que aparentemente no tienen nada que ver.
El desarrollo de cada una de esas historias está poblada de ideas geniales, de vivencias reales, de magia encontrada en las experiencias más habituales. Ese guión se suma a una vieja música y a imágenes de archivo para, mediante un montaje superlativo, lograr configurar una implicación absoluta del espectador. Esa implicación supone identificación, supone risas, supone lágrimas. Supone sentir la vida del otro como si fuera la tuya.
Pero esto no se haría real si no fuera por sus personajes, si no fuera por sus actores. El papel que les dan a los 5 principales es oro puro, es material de obra maestra. Pero lo que hacen con ellos Christopher Plummer y Melanie Laurent lleva al sueño lo que ya era cenit.
La humanidad y querencia que le entrega Plummer a ese viejo recién salido es notable, el carisma y belleza que ofrece Laurent la convierten en la actriz del año. Tarantino no era ciego al descubrir a Shosanna. El cine tiene una actriz para toda la vida, alguien dotado de clase y glamour, de belleza especial y cotidiana, de normalidad y elegancia. Se trata de una actriz para unirse a las grandes del cine clásico. Esperen y lo verán.
Mientras tanto, pueden disfrutarla en pantalla. Pueden dejarse llevar por el cine en estado puro. Por los sentimientos de verdad. Por una película realmente bonita, nacida para querer, nacida para aprovechar la vida "aunque uno no sepa cómo funciona".

BLACKTHORN (Mateo Gil): 8

2011-07-11T13:38:00.003+02:00

Hace ya una semana que vi Blackthorn y sus imágenes no se me van de mi cabeza.
Tiene una hora inicial absolutamente magistral en que se mete en tu cerebro y no te suelta. Entra dentro de ti Butch Cassidy, entra su amante, entra su tristeza, entra su mítica, entra su paisaje, entra la épica de sus imágenes.
Esa hora inicial vale por la mayoría del cine que se ha visto este año. Es cierto que la aparición súbita del personaje de Stephen Rea genera un conflicto que no tiene la fuerza del previo, que la separación de Noriega y Shepard lleva a perder interés al perder intriga en las acciones pequeñas.
Pero también es cierto que cuando acabas, te has quedado con una historia de las de antes. Te han movido temas universales. Te has elevado y conmovido. Has escalado y llegado a un nuevo tiempo, el de siempre.

PEQUEÑAS MENTIRAS SIN IMPORTANCIA (Guillaume Canet): 7

2011-07-08T21:20:00.002+02:00

La película revelación de la temporada no es la más perfecta. Ni siquiera es la mejor contada. Pero sí tiene una virtud inmensa: sale de dentro.
Y cuando una peli sale de dentro, exuda cine por los poros, llega al espectador.
Lo hace pese a mil decisiones erróneas. Elige unos actores con poca química y menos gracia. Sus actuaciones individuales pueden ser correctas, pero no llega a haber la verdadera química de la amistad. Además, casi ninguno tiene vis cómica y eso hace que nunca se decante por el terreno de la comedia, que acabe moviéndose más cómoda en el drama que en la comedia generacional.
Tampoco es un acierto llevar el drama al melodrama, elegir conflictos tan bestiales como un embarazo, una salida del armario o una muerte. Para hablar de la amistad no hacía falta, qué mejor que hacerlo a través de las pequeñas mentiras sin importancia.
Y los dos últimos errores son técnicos. El primero es de estilo. Un estilo que nace del plano-secuencia y va derivando hacia una forma acomodaticia que quizá es la misma que la de los personajes. Y el segundo es las canciones. No podía haber buscado la lágrima fácil con canciones más insustanciales, tan absolutamente erróneas como la versión alegre del My Way.
Pero todo esto da igual. Porque mientras la ves, te la crees. Porque mientras la vives, te llega. Porque tiene algo que la distingue del resto de la cartelera: sale de dentro. Cuenta a todos algo muy íntimo.

HANNA (Joe Wright): 5,5

2011-06-20T14:37:00.003+02:00

Sucede con casi todos los buenos directores que no escriben.
Hacen buenas películas mientras tienen buenos guiones, pero como no depende de ellos, siempre hay un momento en que la cagan.
Le ha sucedido a Joe Wright. Después de la extraordinaria "Orgullo y prejuicio" y de la notable "Expiación", "Hanna" es su primer resbalón.
Y no es porque él no le ponga empeño. Consigue buenos actores, busca soluciones visuales, plantea ritmos endiablados, logra ciertas persecuciones e intenta ponerle emoción. Pero de donde no hay, poco se puede sacar.
Y su historia tiene poca cabeza y muchos pies. Si escribiera, al menos habría podido cambiarla. Como no escribe, su único error ha sido no rechazarla.
Le llegarán otros guiones y volverá a triunfar. Y volverá a cagarla.

Primeras críticas de Cecilia y Juan

2011-06-17T16:56:00.006+02:00

Por una vez, no hablaré yo. Hablan muchas de las personas que asistieron el pasado miércoles al primer pase privado de Cecilia y Juan.

“Gracias por el buen rato y las sensaciones y sentimientos que rescatasteis. Por crear felicidad"(JC)

“No solo es un sueño hecho realidad, sino que es un sueño precioso” (CGG)

"Impresionante la tensión erótico-sexual que se genera. Maravilloso el final y la música" (SJ)

"Me he quedado alucinada, hasta he llorado (y es la primera vez que lloro con una peli romántica). Parece que estés allí con ellos, como si sintieras lo que ellos sienten" (MM)

“La película es realmente muy buena. Yo creo que se ha conseguido que toda una generación pueda empatizar con lo que está sucediendo en pantalla” (JMB)

“Me gustó mucho mucho la foto, los actores la mejoran y los dibujos alegran” (AP)

“Una película que consigue remover emociones y aflorar muy bonitos recuerdos! De corazón, me gusto y mucho!” (ACh)

“Había leído con anterioridad el guión y me fascinó. La peli ha cubierto mis expectativas. Los actores están que se salen y las imágenes de Madrid es una de las cosas que más me ha gustado” (MC)

"Enhorabuena a todos los que habéis participado en la película... A mi me ha encantado!! Una historia de amor que te hace pensar y unas imágenes que te ayudan a recordar algunos rincones tan bonitos de Madrid... con vuestras imágenes habéis conseguido poner a Madrid a la altura de París!!" (JPN)

“"Me ha gustado mucho... creo que expresa cosas que todos hemos sentido, explica de una forma entendible todo lo que nos complicamos en los sentimientos, lo que deseamos, lo que creemos que debemos y lo que podemos hacer” (ND)

“La he visto por segunda vez y me ha gustado todavías más que la primera. me ha puesto la carne de gallina” (PC)

“Lo que más nos impresionó es la gran tensión sexual-erótico-pasional que se crea entre los personajes" (SJ).

“la película es muy buena, disfruté como un enano” (JC)

“enhorabuena por semejante pelicula!!! la fuimos "analizando" (desde la ignorancia) en el coche y no paramos de hablar hasta llegar a casa, nos encanto los dialogos (aunque fueran de chica) y la fuerza de los actorazos!!!” (RU)

“nos lo pasamos fenomenal ayer, nos encantó la película” (AA)

“me hizo rebobinar 15 años de mi vida, el problema ahora es asumir que esa pasión ya no la vamos a volver a vivir más. Viviremos y buscaremos otras, por supuesto” (VGD)

“Ayer empezamos a verla otra vez, para comprobar que todo funcionaba correctamente y ... el corazón ganaba a la razón...” (ML)

“enhorabuena, la peli es preciosa!" (JGG)

“La película es una gran comedia romántica. Mucho más que una gran comedia. Me ha demostrado que cuando la vida te presenta razones para llorar puedes encontrar mil y una razones para soñar, para sonreír, para luchar, para ser feliz" (AC).

Cecilia y Juan: la nota de prensa

2011-06-12T13:28:00.003+02:00

Un sueño autoproducido, una película de verdad

“Cecilia y Juan”, una comedia romántica de las de antes con 2 tipos de ahora
La ópera prima del director Alberto Córdoba ha contado con un presupuesto pequeñísimo, íntegramente financiado por su director.

El próximo miércoles 15 de junio a las 9 de la noche, tendrá lugar el primer pase privado para prensa de la película Cecilia y Juan. Ve la luz en el cine Palafox una película imprescindible para los que aún creemos en el amor.

Cecilia y Juan son dos tipos de ahora, tan vividos como desencantados. Como en toda historia romántica, se encuentran, se repelen, se atraen. Durante un amanecer descubren la ciudad mientras descubren al otro y a sí mismos. Y se descubren siendo protagonistas de su propia comedia romántica, viviendo una noche que parece de cine y que les hace creer que puede suponer un cambio para siempre en sus vidas. Y la viven hasta el final, no sabiendo si en su relación, ganará la ficción o la vida real. Al final de la mañana, algo habrá cambiado para siempre.

El trabajo no ha sido sencillo. Si el rodaje y la selección del equipo ya es toda una aventura en cualquier película, todavía lo es más cuando se cuenta con un presupuesto 300 veces menor que el de una película media española. Eso sí, íntegramente financiados por el director, Alberto Córdoba. El rodaje, además, tenía que ser compaginado con su agenda laboral de 50 horas semanales. Alberto Córdoba es ingeniero industrial de estudios, consultor de profesión y cinéfilo de corazón. Durante años, ha compaginado su trabajo con su pasión por el cine. Ha colaborado en la elaboración de varios cortometrajes como “La voy a dejar”, “Carlos y Almudena, la verdadera historia” o “La espera”. Cecilia y Juan es su Opera Prima.

A la manera de Ehan Hawke y Julie Delpy en “Antes del atardecer”, el director buscó desde el principio la implicación del reparto y por eso, no es casualidad que sus protagonistas compartan nombre e historia con los actores que les dan vida. Cecilia Tamayo, mexicana de 27 años ha desarrollado su carrera tanto en México como en España. Desde el primer momento que el director la descubre, reconoce a la protagonista de su película. Por su parte, Juanma Diez a sus 30 años, lleva más de una década dedicado al mundo de la interpretación en cine, televisión y teatro. Además ha impartido cursos y seminarios en España y el Sudamérica. Para ambos actores, los personajes que encarnan en Cecilia y Juan son su primer papel protagonista en un largometraje.

Llevar adelante esta historia de cine romántico clásico a lo “Vacaciones en Roma” parecía una locura. Finalmente ha sido una aventura que ha resultado en una película imprescindible para los que creemos en el amor. “Cecilia y Juan” no es sólo una gran comedia romántica. Su director es el ejemplo de que los sueños, si se persiguen, se terminan por alcanzar. Una película irrepetible que te invitamos a descubrir el próximo miércoles 15, rogamos confirmar la asistencia.

Para más información:

www.facebook.com/CeciliayJuan

comunicación.ceciliyjuan@gmail.com

LA META

2011-06-06T21:56:00.002+02:00

¡¡¡Llegó el día!!! Por fin sale a la luz "Cecilia y Juan". ¿Cuándo?

El 15 de junio de 2011 a las 21.00 en el Cine Palafox de Madrid. Será un pase privado, pero será el lanzamiento de un cohete que acabará aterrizando en los cines.

THE COMPANY MEN (John Wells): 7,5

2011-05-10T19:15:00.002+02:00

Cuando uno entra a ver una peli como The Company Men, lo hace con todo el escepticismo posible. Es el miedo a que Hollywood, la máquina feroz de transmisión de valores del capitalismo, sea capaz de forrarse a costa de parecer revolucionario. Si a esa desconfianza, le añades la presencia del actor que más odio, Ben Affleck, te planteas por qué estás ahí.

Y durante un rato, todos esos miedos aparecen y se multiplican. Me llevan a que vea todo lo que sucede con distancia. Pero de repente hay un momento en el que te olvidas. Te olvidas de que es Hollywood quien lo cuenta. Te olvidas de que es Ben Affleck quien protagoniza.

Y te olvidas porque lo que ves huele a verdad. Porque la relación entre Affleck y su mujer es real. Porque el guión propone una cosa y la realidad la eleva. No creo que su dirección sea sustantiva, pero sus intérpretes sí consiguen que lo sea.

Y así entre una dirección invisible y unos actores estupendos, el guión te lleva a un lugar al que nunca creíste que te iba a llevar Hollywood. Te lleva a plantearte lo que haces. Te lleva a plantearte lo que no haces. Te lleva a querer a los personajes y a odiar el mundo en el que vives.

Te lleva a saber que es el momento de cambiar el mundo y que hay mucha gente que ya lo está haciendo.

Quizá no sea buen cine dar la respuesta, pero me encanta que lo haga, me encanta que se comprometa a hacer y no sólo a hablar .

CARLOS (Olivier Assayas): 7

2011-05-09T10:08:00.002+02:00

Ante una peli como Carlos, lo primero que uno siente es agradecimiento. Agradecimiento por todo el tiempo que ha pasado sin películas como ésta. Películas de espías, de complots internacionales, de alta política y bajas motivaciones, de cien localizaciones, de crímenes perfectos, de malos que son buenos, de buenos que son malos.

Ese agradecimiento se materializa en unas primeras 2 horas simplemente magistrales. Durante esos 120 minutos que reflejan el nacimiento y generación de un mito, el goce como espectador llega a extremos de orgasmo. El punto culminante es la secuencia del secuestro en la OPEP. Ese momento debería valer una vida. Quizá una película no pueda alejar tanto tan gran momento de su final. Quizá una vida no debiera alejar tanto tan gran momento de su muerte.

Y es lo que le pasa a “Carlos”, es lo que le pasa al personaje. Es tan grande su leyenda, su estrellato de rock que jode ver cómo inicia su proceso de degradación. Si hubiera muerto en el avión de la OPEP, quedaría como una leyenda de la masculinidad. Al seguir viviendo y acabar con problemas de próstata y exceso de grasa, acaba como una parodia del macho.

A la película no le llega a pasar eso, pero sí se resiente de la pérdida de actividad. La acción se torna espera; la espera, rutina; el pasado, futuro. Y los cortes de montaje se cargan más esta parte que la central, restan más en el prólogo y en el desenlace que en el nudo.

“Carlos” anhela morir al final de una escalera. Cree que es su sino como creía en la Revolución, con más ansia de mito que de realidad, con más ganas de ser el Che por la foto que por sus conquistas. Probablemente, Carlos no sería legal, pero marca una época: el camino que va de mayo del 68 a una liposucción.

ABAJO EL TELÓN (Tim Robbins): 9

2011-05-01T17:30:00.002+02:00

¿Por qué lleva Tim Robbins más de diez años sin dirigir? ¿A qué se dedica este enorme genio?
He tenido que volver a ver Abajo el telón para recordarlo. Y es queTim Robbins es uno de los cineastas actuales que más emociones me provoca. Su inteligentísima “Ciudadano Bob Roberts” me hizo reír ácidamente y derramar lágrimas. Su absolutamente excelsa “Pena de muerte” paralizó literalmente todos los miembros de mi cuerpo, salvo el cerebro y los ojos. Su última obra, “Abajo el telón”, va mucho más lejos. Te hace vibrar, llorar, bailar, levantarte, aplaudir.

Es una obra creada para ser cinética. Pretende mover piernas, manos, conciencias. Lo consigue desde un sentimiento desaforado, desde un acto de lujuria ante el hecho de hacer cine que provoca que revuelva la sala y el escenario, espectadores y actores.

Durante las dos primeras horas de su metraje, Robbins muestra su capacidad para realizar con inigualable habilidad escenas corales, para dibujar con pinceladas múltiples personajes en el abismo de sí mismos, para hacerte navegar hacia su revolucionario terreno. Si es cierto que su sentido de la dirección es algo casi inaudito, no es hasta la última media hora final cuando se vuelve (con la impagable ayuda de la música de su hermano David) magistral, cuando toca el cielo y nuestros corazones. Y con el último plano, arrebata para siempre ese cielo y esos corazones.

SIN LÍMITES (Neil Burger): 5,5

2011-04-22T11:12:00.003+02:00

Hay películas que se creen más listas de lo que son. Hay personas que se creen más listas de las que son. "Sin límites" cuenta con ambas.
Su protagonista se considera un genio. Su director, también. Y por ello, se empeña en ofrecernos mil trucos que le hacen parecer más listo, pero no mejor director. A saber: cambios drásticos de lente, dar la vuelta a la cámara, letras mil, planos-secuencia sin fin, uso de un actor de prestigio. Pero todos, todos son falsos. Parece que todos aportan y sin embargo, son absolutamente inanes.
Y es que todo es inane en "Sin límites" salvo un guión con algún giro de interés. Gracias a él y a la fuerza que trata de imprimirle su director, eres capaz de obviar el tedio de la lluvia de Semana Santa, eres capaz de obviar la falta de lógica y rigor, eres capaz hasta de olvidar la pregunta de qué coño hace ahí metido Robert de Niro y por qué le pone tan poco empeño.
Si la ves, al menos, no hagas como el prota y como el director. No creas que eres más listo por entenderla, no hay nada que entender.

LA LEGIÓN DEL ÁGUILA (Kevin McDonald): 6,5

2011-04-20T10:53:00.003+02:00

La cartelera de un lugar de playa es lo más deprimente desde que Eugenio dejó de tomar zumo de naranja para comer hormigas. Los blockbusters se multiplican hasta hacer que aborrezcas la taquilla. Llegas a las multisalas y sólo quieres salir.
Pero tras recorrer 700 km para llegar al centro del temporal, ayer decidí jugármela y ver "La legión del Águila". No me equivoqué. Era lo que le pedía, era lo que esperaba. Era "una de romanos".
Una de romanos de verdad. Con conflictos más grandes que la vida, con decorados espectaculares, con batallas sangrientas, con paisajes únicos. Pero todo hecho con cerebro. En la acumulación no estaba el vacío, sino que encontraba su esencia.
Lo hacía gracias a una historia que parte de la historia para encontrar un argumento excelente, nuevo y épico, brillante y jugoso. El duelo-amistad entre los dos protagonistas logra generar intriga en cada situación, multiplicar el impacto de cualquier encuentro con forasteros. El diseño de unos villanos excepcionales contribuye a convertir en épica y en mensaje lo que podría haber sido sólo lucha. Ahí y en su estupenda dirección radica la fuerza de una peli nacida para ser blockbuster, pero a la que su propia calidad quizá haga que tenga que desaparecer de las multisalas.
¿Por qué? Porque es una película digna, porque es una película de otros tiempos.

INSIDE JOB (Charles Ferguson): 8,5

2011-04-11T08:46:00.004+02:00

Ante una peli tan contundente como "Inside Job", dan ganas de levantarse, comenzar a proferir gritos y unirse a todos los espectadores en una nueva lucha.
Algo de eso se vivió al terminar en mi sala: hubo un aplauso espontáneo. No fue un aplauso de júbilo, fue de solidaridad, de agradecimiento por alejarnos de la ceguera, de apuesta por la lucha.
Ahora queda que no sólo los convencidos la vean, que no la vean únicamente las víctimas. Que la vean los culpables, los causantes de lo que se muestra. Que la tomen y la lancen contra sus conciencias. Que vayan a comisaría y se autometan en prisión. Que los gobernantes les acompañen. Y que todos juntos tomen decisiones para que nada así vuelva a suceder.
Pero sucederá. Porque el hombre es un lobo para el hombre, porque la codicia nos puede más que el respeto al prójimo.
Como veréis, nada de esto parece una crítica de cine y sí un panfleto de club subvencionado. Pero es que es difícil resistirse a lo que vives viendo Inside Job. Es complicado tratar de analizarla como película. Tiene 2 méritos. El primero es que te agarra y te levanta la indignación durante 110 minutos absolutamente apasionantes. El segundo, que logra que comprendas palabras que nunca osarías pronunciar.
El resumen es muy simple. Hay que ir a verla, hay que denunciar, hay que iniciar la lucha, hay que lograr que la banca incívica deje de gobernarnos. Que el Gobierno de Wall Street desaparezca de inmediato.

TORRENTE 4 (Santiago Segura): 6

2011-03-19T11:50:00.003+01:00

Torrente 4 devuelve la saga por sus fueros. Esos fueros que alcanzaron la gloria en la primera y que se mantuvieron en la secuela. Esos fueros que derivan de un guión de hierro, de una dirección portentosa y de una interpretación protagonista poderosa.
Dichas virtudes dan a luz una historia que nunca se cae, algunas secuencias notabilísimas, la complicidad con un personaje para la historia y multitud de risas en gags entre la brillantez formal, la risa fácil y la ironía sangrante.
Así se consigue mantener al espectador como en las dos primeras: aferrado a la butaca, con una sonrisa de placer continua y con estallidos de carcajada ocasionales. Lástima que caiga en algunos de los excesos que acompañaban la tercera. Y esos excesos pasan por dos puntos: uno, la caja; dos, el famoseo.
La caja hace que se note en demasía la publicidad. Telepizza o Plenilunio tienen su propio y demasiado obvio publirreportaje. Ese primer punto no hace temblar la narración, sí lo hace el segundo. Su desmedida afición al cameo evita risas. Tantas apariciones sin contenido llegan a alejar de la historia. Pero no sólo eso, se pierden oportunidades de hacer reír. Si un actor como Florentino Fernández o Wyoming tienen una escena, la bordan, logran que te mueras de la risa. Si esa escena es de Belén Esteban o Sergio Ramos, sobra. Esto es malo, pero alcanza la gravedad en el caso del compañero de fatigas de Torrente, el ínclito Kiko Rivera.
Si Gabino Diego o (sobre todo) Javier Cámara elevaban el nivel actoral y de descojone hasta el gozo, Rivera lo baja hasta el desplome. No tiene energía, no tiene vis cómica, no tiene nada. Sólo un nombre y una reputación. Y eso no basta para hacer reír.
Hacer reír es un don y un oficio. Lo demuestra Segura en cada escena. Como actor y como director. Como personaje y como narrador. Dejemos que siga haciendo Torrente, pero exijámosle que se rodee de lo mejor, de gente como él.

VALOR DE LEY (Joel y Ethan Coen): 6,5

2011-03-10T09:49:00.002+01:00

Poco puedo decir de la última de los Coen.
No soy nada fan del western, en todo caso, es el spaguetti western el que más me hace disfrutar. Por ello, fui con pocas ganas y mucha confianza en los Coen. Salí contento de haberla visto y con menos confianza en los Coen.
¿La disfruté? Sí, bastante en el tercio inicial, nada en el intermedio, mucho en el tercio final.
¿Me emocioné? No, estuve cerca antes del epílogo.
¿Qué cambiaría? No lo sé. No domino el western, pero me cansaron tantos planos cortos de homenaje al cine de los estudios. Cambiaría el epílogo, lo eliminaría de un plumazo, le quita emoción y reflexión. Y quizá en la parte intermedia, le introduciría un tema y una épica.
¿Con qué me quedo? Con algún diálogo, con el personaje de la niña y de Jeff Bridges y con el intento frustrado de renovar un género que necesita modernidad para volver a generar lo que generó.

LOS CHICOS ESTÁN BIEN (Lisa Chodololenko): 5,5

2011-02-27T20:40:00.002+01:00

Un padre centrado en el trabajo, que bebe más de la cuenta. Una madre que abandona su carrera para centrarse en la familia, y deja de sentirse deseada. Una hija a la que el chico le gusta pasa de ella. Y un adolescente, con un amigo al que ya apenas le une nada.
Esos son los personajes de Los chicos están bien, un cúmulo de tópicos tras tópicos, que sólo se refugian bajo la excusa de que la familia es homo, en lugar de heterosexual. Esa es la única originalidad de una peli, cuyo guión opta por siempre por el camino más fácil en lugar de la autoexigencia, por la solución trillada en lugar de la búsqueda.
Y eso nace en los personajes: qué decir del cuarentón soltero guay inmaduro. Pero llega hasta la dirección, que explota el plano contra plano hasta hacer pensar que es la única posibilidad. Llega tan lejos esta comodidad que no sólo obvia el desmesurado talento de sus actrices sin un solo plano secuencia que redunde vida, familia, sino que no es capaz de una sola metáfora visual. Todo es plano y barato y fácil, pero el extremo llega en un último plano, visto en tantos telefilmes que uno siente la misma vergüenza ajena que debieran sentir Moore, Ruffalo y Benning de su directora.

Mi quiniela de los Oscar

2011-02-27T10:32:00.003+01:00

Yo no hago quinielas, no juego a acertar quién va a ganar. Eso es un juego de azar.
Lo que sí digo es de los nominados, quién creo que debiera ganar. Eso es crítica de cine.

Película: Cisne negro
Director: Darren Aronofski
Actor: Javier Bardem
Actriz: Natalie Portman
Actor 2º: Christian Bale
Actriz 2ª: Helena Bonham Carter
Guión original: Origen
Guón adaptado: La red social
Peli extranjera: Biutiful
Fotografía: Cisne negro
Montaje: La red social
Dirección artística: Origen
Vestuario: Yo soy el amor

¿Y para ti, quién debiera ganar?

PRIMOS (Daniel Sánchez Arévalo): 8,5

2011-02-21T09:53:00.002+01:00

No soy objetivo, no lo quiero ser. Hay películas que son como personas: las amas. No importa que tengas defectos, los quieres más por ellos. Primos es de éstas. Amo Primos.

No es un amor incondicional, no la amo desde la desmesurada primera escena. Su monólogo inicial me seduce, me mueve a reírme, su continuidad me cansa un poco. Pero en el momento en el que da el salto a Comillas, su paisaje, su energía y su locura me llevan a sentirme en casa, a visitar territorio conocido, a divertirme con mis amigos, a revivir mi vida.
De eso va Primos. De la fiesta que todos vivimos cuando queremos salir de nuestro pozo. De la necesidad de soltarnos para dejar atrás las lágrimas, de cómo el disfrute nace del drama, cómo la comedia no es sino la mirada que da el tiempo tras la tragedia.
Todo eso es lo que puedo decir de Primos tratando de ser lo que no soy: objetivo. Pero lo que debo decir es lo que me sale de dentro. Que no se me fue en ningún momento la sonrisa de niño. Que no paré de soltar carcajadas de adulto. Que empaticé con cada uno de sus personajes. Que amé cada uno de sus errores. Que lloré sólo de la emoción de amar. Que acabé aplaudiendo como la mitad de mi sala. Que su antológico final me produjo una felicidad como la que sólo puede dar el amor.
El amor a un desternillante Raúl Arévalo. El amor a un sublime Quim Gutiérrez. El amor a un director, Daniel Sánchez Arévalo, que con 3 pelis ya logra construir un mundo propio pero permite que sea el de todos.

CISNE NEGRO (Darren Aronofski): 9

2011-02-19T18:19:00.003+01:00

Cisne negro es una crítica a la búsqueda de la perfección. A cuánto uno es capaz de cruzar la línea para alcanzarla. Pero viendo la perfección de la peli, uno no para de preguntarse cuánto cruzó la línea Darren Aronofski para conseguirla.
La perfeccción alcanza a todos los puntos. Un guión con tres capas tan perfectamente entrelazadas, que en su fusión, se multiplican sus conflictos. Una dirección artística tan homogénea con el argumento que logra del blanco y el negro tantos matices como de los actores. Un vestuario que realza tanto la belleza como su sufrimiento. Un montaje que consigue una atmósfera de un desasosiego tal que te dan ganas de autodestruirte. Una música que te eleva hasta el escenario y te golpea contra el suelo. Y unos actores a punto de destrozarse a sí mismos en la búsqueda misma de la perfección.
Hasta ahí, Aronofski juega a cruzar la línea. La línea de la realidad y el sueño, la línea de la obra retratada y la vivida, la línea del blanco y el negro, la línea del bien y el mal, la línea de la vida y la muerte. Entre ambas líneas se pasa toda la película, toda la dirección. Pero esa delgada línea roja la cruza en el casting. Un casting que convierte la vida real de sus actrices en carne de ficción, de pública inmolación.
Y es que nada es casual en la la elección de la tres divas que protagonizan la ficción. No es casual la aparición de una Barbara Hershey que en su lucha por la perfección, abusó del bottox hasta autodestruirse. Y es que a ratos, su cara parece la de Mickey Rourke en The Wrestler. No es casual la selección de Winona Ryder como la persona a quien tiene que reemplazar Natalie Portman. ¿Quién no recuerda el comienzo de ambas como niñas prodigio, su crecimiento como musas independientes, su explosión en Hollywood como las guapas inteligentes? ¿Quién no recuerda el final de Winona, autodestruida en la cleptomanía hasta la total desaparición? ¿Quién no sabe quién es su sustituta natural hoy en el corazón de Hollywood?
En ese cruce de la línea entre realidad y ficción, entre el bien y el mal, nacen muchas preguntas. ¿Cómo han quedado las almas de Hershey y de Ryder? ¿Y la de Portman después de un papel tan destructivo como éste? ¿Le pasará como a Maria Schneider con su Vincent Cassel particular, Bernardo Bertolucci? Tras cruzar la línea, ¿se ha convertido Aronofski en el propio cisne negro?
No lo sé. Quizás nunca se sepa. Lo que sí sé es que lo he pasado fatal viéndola. He descubierto la belleza y el dolor, la lucha con uno mismo y las heridas, la mejora y el destrozo, la vida y la muerte. He descubierto que en la búsqueda de la perfección, el gozo y el dolor se entrelazan hasta sufrir la tragedia de conseguir una obra maestra.

THE FIGHTER (David O.Russell): 5,5

2011-02-07T20:28:00.002+01:00

Que no os engañen. Que no os engañen ni las 7 nominaciones a los Oscar, ni los dos Globos de Oro. Que no os engañen los críticos nada sesudos ni los espectadores poligoneros que abarrotaban la sala.
The Fighter no es más que una ensalada de tópicos. No es más que una peliculita de boxeo. No es más que una historia convencional de superación. No es sino una peli más basada en hechos reales en la que nada de lo que sucede parece creíble.
Y lo peor no es que no te lo creas. Lo peor es que no te llega. Que no alcanza a generarte una mínima emoción.
Todo parte de un guión en el que lo único que sobresale son los dos estupendos personajes del hermano y la madre, de Christian Bale y de Melissa Leo. Ellos dos mantienen una trama en la que sólo sorprende la oda antifamiliar. Todo lo demás es convencional, es perfectamente predecible.
Y especialmente predecible es la dirección de un O'Russell que nunca fue el niño listo que le dijeron que era. Sus películas al fin siempre se caían. Aunque no la haya escrito, ésta es otra más de las que se caen.
Por eso que no os engañen. No vayáis a verla.

¿Y cuándo se estrena?

2011-02-03T20:52:00.000+01:00

Sólo quedan 11 días para San Valentín. Y ya podéis buscaros un plan o encontrar un rollo para esa noche con el que simular que sois pareja. Porque como habréis visto, ese día todavía no será el estreno, seguimos azarosos en la postproducción de la película.

Ahora mismo, está el productor moviendo la peli, la de comunicación generando noticias, la directora de foto mejorando la imagen, un músico creando, un montador narrando mejor, una ayudante de montaje corrigiendo, un responsable de sonido arreglando, un colorista decolorando y dos tíos de efectos con los títulos de crédito. Y luego están Cecilia y Juan, los protagonistas. ¿Qué harán?

DE DIOSES Y HOMBRES (Xavier Beavois): 6,5

2011-01-26T15:43:00.002+01:00

Tengo una espiritualidad a prueba de fe. Por eso todo lo que aquí comento, parte de ese hecho. De que, dada mi superficialidad hacia la vivencia religiosa, cuesta que me lleguen ciertos mensajes, ciertos sentimientos. No por ello dejo de admirarlas.
Y lo que me sucede durante la peli ganadora de Cannes es que no dejo de admirar, nunca llego a empatizar. Están a un nivel tan alto los monjes protagonistas que nunca llego a sentirles cerca, a emocionarme con su historia.
Eso no impide que siga creyendo que son maravillosos, que son referentes. Eso no impide que admire la obra de Beauvois. Eso no impide que no me dé cuenta de su coherencia. De cómo asume un estilo y lo mantiene hasta el final. De cómo acepta el silencio y el canto religioso como el sonido de sus vidas y por tanto, el sonido del cine. De cómo refleja su tranquilidad vital y su estrés ante la muerte. De cómo retrata sus vidas como parte de algo en esencia superior.
Todo eso es cierto. Pero el caso es que cuando llega el momento de emocionarme, no lo consigue. Cuando llega el momento de amarlos, me quedo en la celebración. Cuando llega el momento de epatarme con un último y maravilloso plano, me quedo en la admiración.

¿Quieres participar en la peli?

2011-01-19T09:03:00.005+01:00

¿Quieres participar en Cecilia y Juan?

Manda fotos de tus lugares favoritos de Madrid, aquéllos que para ti son más especiales, los que indicarías en un álbum de grandes éxitos de la Capital.

Este domingo 23 rodamos planos de la ciudad y si nos gusta tu foto, haremos un plano para tu foto, aparecerás en los créditos. Podrás decir que has hecho una película.

Para ello, sólo tienes que coger tu móvil y darle al click. O buscar una imagen que ya tengas. No importa que aparezca alguien. Lo que importa es que proponga una nueva forma de ver un sitio viejo. O que descubra un lugar no prototípico.

Y después, súbela a esta página. O si no estás en Facebook, mándalo a la dirección de mail que pongo en comentarios.

Gracias por participar.

Los nominados a los Matomovies de Oro

2011-01-10T17:31:00.005+01:00

El Comité ha seguido deliberando. Y elegir es renunciar. ¿A quién ha elegido? A representantes de la realidad y de la invención.

5 FICCIONES:

An Education (Lone Scherfig, Gran Bretaña, comedia dramática)
Carancho (Pablo Trapero, Argentina, thriller dramático)
La cinta blanca (Michael Haneke, Austria, drama de terror)
Conocerás al hombre de tus sueños (Woody Allen, USA, comedia)
Two lovers (James Gray, USA, thriller romántico)

2 DOCUMENTALES:

Anvil - El sueño de una banda de rock (Sacha Gervasi, USA, documental biopic cómico)
María y yo (Félix Fernández de Castro, España, documental biopic drama)

Y ahora tú, ¿por quién votas? ¿Buscas opciones seguras tipo La cinta blanca o arriesgas con producciones de calado como Carancho?

¿Te gusta lo mismo que a todos?

¿Cuál es para ti la mejor película del año?

2011-01-02T11:36:00.003+01:00

Como cada nuevo año, los Matomovies de Oro ya están aquí.
Y con ellos, las nominaciones. Después de un rigurosísimo proceso de selección, tras horas y horas de sesudas reuniones, el Comité ha deliberado. Y éstos son los nominados a la mejor película estrenada en España en 2010:

An Education (Lone Scherfig, Gran Bretaña, comedia dramática)

Anvil - El sueño de una banda de rock (Sacha Gervasi, USA, documental biopic cómico)

Bicicleta, cuchara, manzana (Carles Bosch, España, documental biopic drama)

Biutiful (Alejandro González Iñárritu, España-México, drama)

Bon Appetit (David Pinillos, España-Alemania, drama romántico)

Carancho (Pablo Trapero, Argentina, thriller dramático)

La cinta blanca (Michael Haneke, Austria, drama de terror)

Conocerás al hombre de tus sueños (Woody Allen, USA, comedia)

Lourdes (Jessica Hausner, Francia, drama religioso)

María y yo (Félix Fernández de Castro, España, documental biopic drama)

Origen (Christopher Nolan, USA, thriller acción)

La red social (David Fincher, USA, drama cómico)

Two lovers (James Gray, USA, thriller romántico)

Up in the Air (Jason Reitman, USA, comedia dramática)

Y ahora, es tu momento de elegir. ¿Cuál es tu favorita entre las nominadas?

EL DISCURSO DEL REY (Tom Hooper): 6

2010-12-27T10:00:00.002+01:00

Resulta aburrido escribir una crítica acerca de una peli que no me ha dicho nada. Una peli que me ha tenido 2 horas para contarme una cosita que me han contado mil veces. Una peli que parte de la Historia para contarme una historia más.

Poco se puede decir sobre El discurso del Rey. Seguramente lo peor que se puede decir de ella es que busca el cine de qualité. Es que encuentra el aprecio del espectador menos exigente.

Va tan claramente a por el Oscar que es posiblemente que lo encuentre, pero lo que no va a encontrar es la recomendación del que se sienta en la butaca. Para alcanzar la historia, trata la Historia, pero no hurga en ella para no encontrar los elementos de fascismo que al espectador pudieran molestarlo. Para alcanzar la autoría, utiliza unos grandes angulares que te sacan de los años treinta. Para alcanzar el prestigio, toma celebridades y les da una cara famosa, que no un personaje. Para alcanzar la emoción, se centra en la autosuperación de un modo que pierda la esencia de la Historia. Para alcanzar la lágrima, guarda la música para un final pretendidamente épico que no mueve un solo ojo.

Con todo ello, El discurso del Rey no es una mala película. Sólo es una película sin personalidad.

BIUTIFUL (Alejandro González Iñarritu): 8

2010-12-27T09:46:00.003+01:00

Hace 3 años nos planteábamos en este foro qué sería de las carreras de Guillermo Arriaga y Alejandro González Iñárritu después de su ruptura.

Tras su primer combate, ya podemos decirlo: ha habido empate. Un empate que significa una derrota para los dos. Porque “Lejos de la tierra quemada” y “Biutfiful” son películas estupendas. Duras y profundas como su cine en común, agresivas y con calado como “Amores perros”, “21 gramos” y “Babel”, bestiales y comprensivas. Ambas películas son notables, pero no alcanzan el sobresaliente que conseguía su colaboración.

Biutiful es por lo menos tan buena como Lejos de la tierra quemada. Pero si nos olvidamos de comparar, si nos centramos en vivir una película sobre la muerte, podemos ya decir que nos hace vivir muriendo.

Parte de un planteamiento que nos sitúa en un nuevo mundo. Un nuevo mundo en el Viejo Mundo. Un nuevo mundo que es la cara B de la Barcelona turística, las canciones desechadas de los grandes éxitos del Romanticismo. Un nuevo mundo formado por las cloacas del capitalismo. Y esas cloacas son las que alimentan el sistema, echan carbón hasta encender primero y quemar después sistemas y conciencias, almas y cuerpos.

A ese mundo pertenece Uxbal. Dentro de ese mundo, trata de sobrevivir y hacer sobrevivir. Por su profesión, es demonio visto desde fuera y es ángel cuando lo conoces. Uxbal no es ni más ni menos que el mejor actor del mundo. El despliegue de recursos y dignidad que hace Javier Bardem le vuelven a convertir en el quizá mejor actor de la historia. Su capacidad para llenar la pantalla no es más que su arma para liderar un reparto, al que acompaña, transmuta y eleva, transformándose en el medium del espectador, el que nos permite comprender un mundo que no queremos comprender.

Iñárritu se agarra a su medium y a la fortaleza visual y de puesta en escena del mejor director vivo en rodaje y montaje. Lástima que los conflictos no tengan toda la crudeza metafórica de los de su exguionista. Lástima que la música de Santaolalla no te lleve al éxtasis de “Amores perros”. Pero todos sus recursos sí te llevan a la carne y al alma de Uxbal, a vivir el mundo del que rehuimos pero encontramos, a comprenderlo y emocionarte sin que deje de acojonarnos.

La bestialidad se tiñe con su bondad natural. Y es que la bonhomía del director pierde cine al dejar de mezclarse con la dureza del guionista. En el conflicto, ambos empatan, ambos pierden.

Pero el espectador se va a casa sin consuelo y con los lacrimales vacíos. Ha vuelto a ver una peli extraordinaria, un documento tan necesario como estremecedor, unas vidas tan reales como irreales.

UN NUEVO CINE, UN VIEJO CINE

2010-11-12T09:40:00.003+01:00

Resulta curioso que 2 de las mejores pelis del año sean documentales.

Una es Anvil, la otra es María y yo. Y ambas recurren a la realidad para contar historias de perdedores que en el fondo son ganadores. Son historias que antes tocaba Hollywood y luego tocó el cine independiente. Pero son historias que hoy no se tocan apenas en la ficción.

Y el cine llega al corazón más que nunca a través de ellas. Conmino a los cineastas a recoger esta senda. Es la senda de Beto en Parque Vía, de Beni Lakun en Bajo las estrellas, de Olive Hoover en Little Miss Sunshine. Es la senda de CC Baxter en El apartamento.

ANVIL (Sacha Gervasi): 9

2010-11-12T09:21:00.003+01:00

Anvil es la película que todo artista debería ver. Es más, no sólo ver, sino convertirla en su religión.

Lo es por lo que cuenta. Por la fe inquebrantable de un par de locos en el triunfo, en romper la barrera que separa su propio patetismo del ajeno. Por la determinación con la que buscan su autorrealización sin perder sus valores. Por encontrar la felicidad en el camino más que en el destino.

Lo es también por cómo lo cuenta. Y lo cuenta con verdad. Con una cámara en mano que se vuelve agente doble, se vuelve cómplice de protagonista y espectador. Con un humor que desnuda a los personajes y luego les hace merecedores del calor de un abrazo. Con una ternura idéntica a la de los amigos, a los cuales llegas a querer más por sus virtudes que por sus defectos.

Con todo eso, Sacha Gervasi construye una obra maestra. Un monumento al arte, pero también al al fracaso, a la familia. Una nueva demostración de que es en los márgenes de la realidad y del triunfo donde se encuentran las metáforas que convertir en ejemplo, en referente vital.

Por ello, si el fracaso de Anvil como grupo les dignifica, el éxito de la peli les glorifica.

THE TOWN (Ben Affleck): 5

2010-11-02T11:48:00.003+01:00

La carrera de Ben Affleck es una carrera contra su incapacidad para interpretar.

En el camino lo ha probado todo. Ha moldeado su cuerpo. Se ha liado con la cantante-actriz más famosa. Ha intentado hacer películas serias. Ha hecho mierda. Ha escrito un guión. Ha desaparecido del mapa. Ha proclamado su alcoholismo. Ha buscado la redención.

Ahora ha probado a dirigir. No he visto Adiós, muñeca, adiós. Pero ha gozado de gran prestigio. El mismo que sorprendentemente ha adquirido The town, Ciudad de ladrones.

Quizá lo que le falte probar sea desaparecer de la pantalla. Porque The Town no es una mala película. Tiene ritmo y nervio en el montaje. Tiene personajes que podrían interesar y una actriz estupenda. Tiene acción bien rodada y una trama interesante. Acusa de exceso de tópicos, pero entra dentro de lo que esperas en una peli de helicópteros y grúas sobre los todoterreno.

El problema es que está él. Está el que estuvo a punto de joder una obra maestra como Persiguiendo a Amy. Está en el que jode cada fotograma con su pose interesante y falsa tortura, con su exhibición de músculos y de nulo carisma. Porque él es el problema. Si no fuera por él, una historia de amor tan falsa podría ser creíble. Si no fuera por él, la trama llegaría a apasionar.

Ahora que ha probado la dirección, ha llegado el momento de terminar su carrera. Sólo tiene que hacer una cosa para conseguirlo: desaparecer de la pantalla.

TAMBIÉN LA LLUVIA (Icíar Bolláin): 10

2010-10-25T13:04:00.005+02:00

Quedan dos meses para el estreno. Pero id haciendo hueco en vuestra agenda.

Porque no os podéis quedar sin verla. Porque ha nacido para vivir, ha nacido para perdurar.

Es difícil expresar el grado de excitación y de emoción que me generó. Para mí, es desde ya la mejor película del año, una de las 2 ó 3 mejores de los últimos años. Por fuerza, por mensaje, por ritmo, por interpretación. Pero sobre todo, por calado. Es una peli nacida para llegar al fondo de los corazones.

Espero que tenga muchísima suerte comercial. La merece.

Depende de ti. Hazme caso: no te arrepentirás.

HÉROES (Pau Freixas): 6

2010-10-25T10:46:00.003+02:00

Héroes es una apuesta suicida. Porque sólo se le puede calificar así a una película que cuando elige ser mimética de alguien, no opta por El padrino o Eva al desnudo, sino por Los Goonies. Porque es entre Cuenta conmigo, Verano Azul y E.T. donde juega Freixas. En un ochenterismo que no sólo llega a la superficie de la excelsa dirección artística y la música, sino que alcanza la superficialidad de la trama y sus emociones.

Sus conflictos son de tal simplismo que sólo el humor paródico podía haber hecho que éstos crecieran. Y sin embargo, Pau Freixas (más que su guionista Espinosa) deja su huella al seguir apostando por el drama, por su propia peli. Al creer en él mismo, en su historia. Y es entonces cuando la peli se eleva, cuando toma su propio vigor, cuando empiezas a quererlos, cuando sientes que su verano es tan importante como el tuyo. Es entonces cuando en la parte final llega a hacer verdad lo que hasta entonces sólo era la película que quiso ser Los Goonies.

¿Quieres ser fan de mi peli?

2010-10-16T11:44:00.003+02:00

Si quieres, ya puedes saber todo de la peli.

Sólo tienes que entrar en la página oficial y podrás saber todo acerca de "Cecilia y Juan":

Imágenes de momentos especiales
Vídeos, como el trailer que ya conoces
Debates relacionados
Eventos que tienen a Cecilia y Juan como leit motiv

Si quieres acudir a algo relacionado con la peli, lo sabrás ahí, en tu página.

Hazte amigo, haz amigos.

El TRAILER de mi peli: Cecilia y Juan

2010-10-13T15:16:00.005+02:00

Muchos lo habéis pedido. Pues por fin está. A muy pocos meses de su estreno, ya podéis ver el primer trailer de mi peli, "Cecilia y Juan".
¿Que de qué va? Pues es una película romántica de las de antes, con dos tipos de ahora.

Espero vuestras opiniones, vuestras sugerencias.

AMADOR (Fernando León de Aranoa): 7

2010-10-13T10:09:00.002+02:00

Inmigrantes que tratan de robar las sobras. Inmigrantes que se protegen de los propios inmigrantes. Inmigrantes que dedican insultos racistas a otros inmigrantes.

De eso va la última de Fernando León, de inmigrantes. De inmigrantes que parecen reales, nada idealizados en intenciones y actos. Y no sólo los caracteriza como reales, tampoco demoniza al hombre blanco. Su discurso político no necesita caer en la caracterización para calar. El discurso político está ahí, sin necesidad de denunciarlo, sin necesidad de enunciarlo.

Ahí radican todas las virtudes y los defectos de Amador. En su apuesta por contar la vida de los inmigrantes. En su negación a caer en el mensajismo. Otra cosa es que al elegir esa apuesta, pierde muchas de las fortalezas que le llevaron a rodar tres obras maestras consecutivas, Familia, Barrio y Los lunes al sol.

Al optar por no contar la vida de los españoles, pierde su sentido del humor. Un maravilloso talento para la comedia fundado en su talento innato para el diálogo característico, paradójico. Y al optar por no contar la vida de los españoles, sus personajes también pierden vitalidad, la que le sobraba a Juan Luis Galiardo, Eloi Cabezas o Javier Bardem. La que hacía que por muy triste que fuera la historia y patético el personaje, se multiplicara la empatía hasta llegar al amor profundo por sus personajes.

Eso no ocurre con Magaly Solier. Está tan apagada, tan vacía de motivaciones e interés que su propuesta puede resultar realista, pero desde luego no apasionante. Interesa, porque escribe tan bien Fernando León que es imposible que no interese. Llega el mensaje porque tiene un final tan redondo que es imposible que no llegue. Pero brillar sólo brilla cuando la pantalla se llena de actores patrios, cuando aparece Celso Bugallo o una puta y un cura que generan unas composiciones tan desternillantes como apasionantes, tan interesantes como emocionantes.

Espero en el camino la próxima de Fernando León de Aranoa. Y espero que hable de lo mejor que sabe, de españoles.

BURIED (Rodrigo Cortés): 7,5

2010-10-07T09:53:00.002+02:00

Buried es la mejor película americana del otoño. Sólo que es española.

Esta anomalía, cifrada en las tildes que aparecen los títulos de crédito, marca la película. Y es que parece mentira que todo lo que ves y (sobre todo) oyes pueda ser obra de un grupito de españoles empeñados en contar una historia tan global como el conflicto EE.UU.-Irak.

Esta anomalía también se marca en la apuesta. Un americano había escrito el excelente guión, pero ningún americano se atrevió a producirlo. El motivo es claro: un solo escenario, un solo tiempo, un solo personaje. Hay tantas restricciones que sólo el presupuesto de gastos puede agradecerlas.

Y sin embargo, el de ingresos va a ser el principal beneficiado. Lo va a ser porque la intriga generada es bestial. Porque dichas restricciones se convierten en armas de concreción. Quizá la dirección no explota todas sus posibilidades claustrofóbicas, pero sin embargo, Cortés es capaz de convertir Buried en una peli de acción, en Indiana Jones y el Sarcófago de madera de pino. Logra generarte situaciones de alta tensión emocional, logra hacerte vivir persecuciones sin poder mover los pies.

Al final, queda una peli americana estupenda, coherente y emocionante hasta el final, cuyo doble truco final (sueño y canción) te impide quedarte con el regusto del buen cine. Te impide levantarte al día siguiente con el ataúd metido en tu cerebro.

Pero lo que ha quedado es una emoción sin límites, el éxito de una marcianada española que logró devenir americana.

TODO LO QUE TÚ QUIERAS (Achero Mañas): 7,5

2010-09-11T10:03:00.002+02:00

No es fácil escribir acerca de una película que te impide asirte a ella. Una película que consigue sumergirte en su universo y cuando ya te sientes cómodo en él, te saca al romper todas tus expectativas. Que se empeña en llevarte a otro nuevo mundo, del cual te vuelve a sacar. Una película que hace del riesgo, esencia; y en la esencia, arte.

"Todo lo que tú quieras" empieza como un melodrama y lo es hasta el final. Pero no como un melodrama de Douglas Sirk o de Venezuela, sino como un anclado en la realidad, en que las escenas te perturban y el contenido metafórico te mueve. Y dicho melodrama avanza ajeno a cualquier norma hasta hacer que el espectador dude sobre lo que está viendo. De si se está moviendo en el territorio de la comedia o en el de la realidad. De si hay hetero u homosexualidad. De si hay lógica o simplemente amor.

Y dicha duda incomoda de tal modo que hace complicado seguir creyendo en lo que te cuenta. Ahí te exige un esfuerzo. El mismo esfuerzo que aplica la peli para salirse casi siempre de los tópicos. El mismo esfuerzo que aplica Mañas al construir y hacer realidad dos personajes apasionantes: transformista y niña. El mismo esfuerzo que logra Achero al encontrar una puesta en escena con el poderío de "El Bola" y la brillantez del cine grande.

En el camino, ha podido quedar el espectador. Yo no quedé, aunque estuve a punto. Yo llegué asido hasta el final. Y en el final, llegó al objetivo del melodrama. En el final me emocionó como un niño, me emocionó como a Leo y a Flaca, me llegó adentro aunque afuera no hubiera sino sirenas.

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS (Woody Allen): 8,5

2010-08-30T10:04:00.002+02:00

Exceptuando el catedrático Haneke, puede que Woody Allen sea el más filósofo de todos los directores. Sin embargo, si de algo carece su cine es de filosofía. Exceptuando al recién muerto Rebella, puede que Woody Allen sea el más triste de todos los directores. Sin embargo, si de algo carece su cine es de tristeza.

"Conocerás al hombre de tus sueños" lleva estos dos hitos hasta el extremo. No es filosófica ni es triste, todo lo contrario. Es sin duda la película más divertida que hace desde su época de gloria en los 90. Hace de la risa un arte sublime, que lleva a que pasen sus minutos con la felicidad del que conoce la vida y la asume como es. Del que ya no se hace preguntas porque sabe que ya no son necesarias las respuestas. Abandona la filosofía al generarnos nuevas ilusiones.

Y Woody Allen alcanza este estado de gracia utilizando como nunca sus armas de siempre. Con personajes magníficamente paródicos. Con una trama de historias paralelas perfectamente hilada, que multiplica el impacto de cada situación. Con una visión de la vida tan patética como glamourosa. Con un poderío visual mayor de lo habitual. Con unos actores nacidos para la comedia.

Y dentro de esto, como siempre, es capaz de dejar sitio a cada personaje, de hacer que cada secundario se sienta protagonista. Lo hace una Naomi Watts en eterna deificación, un Antonio Banderas desternillante. Porque si toda la función alcanza momentos gloriosos, entre ambos llegan al cielo en 3 escenas que pasarán a los hitos del tópico plano fijo de la comedia. Muestran cómo dos actores de comedia pueden hacer que una escena sea al mismo tiempo graciosa, metafórica y reveladora.

Así, entre ilusiones y realidades, Woody Allen nos lleva gozoso hacia un final que en su único error, quizá se precipita. Y al precipitarse, quizá nos deja menos tiempo para la reflexión, para las preguntas. Vuelve a conseguir alejar la tristeza, alejar la filosofía.

ORIGEN (Christopher Nolan): 8

2010-08-21T17:28:00.002+02:00

Christopher Nolan lleva toda su filmografía buscando lo oculto. Pero no busca en los territorios opacos, busca en los límites. Busca joyas en el espacio que queda entre lo que se ve y lo que no se ve.

Empezó por la memoria y encontró los recuerdos olvidados en Memento. Consiguió el que quizá es el mejor thriller de la historia. Luego buscó en el espacio que antecede a la fase R.E.M., ese lugar de frustración que queda en la noche de los insomnes. Consiguió una obra maestra con Insomnio. Siguió alerta y llevó su ansia de saber al ilusionismo. Y en la mezcla de truco y realidad encontró en Prestige otro hito fascinante, nacido para confundir y sin embargo, perdurar. Con ello no le bastaba.

Tras el olvido, la magia y el comienzo del sueño, le faltaba llegar al centro de todo ello, al territorio donde el ser humano nunca llega, al territorio donde soñando sueña con llegar. Le faltaba llegar al sueño. Y apareció Origen.

Origen es totalmente coherente con el resto de su trayectoria. Tiene sus mismas dosis de espectáculo, de foco, de precisión estructural. Tiene un guión que supone otro salto sin red hacia el ridículo. Pero nuevamente lo logra evitar.

Lo evita gracias a una escritura modélica, capaz de contar cuatro historias dentro de una historia. Gracias a una fortaleza visual tan brutal, que logra satisfacer la infinitas posibilidades que daba la historia. Gracias a una puesta en escena de maestro, que hace real lo que sólo era sueño. Lo logra gracias a una inteligencia tan fina que es capaz de hacer comprensible una historia nacida para ser incomprendida.

Sólo su afán por dar espectáculo imposibilita el acceso a la maestría. La necesidad de recuperar el presupuesto le lleva a meter acción donde el conflicto no la requería. Y en ese añadido la película pierde algo de interés, hace que sobre algo de metraje. Pero poco.

Porque la solidez de Nolan hace que el espectador vuelva a conectar con su búsqueda. Vuelva a recuperar el olvido, vuelva a encontrar la magia, vuelva a recuperar lo apenas dormido, vuelva a vivir el sueño, soñando dentro de él hasta vivir soñando.

v.o.s. (Cesc Gay): 10

2010-08-02T09:38:00.005+02:00

La cartelera es una ruleta rusa. Hay muchas películas sin nada que lo obtienen todo. Hay algunas películas con todo que son ninguneadas por crítica y público. "v.o.s." no pertenece a este último grupo, lo lidera.

Toda crítica es subjetiva, ésta también lo es. Y admito que la última criatura de Gay cuenta con múltiples elementos que hacen que me guste, que satisfaga mis obsesiones.

El primero es su condición de metacine. Su condición de obra entre la realidad y la ficción, entre la creación y lo creado, hacen de ella algo moderno, real, tanto como la inevitable voz en off que todos tenemos dentro mientras vivimos nuestra vida.

El segundo recurso es su no adscripción a un género, su decidida apuesta por la vitalidad de la comedia y el poso del drama, por la ligereza de la risas y el anclaje a la dura realidad de las relaciones.

El tercero es su cinefilia militante. Una cinefilia que le lleva a homenajear casi de forma involuntaria, difícilmente eludible. Como con Tarantino, se trata de una forma de vivir la vida en la cual el cine siempre está presente, en la cual las películas vistas pasan a integrarse en la vida y ser foco, referencia, personajes.

El cuarto y último es su pequeñez. La lleva tan lejos como para titular en minúsculas. Si con los otros me divierto y afilio, éste me lleva directamente a identificarme. Gay no cree estar contando la película definitiva. Quizá no cree que ésta exista. Quizá la película definitiva es la que es capaz de contar la normalidad de la vida de forma que consiga que capte esta normalidad y al mismo tiempo, la haga milagro.

Y él lo consigue. Consigue captar la verdad y encontrar el aura. Consigue hacernos reír con el día a día y emocionarnos hasta la lágrima con el milagro del nacimiento. Consigue hacer la película que siempre quiso hacer Woody Allen: mostrar la tragedia que es la vida, haciendo que el tiempo y la distancia del cine, la tornen comedia.

MADRES E HIJAS (Rodrigo García): 7,5

2010-07-19T09:59:00.002+02:00

Siempre he creído que el hijo de García Márquez es mucho mejor que su padre. Mucho más sensible, mucho menos cursi, mucho más depurado, mucho menos exhibicionista.

Lo ha demostrado en los 3 largos que ha estrenado en España. Si Cosas que diría con sólo mirarla y 9 vidas, transmitían su amor e intento de comprensión de las mujeres a través de cortometrajes tan potentes y aislados como vertebrados, Madres e hijas es su primer salto a la narración convencional.

Y es salto, pero menos. Porque los mismos personajes que poblaban sus cortos aparecen en el drama. La misma idea central que se bifurcaba en varias sigue apareciendo aquí. La diferencia es que aquí sí hay unidad de historia, sí hay un hilo común argumental que une a las diferentes historias. Ese hilo es la sangre y es el tiempo, ese hilo es la relación materno-filial que nace de los genes o de la compañía.

Así, el conflicto adopción-legado-educación explota en 3 madres que no lo son, se desarrolla en sus diferentes vertientes, alcanza un grado de profundidad que nos lleva más a vivir sus vidas que a plantearnos preguntas. Más a sentir sus emociones que a replantearnos nuestra realidad.

Para ello se sirve de retratos femeninos tan acerados como los de sus cortos, de vidas tan apasionantes como la de Naomi Watts, uno de esos personajes nacidos para quedarse. Es ella y su relación con un sublime Samuel L. Jackson quienes llevan la película a los terrenos de la perdurabilidad. Su imposible relación es una de las cotas mejores en lo que va de año.

Por eso al bajar de ella para aterrizar en la coherencia de la historia y de los personajes, en la unión de esas 3 madres aparece un desenlace necesario, pero insuficiente para el grandísimo cine que hasta entonces hemos visto.

Un cine en el que el plano-secuencia sólo llega en el último plano. Un cine en el que el montaje y la planificación se dan la mano de una forma tan precisa que cada elipsis genera intriga y metáfora, cada corte es sereno y elegante, cada fin es un comienzo.

Un comienzo libre de emociones, germen de nueva vida. Ya sea por los genes, ya sea por la compañía.

TWO LOVERS (James Gray): 8,5

2010-05-19T08:53:00.002+02:00

Two Lovers es sin duda la película de la primavera. No lo es sólo por la ausencia de cosas buenas, lo es por que le salen virtudes por cada poro de los fotogramas.

Por una vez, sus fortalezas no nacen de una historia trabajada para ser original. Ni mucho menos. Sus conflictos son los de Shakespeare, los de toda la vida. El chico que se debate entre lo que le atrae y lo que le conviene. La chica que elige un amor, que le convierte en adicta a la lágrima. Y la enfermera patológica, que busca sufrir haciendo bien en la Tierra para llevarse tranquilidad al Cielo.

Nada hay de original en ello. Pero no por ello deja de ser original. Porque la originalidad está en que esos personajes sí lo son. Lo son porque la bipolaridad o la esquizofrenia no suelen aparecer en películas de estrellas más que para historias de superación, historias de excepción. Y si algo no es Two Lovers es una historia donde se trate a los personajes como seres extraños, seres a los que el mundo trata de meter en él.

Los personajes viven siempre dos vidas. La que está en su cabeza y la que tienen vivir fuera de ella. Y eso les condena a estar siempre donde no tienen que estar. Por eso están siempre solos. Por eso cada momento en que logran meterse en el mundo vale cien veces de disfrute más. Por eso pasas de rechazarlos a quererlos. De no entenderlos a pensar que quizás tú harías lo mismo.

Esto lo logra gracias a sus personajes, gracias a sus actores. Pero los grandes logros de la película no están sólo en su apuesta por personajes sin empatía para el espectador. Están en una dirección que hace aflorar al exterior lo que llevan dentro de la cabeza.

Y lo difícil no es sacarlo, es hacerlo de forma natural. Lo hace sin utilizar el diálogo o los sueños. Lo hace sin recurrir a la voz en off o a la cámara subjetiva. Lo hace mediante una fotografía plagada de detalles. Con planos que iluminan lo mejor de Manhattan como un sitio que no es para Joaquin Phoenix. Con rejas en la terraza que acorralan a Gwyneth y lo separan de Joaquin. Con cristales en las puertas que deforman las imágenes casi tanto como su cabeza. Con guantes que son metáforas y puertas de Metro que son predicciones.

Lo hace mediante mil y un recursos, que logran crear una nueva realidad y hacértela vivir con la intensidad del interior de la cabeza de un loco. Lo hace con la sinceridad de un genio que no intenta llegar al gran público, pero que consigue la emoción del que habla sin ambages. Lo hace encontrando la vida dentro de uno a través del que somos y nunca queremos ser. Lo hace haciendo cine grande en cada fotograma, creando poros, encontrando almas.

PERDONA QUE TE LLAME AMOR (Federico Moccia): 0

2010-05-09T12:30:00.003+02:00

En función de cómo uno la vea, a la nota de esta película se le puede poner un 1 delante. Porque viéndola puedes ser completamente feliz. Viéndola puedes sentir el mismo orgasmo que yo sentí desternillándome de "Independence Day".

Porque eso es la peli: una parodia involuntaria. Hay tantas situaciones que encuentran el ridículo que el ridículo acaba formando parte de la esencia de la película. Y es entonces cuando no sabes si lo que ves es sublime o simplemente ridículo.

La vergüenza ajena no tarda en entrar. Lo hace en el primer fotograma cuando te introducen por vez primera frases de autores célebres, a la busca de enjundia intelectual. Pero si a la mierda le incluyes una cita de Balzac, sigue siendo mierda. Continúa con una voz en off en pos de un personaje que nada tiene que ver con la trama, y que sólo aporta una supuesta filosofía que no alcanzaría ni la de un manual de autoayuda. Prosigue con unos personajes pretendidamente interesantes, cuyo interés se resume en su cuerpo. Lo acompaña de unas situaciones tan esquemáticas y falsas como de las de los dos publicistas que les ponen a competir por un supuesto premio. Lo adorna con que al final este premio lo ganan unos dibujos de la prota que enrojecerían hasta a una niña sin padre junto a la casa. Lo amplían unos diálogos tan edulcorados que serán denunciados por la Asociación de Defensa de la Diabetes. Lo magnifica la manida metáfora del faro como retiro de un supuesto ejecutivo agresivo. Se supera metiendo con calzador un accidente que introduzca la muerte y la amistad en sus inanes vidas. Y alcanza la epopeya un juego de luces y ecos durante una escena sexual que haría temblar de erotismo al mismísimo Leonardo Dantés.

Todo es tan falso como surreal. Todo es tan patético como vergonzante. Todo es tan tópico que acaba encontrando lo que no buscaba, una carcajada tan bestial que sí permite llegar a lo que quería: hacer felices a los espectadores.

CyJ: Primer visionado

2010-04-26T16:43:00.003+02:00

Acabo de realizar mi primer visionado de la película con un amigo profesional. Y todavía tengo la carne de gallina.

Qué sensación más potente es no querer ver los defectos, qué maravilla es ver que no todos los ven, que algunos de los que se ven son corregibles, qué gozada es emocionarte, sentirte sobrecogido por algo que encima es tuyo.

Cada vez me apetece más llegar al final, llegar al principio.

EL MAL AJENO (Oskar Santos): 7,5

2010-04-02T11:55:00.002+02:00

http://www.youtube.com/watch?v=L_84Sisn_6k

No entiendo el desprecio crítico que ha vivido esta película. No es que pida su aprecio por ser ópera prima, lo pido porque es de las pocas películas que te ata a la butaca desde su lanzamiento hasta su desenlace.

Te ata a base de golpes. A base de inundarte con su óptica visual, con sus planos arrebatadores, con sus conflictos superpuestos, con su renovado lenguaje matemático. Puede que algunos de sus golpes tengan que ver con el carácter sobrenatural de la trama, admito que esos son golpes más o menos fáciles. Puede que otros sean efectos especiales sin máscaras ni tecnología, puedo admitir también su no extrema dificultad. Pero provengan de unos o de otros, lo importante es que arrebatan, que elevan la trama a miles de puntos en lo que ninguno carece de atractivo.

Como en el buen cine, cada escena tiene entidad en sí misma. Tiene un prólogo, tiene un nudo y tiene un desenlace. A nivel argumental y a nivel metafórico. Como en el buen cine, cada personaje tiene una personalidad, tiene una evolución. A nivel físico y a nivel psicológico. Como en el buen cine, cada personaje tiene un actor, tiene carisma. A nivel presencia y a nivel interacción.

Sumando ese guión y esos actores, aparece una realización que hace que cada escena brille sobre sí misma sin cegar a las demás. Es tan potente el uso de la cámara, es tan sobresaliente la fotografía que logra reinventar lugares tan conocidos como la clínica de La Paz o un parking carne de grisura. Y en la suma de la historia con la dirección y con la interpretación, se llega a una atmósfera, a un clímax donde lo sobrenatural deviene natural, donde lo irreal se cuela en el espacio de lo real hasta llegar a ser indistinguibles.

Donde el mal y el bien se encuentran para hacer una aleación, para llegar a hacer el bien ajeno practicando el mal propio, para realizar el mal encontrando el bien.

THE ROAD (John Hillcoat): 5

2010-03-21T12:25:00.003+01:00

Debería decir que "Me debo a mi público". Lástima que no lo tenga. Porque ese es el único motivo porque el me pongo delante del ordenador a escribir acerca de esta película. Porque tengo un compromiso de escribir acerca de cada peli que veo en el cine.

Sólo que normalmente disfruto haciéndolo. No es el caso.

Es tan fría, tan coñazo, tan visceralmente lejos de la epopeya pretendida que cada uno de sus fotogramas cae cual plomo sobre los anteriores.

No es culpa sólo de la fotografía, gris como el futuro que dibuja. Tampoco es culpa del pesimismo de postal en el que nos envuelve. Ni siquiera de la atmósfera tópica de ciencia ficción. Tiene que ver con unos personajes que sólo interesan cuando recuerdan, cuando sueñan. Tiene que ver con su viaje, que pudo ser interesante en la novela, pero que no lo es en el paso al cine. Su dureza es innecesaria. Su emoción es sentimentalismo. Su aprendizaje es obviedad.

Su metraje es un coñazo de tomo y lomo, sólo salvado por la aparente profundidad del tema. Cada estrella que le ha dado la crítica es una pérdida de prestigio para el cronista. Cada punto que le doy yo es un regalo más motivado por la falta de defectos, que por la generación de efectos. Cada palabra que escribo me arrepiento más de haber iniciado este escrito. Así que es momento de acabarlo.

UN PROFETA (Jacques Audiard): 7

2010-03-13T08:48:00.002+01:00

Supongo que hay autores que conectan más y que conectan menos con uno. Jacques Audiard conecta con casi todo el mundo. No conecta conmigo.

No se trata de que no lo valore. Su cine siempre me interesa. Siempre me apetece ver qué pasa al final. Siempre me seducen un par de ideas. Siempre lo sigo con fuerza y sin pasión.

Como en el resto, su cine parte de un guión de hierro que se encarga de deconstruir para que no parezca tanto cine. Tiene pinta de que había una gran y potente maquinaria de cine negro que se encarga de anular quitando un par de engranajes. Con eso consigue que su drama se parezca a la vida real, que gane credibilidad y pierda vigor cinematográfico.

Esa decisión lleva a la siguiente y es que su cine lo pueblan personajes antipáticos. No hace el más mínimo esfuerzo por acercar a sus protagonistas. Puedes llegar a entender la situación en la que se encuentra Malik pero es tan deplorable, tan falto de valores cada uno de sus comportamientos que sentir empatía hacia él es la más utópica de las aventuras.

Y este hecho nos lleva a su último foco: la atmósfera. Al no sólo eludir los antihéroes, sino abarrotar de hijos de puta la trama, lo que consigue es que te sitúes en un ambiente que parece profundamente real, pero del que no quieres saber nada. Sólo quieres portarte bien para no ir a una cárcel poblado de islámicos.

Porque no deja poso de esperanza. Por mucho que lo intente con el final. El proceso de aprendizaje del protagonista puede ser el de un profeta, pero desde luego no es el del espectador.

Por eso sigo sin conectar con Audiard. Por eso me temo que seguiré sin conectar.

CineForum: EVA AL DESNUDO (Joseph Manckiewicz)

2010-03-09T13:24:00.002+01:00

Si de alguna película cuesta más escribir es de ésta. Y cuesta porque siento que es como profanarla. Está tan bien escrita que poner palabras a las palabras vividas es casi destrozarla.

Como bien decía siempre el propio Manckiewicz, todo se resume en el guión. La historia tiene tanta fuerza que sólo la posterior copia sistemática del modelo se ha encargado de intentar reducir. Pero no lo ha conseguido. Es tan grande el argumento, las voces en off que se van superponiendo, la multiplicidad del punto de vista, la estructura circular, la creencia en el teatro de la vida, que los propios remakes inconfesos no han logrado acabar con All about Eve.

La vida se puede resumir en el teatro. Pero el teatro también puede ser la vida. A eso llega Manckiewicz después de 133 minutos de un ritmo descomunal, donde el teatro y la vida se enfrentan hasta llegar a fundirse. Donde los conflictos del teatro de Margo Channing alimentan su vida como ésta alimenta los del teatro. Donde el arribismo disfrazado de bondad de Eve Harrington se manifiesta en creciente infelicidad personal. Donde a cada paso que dan los personajes, representan un rol ficticio que modifica el rol real hasta llegar a confundirse.

Porque de eso va Eva al desnudo. De cómo la vida exterior y la interior están todo el rato mezclándose, modificándose. Cómo somos incapaces de distinguir nuestras propias mentiras y, tras asumirlas como propias, comenzamos a interpretarlas hasta sentirnos más cómodos con nuestro personaje que con nuestra vida. Hasta preferir el texto escrito que el vivido. Hasta ser mejores actores que personas.

Porque los diálogos son siempre más brillantes que nuestras ocurrencias. Porque los conflictos de la vida cotidiana sólo son disfrutables en el auditorio. Porque por muy bien que escribamos nuestra propia vida, por muy bien que se escribiera esta crónica, la ficción siempre es mejor que la realidad.

OTRAS RECOMENDACIONES DEL AUTOR:

1. La huella.

2. El fantasma y la señora Muir

3. Mujeres en Venecia

4. El día de los tramposos

Los Oscar 2010

2010-03-08T09:59:00.005+01:00

Concedo a los Oscar la misma importancia que a las opiniones cinematográficas de mi asistenta. Alguna vez incluso lleva razón.

El problema es que si a mi asistenta nadie la escucha, a la Academia todos la siguen. Siguen a una gente capaz de apostar por Sandra Bullock. Siguen a una gente capaz de confundir la historia con el guión, el personaje con el actor, la belleza con el maquillaje, los efectos digitales con el uso de la cámara.

Siguen a una gente que se les impresiona con el espeluzne (Precious) y no con el talento (Vera Farmiga). Siguen a una gente capaz de confundir la seriedad del tema (En tierra hostil o El secreto de sus ojos) con la profundidad (La cinta blanca). A una gente que ve originalidad cuando sólo es novedad en Hollywood. A una gente que no sabe que mucho sonido no significa que sea bueno, sino que la excelencia puede estar en el silencio y el sonido fuera de plano (Haneke).

A una gente que está habituada a mirar para otro lado hasta que se siente obligada a pronunciarse para parecer trascendente.

Y de esa nueva trascendencia se aprovechan las películas pretendidamente trascendentes. Pasan de lado las que utilizan la comicidad para ser realmente profundas (Up in the Air, An Education y la joya de Malditos bastardos).

Si generalmente los Oscar son un disparate, este año han alcanzado la categoría de broma pesada. Si me suelen importar tanto como la opinión de mi asistenta, este año prometo escucharle más a ella.

OSCARS JUSTOS:

Christopher Waltz por Malditos bastardos

OSCARS DECENTES:

Kathryn Bigelow

OSCAR INDECENTES

Sandra Bullock versus Carey Mulligan

Monique versus Vera Farmiga

El secreto de sus ojos versus La cinta blanca

Fotografía para Avatar versus La cinta blanca

OSCARS VERGONZANTES

Guión para En tierra hostil versus Tarantino

Guión adaptado para Precious versus Nick Hornby (An Education)

Diseño de sonido para En tierra hostil versus La cinta blanca

AN EDUCATION (Lone Scherfig): 8,5

2010-03-02T10:44:00.002+01:00

An Education no es sólo la película más deliciosa de la temporada. An Education es una película educativa sobre la educación. Es educativa porque entra dentro de eso que podríamos calificar como el cine de valores, ese cine que desde pequeño consumimos como una materia más en nuestra educación. Es sobre la educación porque afronta de manera central las trampas, los riesgos y los logros de una buena educación.

Decía un cura de mi colegio que en la vida siempre hay que elegir entre dos opciones: una buena y otra mejor. La protagonista de An Education siempre se enfrenta a ambas. Y por supuesto, no sabe cuál es cuál. Sí sabe cuál le reporta más placer, más rendimiento inmediato. Sí sabe cuál es la que le han enseñado desde pequeña. Sí necesita un refuerzo que le lleve a aceptar el camino más largo.

Carey Mulligan se pasa en este discurrir toda la película. Y se pasará el resto de su vida. Como nosotros. Tanto en nuestra vida personal como en nuestra carrera profesional.

Todos sabemos que hay un subconsciente colectivo que acaba haciendo que todos los mensajes de las madres sean el mismo. “Estudia, hijo, para cuando seas mayor”. Te conminan a aburrirte en pro de un supuesto beneficio futuro. Pero nunca sabes cuál es. Con tal convencimiento es fácil caer en cuanto aparecen otras opciones en forma de distracción. Quizá las chapas puedan combatirse. La tele frente a la lectura será un esfuerzo diario. La fiesta y las chicas terminarán con dicha certeza.

A la protagonista casi le cuesta el resto de su vida no vencer esas tentaciones. Porque además, el camino más corto suele vestirse del aparentemente más educativo. En este caso, la universidad de la vida le aparta de la universidad de los libros, pero le enseña el jazz, le muestra la música clásica, le lleva a París, aprende a realizar sus sueños. Sus sueños más superficiales. Los que pueden proporcionarle más satisfacción presente, menos libertad futura.

En la carrera profesional, nos encontramos continuamente esas trampas. Trampas que, al igual que el diablo, se visten de Prada. Trampas en forma de sueldos grandes con responsabilidades pequeñas, status altos para puestos sin contenido, redes de relación importantes que esconden actividades sin aprendizaje, roles donde no explotar ninguna de las propias virtudes, excesiva seguridad futura y presente inactivo.

La crisis ha destapado y vaciado muchas de estas trampas. Y no tienen nada de malo, son opciones buenas pero hay que saber que son trampas. Trampas que alejan del objetivo futuro, que dificultan llegar a ser quien uno quiere ser.

En el camino, uno puede llegar a dudar incluso de quien quiere ser. Carey Mulligan lo duda. Y está a punto de caerse por el precipicio de la vida fácil, de la futura vida complicada. En momentos como ése es cuando más necesitamos un apoyo. Ella reclama un primer apoyo, alguien externo que le diga lo que tiene que hacer.

Hoy mucha gente tiene el problema de que está en el paro, tiene la oportunidad de decidir su destino laboral. Por eso, y ante la duda, muchos están recurriendo a asesores de carrera profesional. Los que han salido de su empresa mediante Outplacement no sólo tardan mucho menos en recolocarse, sino que lo hacen mejor. Porque llevan ese asesoramiento incorporado. Y están eligiendo proyectos alineados con sus capacidades, donde puedan desarrollar al mismo tiempo sus sueños y sus fortalezas, donde tengan siempre retos reales, donde puedan practicar en la reducción de sus debilidades.

El segundo apoyo que pide la protagonista es que no le basta con hacer, necesita que le expliquen por qué nos educan. Ante la posibilidad de elegir, no nos basta con saber los caminos, necesitamos saber los porqués. Muchas veces los jefes repartimos responsabilidades pero no explicamos el rol que éstas juegan dentro del aprendizaje de uno. Y al no explicarlas, podemos estar haciendo que la otra persona no vea más que el aburrimiento y el sufrimiento que significan, estamos haciendo que elija el otro camino.

Parte de educar es educar en la educación. Carey Mulligan lo aprende. Y a partir de entonces, sabrá cuál es el destino. Tendrá que elegir muchas veces entre una opción buena y otra mejor. Habrá muchas veces que se equivoque. Habrá muchas veces que caerá. Pero podrá levantarse. Porque sabe dónde ir. Porque sabe por qué va allí.

SHUTTER ISLAND (Martin Scorsese): 5,5

2010-02-27T19:33:00.002+01:00

A todos los directores que no escriben les pasa lo mismo. De vez en cuando la cagan.

No la cagan porque sean malos, la cagan porque cuando la necesidad de buenas historias se prolonga, baja el nivel de exigencia. Y con él, uno se acaba poniendo al frente de un proyecto de menor calado del que uno merece. De menor calado del que Scorsese merece.

La historia de Dennis Lehane no daba para mucho. Daba para hacer una reflexión sobre la locura y sus tratamientos. Tampoco parece la mejor carne para un plato de Scorsese. En ella ni siquiera ha metido su obsesión por los efectos de la religión sobre la pérdida de la razón. Si la pluma de Paul Schrader hubiera estado metida, otro gallo le hubiera cantado.

Si al asumir una historia tan ajena como la de Infiltrados, ya asumía su no autoría, el genio italoamericano busca todos sus retos en lo visual. Y ahí deriva en un mal artesano y buen cinematógrafo. Ahí acaba siendo un regular narrador y un excelente fotógrafo. Ahí aparecen todas las alucinaciones y sueños del protagonista, que resultan tan desgarradoras y potentes como inútiles. Ahí aparecen todos sus giros, que convierten el metraje en entretenimiento pero nunca en reflexión. Ahí aparecen sus paisajes y faros del mejor Hitchcock, unido a sustillos de serie B.

Ahí aparece una salida digna para cualquiera e indigna para Martin Scorsese. No es una cagada como las de otros que no escriben, pero sigue siendo una cagada para él.

CineForum: TROPA DE ÉLITE (Jose Padilha)

2010-02-24T19:21:00.002+01:00

¿Se puede sostener el estado del bienestar actuando de una forma que esté bien?

¿Consumir un canuto es hacer que un niño se condene a vender drogas?

¿Matar puede ser la mejor forma de salvar vidas?

Tropa de élite nos hace todas estas preguntas. Tropa de élite logra que nos planteemos todas las anteriormente verdades inmutables progres. Tropa de élite consigue que nos replanteemos gran parte de nuestra corrección política.

Lo hace gracias a su trama. Una trama tan atada a la realidad que se llega a confundir con ésta. Lo hace gracias a su punto de vista. Un punto de vista con tantas conexiones con el Travis Bickle de Taxi Driver que llega a confundirnos casi tanto como a él. Lo hace gracias a un espídico montaje, que agarra tu confort y lo lanza por los aires. Lo hace gracias a un guión con estructura en seis, que te mueve y te remueve hasta volcar tus principios.

Pero lo mejor no está en la forma. Lo mejor ni siquiera está en el fondo. Lo mejor es que puedas crear que te has tragado una peli de género. Lo mejor es que la reflexión parece estar en la superficie cuando está en el fondo. Lo mejor es que, sujeto a su acción, deja que seamos nosotros quienes respondamos a sus preguntas. Lo mejor es que todavía hoy, lejos del impacto, nos seguimos haciendo nuevas preguntas. Lo mejor es que hoy no somos ni seremos los mismos que ayer.

LA CINTA BLANCA (Michael Haneke): 9

2010-02-15T16:09:00.002+01:00

Hace tiempo que sabíamos que Haneke es el mejor director de actores del mundo. Hace tiempo que sabíamos que es quien mejor maneja el sonido. Hace tiempo que sabíamos que nadie como él para mostrar lo peor del ser humano. Lo que no sabíamos es que podía ser accesible. Que podía contar la historia. Que podía ser otro sin dejar de ser él mismo.

La cinta blanca guarda toda su esencia y la pone al servicio de una historia perfectamente comercial. No es comercial en el sentido hollywoodiense. Lo es en el sentido de que uno puede llegar a entretenerse.

Pero su propósito dista mucho de ser ese. Su propósito es seguir siendo él mismo. Por ello vuelve a Funny Games o a El video de Benny para hablarnos del mal radical que hay en el ser humano desde casi su nacimiento. Por ello anula cualquier posibilidad de empatía en la creación de personajes. Por ello, consigue que los actores parezcan haber nacido para ese preciso momento. Por ello anula cualquier posibilidad de emoción que cambie el pensamiento racional. Por ello mantiene la fuerza sobre sonidos fuera de plano. Por ello conserva su carácter de metacine. Por ello afila las garras de su discurso filosófico sobre la pregunta interactiva, y nunca sobre la respuesta.

Sin embargo, también obtiene logros nuevos. El ritmo es notable, carente casi de tiempos muertos. La tan fría como sublime fotografía es la mejor que nunca ha tenido su cine, y la mejor del reciente cine europeo. La mezcla de historias genera una nueva realidad que deviene estudio. Y finalmente, el calado histórico le confiere la fuerza de una reflexión que anticipa un nuevo tiempo.

Es la llegada del nazismo la que se asienta sobre los ojos de una sociedad buena que no quiere ver cuánto de mal hay en ella. Es el mal que viene y no somos capaces de frenar.

EN TIERRA HOSTIL (Kathryn Bigelow): 6,5

2010-02-01T20:19:00.004+01:00

Nunca me han gustado las películas de guerra. Por eso no me gustó En tierra hostil. Por eso no me atrevo a decir que no sea buena.

Pero el caso es que me aburrió. El caso es que salí igual que entré. El caso es que no me hizo pensar. Sólo me hizo vivir un rato la guerra. El suficiente guerra para saber cómo es. El suficiente rato para que se me hiciera reiterativa, redundante.

El problema nace de mí, de que no me interesen las películas de guerra. De que no me generen ninguna empatía.

El problema crece cuando la directora decide que no haya una mínima trama de ficción, un hilo común entre las escenas. Eso provoca que las escenas se superpongan hasta hacer desaparecer la necesidad de que venga una más.

Y finalmente, el problema explota ante la ausencia de relaciones. La decisión de no incluir una sola relación humana probablemente refleja la guerra, pero desde luego no me la hace nada interesante.

El resultado es el desinterés. El resultado es el aburrimiento. El resultado es la no reflexión. El resultado es que salí igual que entré.

UP IN THE AIR (Jason Reitman): 8

2010-01-31T16:35:00.001+01:00

También un despido puede realizarse con dignidad. Con dignidad para el ejecutado, con dignidad para el ejecutor. Para la víctima y para el verdugo.

George Clooney lo demuestra en Up in the Air. A lomos de un avión se embarca en un viaje desde las nubes hasta el pozo. Desde la decisión hasta la acción. Su misión no puede estar más de moda: practicar despidos colectivos de forma individualizada. Si su destino está tan lejos de la empatía, su forma de realizarlo lo acerca hasta la comprensión.

Y el secreto es sólo uno: lo hace con dignidad. Con dignidad para el ejecutado, con dignidad para el ejecutor. La dignidad está en que se preocupa por la otra persona, trata de conocerlo, trata de afrontarlo, trata de darle una salida humana a un momento inhumano. La dignidad está en que sabe lo que se juega la otra persona. Y no lo esconde. Lo afronta con honestidad, con determinación, pero también buscando una nueva mirada.

En cada encuentro con sus víctimas, Clooney les hace mirar al futuro. Les hace enfrentarse al abismo que aparece. Pero ese abismo puede ser un lugar desde el que tirarse. Pero también puede ser una oportunidad para llevar la vida que hasta ahora no había llevado. Para ser quien no es. Para ser quien quiere ser.

La escena es un despido. Tiene toda la fuerza y la gravedad de una tragedia. Pero si se le aporta conocimiento del otro, si se le aporta una mirada hacia delante, puede devenir en otra cosa. No es lo mismo el final que el principio de algo. Clooney trata de encontrar siempre el principio. Por eso llega donde todo empieza.

Y empieza la dignidad del otro. Empieza el camino del otro. Empieza el autoconocimiento y la búsqueda de un nuevo destino. Y con esos pasos, se inicia un nuevo recorrido. Una nueva lucha contra uno mismo. Un nuevo trabajo en el que buscar la dignidad. Ese trabajo no es otro que buscar trabajo.

Lo bueno para las víctimas es que no están en España, están en Estados Unidos. Y por ello, todos tienen ayuda en ese camino. Tienen una empresa de outplacement que se va a encargar de que no sientan solos y abandonados. De mostrarles las posibilidades y las técnicas. De hacer que se acerquen cada día un poco más al objetivo. De aprender a ser alguien mejor. De aprender a ser valorados por las empresas como mejores. De recolocarse.

El mercado laboral español hoy es un clon del que retrata la película. Parece no haber salida. Sin embargo, mucha gente sin salida la está encontrando.

Gracias al outplacement, 5 de cada 6 personas se recolocan en menos de 4 meses. Gracias al outplacement, muchas empresas están consiguiendo hacer mirar a futuro, transformar tragedias en oportunidades. Gracias al outplacement, muchas empresas están consiguiendo ejecutar despidos con dignidad. Con dignidad para el ejecutado, con dignidad para el ejecutor

CineForum: AGUIRRE, LA CÓLERA DE DIOS (Werner Herzog)

2010-01-27T10:11:00.002+01:00

Como tantas veces ha demostrado el arte, la utopía puede ser un viaje hacia el abismo. Pero no sólo lo ha demostrado el cine y la literatura, también lo ha demostrado la historia. Lo demuestra esta historia.

En una historia que sólo podría ser ficción, la agarradera que te mantiene atado a la verosimilitud es el diario de Fray Gaspar de Carvajal. Son tantas las veces que la incredulidad asoma en la trama, que no puedes dejar de pensar en el manido tópico de "la realidad supera a la ficción".

Por ello, para afrontar el peligro de una historia más grande de la vida, Herzog elige la extrema fidelidad al diario. Esa fidelidad le lleva a sumergirte en el universo de estos buscadores de nada, y lograr que te metas en la montaña, en la jungla, en las moscas, en el silencio, en el espejismo. Te mete tanto que llega a hipnotizarte, sientes la naturaleza, sientes el cansancio, sientes el hambre, sientes la decepción. Así, al llegar el delirio final, comprendes todo lo que han vivido, comprendes cómo han elegido morir buscando a vivir volviendo. Comprendes cómo el miedo puede más que la razón, cómo el ansia lleva más lejos que la supervivencia.

Y para contarlo, Werner Herzog se embarcó en un viaje que poco tiene que envidiar en utopía al de Lope de Aguirre. Su empeño no llegó sólo a lograr hacerla. Eso fue un hito en sí mismo. Pero lo que rayó el milagro es que encima sorprendiera por su fuerza, por su innovación. La novedad no sólo está en su ritmo lento y de imágenes abigarradas. La novedad no está sólo en esa neblina que todo lo envuelve al inicio y que como un telón se levanta. La novedad no está en las interpretaciones teatrales que meten la irrealidad final en la realidad vivida. La novedad está en una atmósfera malsana, que te hace vivir realmente cuatro siglos atrás esa historia más grande que la vida.

La novedad es que logra que por una vez la utopía se haga realidad. Que se sortee el abismo, y la utopía se haga historia.

OTRAS RECOMENDACIONES DEL AUTOR:

1. Grizzly man

2. Fitzcarraldo

3. Enemigos íntimos

4. Gaspar Hauser

UN TIPO SERIO (Joel y Ethan Coen): 6

2010-01-20T14:48:00.003+01:00

Hace año y medio escribí un post alabando la última comedia de los Coen. Dije que Quemar después de leer era su primera comedia que cumplía plenamente su objetivo. Tras ver Un tipo serio, sigue siendo la única.

Si su objetivo era hacer reír, a veces lo logra. Es tan perdedor el protagonista que no puedes evitar reírte a cada nueva pringadez. Si su objetivo era hacer reflexionar sobre la religión, casi nunca lo consigue. Es tan esperpéntico el camino que no queda lugar para la alegoría. Y si su objetivo era hipnotizar con la trama, queda manifiestamente lejos. Donde en Barton Fink, su referente más cercano, había atmósfera, aquí hay desinterés.

No importa que pueble la historia con sus freaks habituales. La tela de estulticia en América que los Coen siguen tejiendo no llega aquí a conectar con nadie. Porque todos generan más pasmo que empatía, más alejamiento que risas.

Un tipo serio no es una mala película. Sus encuadres siguen siendo curiosos y representativos de una América idealizada. Sus actores son perfectamente coenianos. Y su coherencia llega a todo el metraje, salvo el capricho del prólogo. Pero apenas consigue una escena perdurable.

Si en el principio de Heisenberg en la pizarra está todo el poder de sus imágenes, las matemáticas quedan demasiado lejos de la vida. La metáfora está a distancia excesiva de la realidad.

Eso no es malo, simplemente es lejano. Por eso, hace reír poco. Por eso no emociona nada.

CineForum: Y TU MAMÁ TAMBIÉN (Alfonso Cuarón)

2010-01-13T10:34:00.003+01:00

La adolescencia es el cambio. Es el paso de la infancia a la edad adulta. Es el salto de una visión utópica a una visión irónica. Es el viaje entre el sueño y el encuentro con uno mismo. Es el camino entre el querer ser y el ser.

Tras muchas divagaciones, ayer por fin descubrimos que de eso va "Y tu mamá también". De cambio. Y como todo cambio, es una crisis. Crisis que nos hace crecer, crisis que nos hace sufrir, crisis en la que reímos por fuera y lloramos por dentro.

Como en toda road movie, el viaje físico que nos propone Cuarón no es por tanto sino un viaje mental. El viaje hacia el paraíso se revela como una borrachera que acaba teniendo su vómito. Pero lo peor no es sino su resaca. El regusto que deja el tequila impide volver a ver del mismo modo el sexo, la amistad, las relaciones, la vida.

Claro, que en el inicio de la borrachera y en el "puntillo", uno se divierte como no se ha divertido en su vida. Se ríe del otro y con el otro, juega a quemarse con y sin fuego, descubre y es descubierto, vive el momento como si no hubiera otro momento. Y esa diversión da lugar a escenas magistrales, a risas permanentes, a diálogos tan veraces como desternillantes.

Y buscando la verosimilitud, Cuarón lo trata en plano-secuencia, dando libertad de movimiento a sus intérpretes, dejando que los actores muestren su amistad verdadera en pantalla, poniendo la música a volumen adolescente, haciendo que hablen como hablan y se tiren pedos como son. El producto que genera es una verdad adolescente incontestable, como prácticamente nunca se había conseguido. Eso da lugar a una de las mejores escenas del cine moderno. La maravilla que os adjunto.

En esa gloria, está lo mejor de la peli. En esa y en la ubicación en un México tan real que casi parece folclórico. Una voz en off robada del mejor Truffaut ayuda a dar el salto entre esa gloria, ese México de vida y muerte, y una vida adulta final que no parece sino la decepción lógica de cualquier utopía.

El final del sueño, el final del cambio, el inicio de la vida adulta. Una vida adulta que no es peor, simplemente es distinta.

OTRAS RECOMENDACIONES DEL AUTOR:

1. Hijos de los hombres

2. Sólo con tu pareja

ICH BIN ENRIC MARCO (Santiago Fillol y Lucas Vermal): 7,5

2010-01-11T10:43:00.003+01:00

¿Hay más verdad que la mentira? ¿Es más importante la verosimilitud que la verdad, el espíritu que la letra?

El cine, la literatura, el teatro, el arte ha construido su historia en base a esto. No hay biografía más falsa y aburrida que la totalmente realista. No hay retrato más fiel que el que toma la persona y la vuelve personaje.

El apasionante protagonista parte de un punto extraordinario: él es personaje. Probablemente ni él mismo sepa qué hay debajo de su bigote teñido y de su nuevo nombre. Probablemente nadie sepa qué hay en Enric Marco que no sea impostura. En su propia persona, su verdad y su ficción se mezclan tanto que, como en el cine, generan una nueva verdad. Un tipo que nos mueve a reírnos y a conmovernos, a sorprendernos y a cabrearnos.

Si eso es la persona o el personaje, lo que cuenta todavía más allá. Y lo que cuenta nos lleva a plantearnos mil preguntas. En un principio, casi todas parecen de respuesta obvia, pero a medida que avanza la narración, a medida que conoces al personaje, todas esas respuestas comienzan a hacerse relativas, comienzan a verse fundidas por la duda.

El éxito del documental está en dejar que la persona sea personaje, que él lo infunda todo. Ante su absoluta modestia de medios, se conforma con colocarle entre imágenes tan potentes y metafóricas como todas las que lo sitúan entre espejos que se reflejan hasta hacerle desaparecer, entre espejos que hacen que su historia se difumine configurando un nuevo significado. Ante su falta de recursos, los directores apuestan por dejar que las preguntas salgan y no interferir en su respuestas.

¿A quién hirió con su mentira? ¿Qué fin consiguió con su nueva verdad? ¿Por qué necesitaba ser protagonista de una vida que no era la suya? ¿Hay más verdad en su emotiva mentira que en los fríos números de los historiadores? ¿Hay más ética en su comportamiento que en el silencio de los pocos supervivientes?

¿Se puede ser buena persona, comportándose como una mala persona?

Making of de Cecilia y Juan. "Trabajo con estadísticas, no creo en ellas"

2010-01-08T19:37:00.010+01:00

Acabo de terminar mi primer montaje serio.

Por "serio" me refiero esencialmente a dos cosas: que cada escena vaya alineada con la siguiente y que es justo lo que fue escrito en el guión. Por "primer" quiero decir que no es sino el primero, un borrador de lo que podrá quedar después.

Pero empieza a dar pistas. La primera es la duración. Mi guión ocupaba 64 páginas. Según las afamadas reglas de Robert McKee (el pesado que daba charlas de guión a Nicolas Cage en Adaptation), eso supone 64 minutos. Bien, su traslación a pantalla han sido 113 minutos, un error de sólo un 76%. Lo suficiente para hacer que cualquier persona no nazca, que un disparo al aire se convierta en asesino, o que las leyes de Mendel hagan que una jirafa devenga chihuahua.

Este error supone dos cosas: o Robert McKee no sabía de lo que hablaba o mi película es infinitamente lenta. Pero también puede suponer una tercera: que se cumplan las dos cosas. Me inclino por la tercera.

Escena por escena, he calculado cuanto podría llegar a reducirse cada una y me sale que podría llegar a 91 minutos. Y ahí se cumplirían 3 leyes de Robert McKee: la peli debe durar hora y media (91), el planteamiento duraría 25 minutos (24 en la mía) y el desenlace 20 (21 en la mía).

Pues parece que no voy tan mal, que puedo no ser tan lento. Parece que Robert McKee sabía de lo que hablaba. Parece que una vez más, si uno se empeña, los números siempre dan la razón.

El primer montaje: la infelicidad acecha

2010-01-04T11:42:00.003+01:00

Ayer terminé el primer montaje con el sonido correcto.

Lo hice después de pelearme con el ordenador y con los dos millones de discos duros que hacen falta para poder editar una jodida imagen. Tengo en mi casa más Gigabytes que granos de sal. Es acojonante la industria de la tecnología, que cuando crees que lo tienes todo para poder trabajar, descubres que te falta justo lo que necesitas para hacerlo bien. Y una vez que lo adquieres, eso no es sino el paso hacia un nuevo producto: la solución definitiva a todos tus males. De momento, los terabytes no consiguen arreglarme la nariz. Todo se andará.

El caso es que acabé el primer montaje. Y el primer montaje no da felicidad, sólo puede quitarla. Se trata de una lucha escena por escena para comprobar que no hay errores de imagen, que no falta un puto sonido, que ese dichoso camión de la basura que pasó justo cuando el actor decía la frase clave no se ha cargado del todo la escena.

Bien, pues todavía no soy infeliz. Todo se andará.

A partir de ahora, llega lo divertido, lo que puede hacerme feliz, lo que espero que os haga felices. Todo se andará.

Los Matomovies de Oro

2009-12-29T17:14:00.010+01:00

El año acaba. Y con él, una nueva cosecha. Llega el momento de hacer lo de siempre, evaluar el pasado, ver qué se ha sembrado para el futuro. LLega el momento de entregar los Matomovies de Oro.

Así que me pongo el esmoquin, me agarro a una rubia siliconada y bottoxeada con vestido rojo y comienzo a recorrer la alfombra roja, dispuesto a abrir el sobre. Pero mientras subo las escaleras y veo la pantalla con la lista de nominados, me doy cuenta que si algo destaca, es la presencia en ellas de películas de géneros alejados de los premios, de filmes hechos para disfrutar no para recibir estatuillas. Y también destaca otra cosa: personajes nacidos para epatar, actuaciones que logran apabullar.

1. Brüno (Larry Charles).

Cualquier podio que se precie no está ocupado por una comedia. Menos aún por una parodia. Todavía menos por una peli de cámara oculta. Pero simplificar la obra maestra de Sacha Baron Cohen a una parodia cómica de cámara oculta es lo mismo que decir que "El Padrino 2" es una peli de mafiosos.

Su cine no es sólo un cine gigante. Su cine no es sólo carcajadas que se superponen. Su cine es un género nuevo, es una invención nacida para sobrevivir, para soliviantar espíritus, para levantar conciencias, para hacer realmente feliz desde la verdadera infelicidad ajena.

2. Celda 211 (Daniel Monzón)

Si no es común que aparezca una peli española en este podio, todavía es más infrecuente que la que lo habita sea una peli de acción. Pero no por ser de acción, deja de ser española. No por ser española, deja de ser de acción. Tiene acción porque tiene conflictos potentes, escenas de lucha, efectos que son verdaderamente especiales. Es española porque tiene personajes brutales, realidad de rompe y rasga, mensaje perturbador. Así que es de acción y es española.

Y llega al final. Al final del conflicto, al final del corazón.

3. Malditos bastardos (Quentin Tarantino)

Desde que irrumpió, Tarantino no ha defraudado a nadie. Cada vez que salta lo hace sin red.

Lo hizo con el humor bestial y circular de Pulp Fiction, con la narración clásica y crepuscular de Jackie Brown, con la acción paródica de Kill Bill, con las persecuciones femeninas y setenteras de Death Proof. Lo ha hecho con la guerra reinventada de Malditos Bastardos. Como en todas las anteriores, muestra toda su extrema gama de recursos. Y en cada escena busca hacer la mejor escena de la historia. Casi siempre lo consigue. Casi siempre lo conseguirá.

4. Parque Vía (Enrique Rivero).

La ficción imita a la vida. Y la vida, a la ficción.

Entre ambas se teje una red en la que uno no acaba de distinguir dónde empieza una y dónde acaba la otra. Y es que no tiene por qué haber frontera. La frontera genera distancia y resta credibilidad. La frontera es la que ponen los que no saben hacer cine realista.

La frontera es la que logra romper Enrique Rivero gracias a una inmersión radical, a un ritmo arriesgado, a una vivencia de las rutinas que logra que interese tanto la repetición como la novedad. En ese logro, se llega al logro más decisivo: vivir la vida ajena como si fuera la propia. Saber que es igual de cierta, querer al personaje como quieres a tus amigos.

5. Frost/Nixon (Ron Howard).

Los críticos llevan años tratando de responder a una sola pregunta: ¿Qué es más importante, el guión o la dirección? La respuesta a esta pregunta la suelen dar los autores totales. Pero cuando no los hay, hay que buscar una respuesta en las evidencias. Habrá otras contrarias, pero Frost/Nixon es una evidencia clara de que lo primero es el guión.

El autor de The Queen es capaz de elevarse tanto que eleva a maestro al autor de Willow o Una mente maravillosa. La historia de la que parte Peter Morgan era tan teatral que sólo un genio absoluto podía convertirla en cine. Eso es lo que es él. Agarra la trama y le da cien vueltas. Mete varios personajes a cuál más enigmático. Juega con el tiempo como si fuera Dios. Y en la sucesión de cambios, logra que todo parezca uno, que nada de lo que aparece parezca accesorio, que se logre una unidad narrativa que genera tal despliegue de emociones, que sólo un torpe podría destrozar.

Y Ron Howard ha sido siempre un torpe. Pero aquí no lo es. Aquí deja ir al guión y deja ir a sus actores. Y en la combinación de escritura más interpretación, aparece una joya del cine político nacida para educar sin ser educativa, nacida para ser apreciada por el futuro, nacida para que la vean todos los millones de personas que no la vieron recién salida del horno.

6. Hace mucho que te quiero (Philippe Claudel).

El cine de autor se basa en la autoría, en la escritura y en la dirección, en la obra total. Decir que Claudel es autor de esta peli es mentir. Él escribe y él dirige, pero el autor no es él. El autor se llama Kristin Scott Thomas.

Sacha Baron Cohen logra atravesar cualquier frontera de la comedia. Luis Tosar alcanza un magnetismo superior al mayor generado por Marlon Brando. Christophe Waltz se come con la pantalla con cada pausa y con cada diálogo. Frank Langella llena el auditorio de carisma. Nolberto Coria hace verdad su propia vida. Si en todos los casos eso es increíblemente cierto, en el de Kristin Scott Thomas hay una diferencia: no se apoya en ninguno de los otros factores.

Ella no cuenta con nada. Ni con un buen guión, ni con una buena fotografía, ni con partenaires decentes. Ella tiene que hacérselo todo. Ella se lo hace y ella se lo come. Y aún le da tiempo, a disfrutar del plato.

EL ERIZO (Mona Achache): 6,5

2009-12-28T09:56:00.002+01:00

Desconozco el libro del que parte. Desconozco su tema. Lo sigo desconociendo cuando acaba el metraje.

Como en algunos otros libros, en la conversión al fotograma la autora opta por la recreación de la trama, de sus personajes, pero suele estar más el acierto en la renuncia que en la selección. Y quizá Mona Achache hace mejor la selección que la renuncia.

La selección es notable. La primera hora de la peli transcurre por un inmueble que se torna apasionante. Gracias a dos recursos de metacine tan expresivos como la cámara de vídeo y los dibujos de la niña, la narración se hace cercana y conectada, los personajes se tornan suma e hilo, la vida del edificio se hace tangible y al mismo tiempo, poética.

Quizá en lo que falla es en que no se hace global. Aunque lo busque, no hay posible metáfora del mundo exterior. Aunque se empeñe, hay ciertos personajes que no llegan a ser más que bosquejos, que aportan lo mismo a la trama que los títulos de crédito.

Por todo ello, entre aciertos y falta de renuncia, la película avanza a un ritmo adecuado hacia un desenlace que una de forma definitiva las historias, que encuentre el tema, la moraleja que haga universal esta historia local.

Y ahí llega el mayor problema de esta adaptación. El final es tan precipitado que se vuelve abismo. Nada se saca de ahí más que la sorpresa. Algunos podrían decir que es consecuencia del azar. Pero para que el azar sea mensaje conviene planificarlo con todo detalle. Conviene que torne consecuencia de causas seleccionadas y renuncias explícitas.

De otro modo, seguiremos sin saber cuál es el tema, qué quiso contarnos la autora de la película, qué quiso contarnos la autora del libro.

CIneForum: PARQUE VÍA (Enrique Rivero)

2009-12-16T09:12:00.001+01:00

Ayer la vi por tercera vez. Y no se va de mi conciencia. Te penetra y se queda. Su protagonista tiene tanta fuerza que entra como un taladro en tu cerebro y se queda para siempre. Hacía muchos años que no sentía tanta emoción por un personaje, tanta empatía por una persona fílmica. La creación de Enrique Rivero está tan llena de vida que, minuto a minuto, sientes la vida pasar y ésta te apasiona. Retrata la rutina de una forma tan veraz como cinematográfica, y siendo fiel a la vida misma, logra convertir el tedio en pasión, y la pasión en acción.
Sus recursos no parecen los de un novato. No busca epatar en ningún momento. No busca contar todo lo que es él y todo lo que piensa. Todo lo contrario. Se resiste a contar más que lo que la historia da. Y la historia no da para mucho. La historia sólo da para contar la vida. Y la vida lo es todo.
Por eso "Parque Vía" entra dentro de las conciencias y dentro de los corazones. Lo hace a ritmo lento, al ritmo de la vida. Lo hace a ritmo constante, al ritmo de la vida. A fuerza de ritmo vital, al final no queda dentro de uno sino la vida.
Su película no imita a la vida ni imita a la ficción, la ficción es vida, y la vida es ficción. Por eso te lo crees todo, por eso amas a su personaje como amas a tu novia o a tus amigos. Lo quieres por sus defectos, lo quieres porque es como es. Por eso quieres que salga de ésta, por eso quieres que siga encerrado en "Parque Vía".

BUSCANDO A ERIC (Ken Loach): 6,5

2009-12-03T11:25:00.003+01:00

Película a película, Ken Loach ha ido construyendo una cinematografía que podríamos llamar coherente, pero también podríamos denominar repetitiva.

Su cine está encallado. Sus historias son siempre las mismas. Su forma no cambia. Su fondo, tampoco.

Eso no es malo en sí. Tampoco es bueno. Simplemente es descriptivo. Decía Hitchcock que "casi todos los autores hacen siempre la misma película". A él le sirvió de autojustificación. Otros, sin embargo, es justo de lo que tratan de huir.

En la misma Inglaterra de Loach y Hitchcock, encontramos el ejemplo de Winterbottom. En cada película se reinventa. Y no por ello deja de ser coherente. La lucha por defender el defecto como fuente de virtudes está presente en todos sus filmes. Sin embargo, en cada una cambia la forma, cambia el género, consigue las mismas emociones.

Loach y Laverty, no. Loach y Laverty buscan un contexto, lo sitúan en el proletariado, transforman al personaje en un perdedor enfrentado a los poderosos, y el espectador y el protagonista descubren que sólo juntándose con otros proletarios van a lograr tener un sitio, van a lograr justicia. Entre medias, mete una historia de amor. Y a veces, incluso ésta aporta algo.

Ése es su cine. Y darle vueltas no lleva más que insatisfacciones. Sin embargo, si se le da menos vueltas, uno puede llegar a reírse y a emocionarse con la verdad que transmiten "Mi nombre es Joe", "Sweet Sixteen" o "Pan y rosas".

"Buscando a Eric" no alcanza a éstas, pero tampoco se queda en el ínfimo nivel de "La cuadrilla" o "Sólo un beso". Encuentra el recurso/producción de Cantona, hace reír varias veces y gusta ver a los hinchas unidos no sólo por el fútbol.

Lástima que otra vez la historia de amor no aporte nada. Lástima que cuente lo mismo de siempre. Lástima que lo cuente como siempre. Mejor, no darle más vueltas.

CineForum: COMETAS EN EL CIELO (Marc Forster)

2009-12-02T15:59:00.003+01:00

No siempre la vida es lo que queremos que sea. No siempre vivimos donde queremos vivir. No siempre somos como queremos ser. No siempre hacemos lo que debemos hacer.

Pero siempre hay la oportunidad de ser mejores. De arreglar lo que hicimos. De generar sonrisas. De encontrar la redención. De volver a nuestra infancia y ser otra vez niños, puros, libres de pecado.

Marc Forster tiene claro que si el destino es meridiano, el camino es lo que lo hace interesante. Y para ello se aferra a una historia que tiene todos los visos de ser ficción anclada en la realidad. Como en la buena literatura, las barreras entre lo que es autobiográfico y lo que sólo son recursos narrativos se difuminan hasta construir una historia que podría ser la vida misma. A eso juega Khaled Hosseini. Eso es lo que trata de reflejar Marc Forster.

El problema es que se encuentra con un lenguaje diferente, que es el del cine. Y por eso decide solventarlo mediante cine. Se olvida de la metahistoria y se centra en la narración, en la vivencia, en el crecimiento, en la emoción.

Y la encuentra. La encuentra mediante la pureza, mediante la sencillez. Hace fluir la historia de un modo que no parecen 20 años, sino un momento de una vida. Ahí está su principal logro. Ahí estaba su casi imposible meta.

Conseguido eso, sólo le quedaba ponerlo en escena. Y en eso es un maestro. Todas sus decisiones de dirección son excelentes. Lo es narrarla en afgano; sólo podía hacerse así. Lo es elegir actores locales, entrañables; sólo podía hacerse así. Lo es la evolución de la nostalgia a la aridez en imágenes. Lo es la música que acompaña, como acompaña el espectador a Jan en ese viaje que no es sino hacia sí mismo.

Un viaje para arreglar lo que una vez rompió. Un viaje para permitir que a partir de hoy, la vida sea lo que queremos sea.

OTRAS RECOMENDACIONES DEL AUTOR:

1. Monster's Ball

2. Descubriendo nunca jamás

Almudena Grandes, también

2009-11-23T11:37:00.002+01:00

Existen muy pocos escritores que se mojen por un producto ajeno. Ayer, Almudena Grandes lo hizo. Dedicó toda su columna de El País Semanal a glosar una peli, "Yo también". Y no, no hizo una crítica, contó un cuento, contó su experiencia. Me hizo sentir lo que yo sentí cuando vi la peli. Me hizo llorar.

http://www-org.elpais.com/articulo/portada/elpepusoceps/20091122elpepspor_16/Tes

No os lo perdáis. No os la perdáis.

CineForum: 4 MESES, 3 SEMANAS, 2 DÍAS (Christian Mungiu)

2009-11-18T12:00:00.002+01:00

El terror no es una sensación, es un estado de ánimo, una forma de vivir.

Desde siempre, el cine americano nos ha llevado hacia la mentira. Nos ha estremecido con sustos, con pasillos que impiden ver el final, con hachas detrás de una puerta. Pero eso no es terror, eso es miedo puntual.

El terror es lo que te rodea y no se despega de ti. El terror es lo que se vivía al otro lado del Muro. El terror es lo que se palpa en la cotidinianeidad de estas dos chicas, que se disponen a vivir un episodio que marcará sus vidas.

Y para lograr esto, Mungiu no busca el terror por las vías del cine conocido. No sólo se aleja de pasillos y de hachas, también se aleja de apariciones de extraños o navajas que se integren en la trama. El terror nos lo muestra con una cámara fija, generalmente mal encuadrada que logra que nos lleguemos a olvidar de ella, que lleguemos a olvidar que hay un cuarto ojo.

Sólo con esa sensación, ya logra que nosotros devengamos testigos de su realidad. Pero Mungiu no se detiene ahí, va más lejos. Al elegir el punto de vista, no opta por la que chica que aborta, opta por su amiga. Y al hacer esto, nos mete mucho más en la historia, consigue que pasemos de testigos a protagonistas, que veamos el melodrama como nuestra vida real, que sintamos su terror, que identifiquemos si nos pudiera pasar a nosotros.

Todos estos recursos de guión y de dirección llegan a un punto extremo en una de las mejores escenas del cine moderno. El momento en el que se encuentran en una sola habitación el abortista, la embarazada y su amiga consigue un momento de realidad como sólo el cine no americano puede conseguir. Consigue que palpes su vida. Consigue que no te asustes. Consigue que sientas el verdadero terror.

Consigue que vivas lo que no viviste, el Comunismo, el terror en estado puro.

¿Por qué invertir en Cecilia y Juan?

2009-11-15T10:51:00.003+01:00

Por si en estos tiempos de crisis, os sobra el dinero, ya tenéis un sitio donde meterlo.

Va a estar mucho más seguro que en Lehman Brothers.

Si queréis más información, no os tenéis que ir muy lejos, clickad aquí y poned un comentario. Yo os contactaré.

Vender una peli

2009-11-12T18:58:00.003+01:00

Llevo 10 años en mi trabajo vendiendo. Al principio lo odiaba, ahora lo amo. Antes creía que era colocarle algo a alguien que no lo necesita. No sé si es autoengaño o no, pero ahora considero que es satisfacer al otro, darle lo que le va a hacer un poco más feliz. Vamos, que es puro autoengaño. Un autoengaño que nos permite seguir viviendo.
Bueno, el caso es que la semana que viene me voy al Festival de Cine Iberoamericano de Huelva a intentar encontrar un distribuidor, alguien que ponga pasta para pasarla a formato cine y enseñarla en las salas.

Metido en esa titánica tarea, he tenido que hacer que mi productora tuviera todo lo que no tenía. Y no me refiero sólo a dinero, sino a una marca, un logo, una identidad.

Éste es el resultado. Entre el pensamiento, el diseño y la ejecución, me ha llevado exactamente

12 segundos.

¿Qué os parece?

¿Podré vender? ¿Podré autoengañarme?

CELDA 211 (Daniel Monzón): 9

2009-11-10T12:06:00.004+01:00

Por razones que mi razón no entiende, el cine español raramente busca el buen cine comercial. O se mete en proyectos de fuga de cerebros o hace un cine de género para ningún público o hace proyectos de autor destinados a los festivales. Los tres tipos de cine me parecen correctos, lo que no me parece correcto es la ausencia de intenciones, de evitar casi por sistema un cine comercial y realista, un cine basado en la realidad para construir ficciones repletas de conflictos, de tensión, de cine.

Eso justo es lo que lleva haciendo Daniel Monzón desde hace cuatro películas. Eso justo es lo que le ha olvidado el público hasta hoy. Y digo hasta hoy porque tengo claro que Celda 211 va a tener un éxito comercial abrumador. No tengo dudas de que todo espectador que se acerque a verla va a gozarla, va a recomendarla.

Si "El corazón del guerrero" no logró captar a los adolescentes con su maravillosa mezcla de ficción y realidad, si "El robo más grande jamás contado" no hizo temblar de risas las plateas con su comedia de aventuras, si "La caja Kovak" no logró atraer al público con su estilo Brian de Palma, "Celda 211" no va a cometer el mismo error. Porque es tan grande su talento que es imposible no verlo, no disfrutarlo.

Todo nace de una construcción modélica. Los personajes son tan apasionantes que no hay forma de abandonarlos. La trama es tan potente y metafórica que no hay más remedio que subirse a ella. El ritmo es tan brutal que no te deja más que gozar. Los conflictos son tan crecientes que sólo deja que asome la intriga, la fuerza, la emoción.

Todo se junta para producir una enorme peli de acción, un monumento al cine carcelario, a la épica de los códigos del hampa. Cuando digo todo es todo. Es un guión sublime, es una música genial, es una fotografía poderosísima, es unas interpretaciones bestiales. Pero sobre todo y ante todo, es un personaje y un actor. Malamadre y Luis Tosar componen el acto fílmico más reseñable del reciente cine español, un personaje que va a pasar al léxico de la calle, del que todo el mundo dirá frases, al que todo el mundo se referirá, al que todo el mundo idolatrará.

Es lo que tiene el buen cine comercial. Que deja poso, que llega a la gente, que conquista la calle. Como Malamadre.

CineForum: ACROSS THE UNIVERSE (Julie Taymor)

2009-11-03T09:56:00.004+01:00

No hay nada más complicado que fusionar ficción y realidad, tener que contar una historia real bajo los influjos y expectativas de la ficción. Si eso ya es la batalla de todo guionista de biopics, añadirle a eso canciones le suma una complejidad que aleja a cualquier cuerdo del proyecto.

No lo logró con Julie Taymor. La autora de Frida vuelve al territorio de la mezcla de biografía, ficción y obra multiplicando la complejidad en su paso de la pintura a la música. Y lo hace con una brillantez y coherencia en la dirección que obliga a aplaudir hasta sus errores.

Sus aciertos no son sino el fruto de su talento. Las imágenes son tan poderosas, tan espeluznantemente bellas que llegan a apabullar. La dirección artística es tan notable que llega a sumergir. Las versiones de las canciones son tan cinematográficas que llegan a ser narrativas. La apuesta por el musical es tal que llega a hacer innecesario el texto no musicado.

Sus errores no son sino el fruto de la coherencia. Metida de lleno en la vida y obra de los Beatles, quiere preservarla tanto que la pone por encima de la historia y de los canones. Ello hace que se salte los tiempos hasta los puntos de giro, que haga que pueda volverse lento el inicio y moroso el desenlace. Ello hace que no corte el tramo más coñazo, el de una psicodelia que cuenta una época pero no una trama. Ello hace que no elimine algún personaje (Prudence), que aporta lo mismo que los Beatles a la literatura.

Y ello hace que Across the Universe no sea una obra para todos los públicos, pero sí una obra perdurable, representativa, tan llena de talento como meritoria. Una obra que te permite tararear, mover los pies, emocionarte, creer en ideales, drogarte con ellos. Una obra que te permite sentir la vida de los Beatles, despedirte con euforia desde una azotea.

OTRAS RECOMENDACIONES DE LA AUTORA:

1. Frida

500 DÍAS JUNTOS (Marc Webb): 6,5

2009-11-03T09:26:00.002+01:00

La comedia romántica es un subproducto. Pero como todo subproducto puede dignificarse. Notting Hill, El cielo abierto y Antes del Atardecer han sido de los pocos en los últimos años que lo han conseguido.

La receta para dignificarla está muy clara. Pasa por alguna de estas tres cosas. La primera es conseguir hilaridad en la comedia, hacer reír hasta olvidarse de la endeblez de lo que se ve. La segunda es la profundidad del romance, hacer llorar con tanta sinceridad como filosofía. La tercera es la originalidad, optar por caminos nada transitados que saquen a la comedia romántica de la ruta al estercolero.

500 días juntos busca denodadamente por alcanzar su dignidad. Y lo hace por los tres medios.

Primero busca la originalidad. Toma decisiones aparentemente arriesgadas en la estructura no cronológica, en las imágenes pictóricas, en la aceleración del paso del tiempo. Pero no se atreve a arriesgarse del todo.

Luego prueba la hilaridad de la comedia. Y durante algún segmento lo consigue. Gracias a la empatía con el protagonista y a una cierta mirada irónica, logra risas durante 30 minutos muy agradecibles de su metraje. Pero de repente, le da miedo seguir por esa línea, continuar su apuesta por la corrosión.

Y entonces pasa a la última de las probabilidades, a buscar la profundidad en el romance. Y ahí quiere alejarse de los tópicos fáciles, del chico recupera chica, del final de Hollywood, de la parte dura del amor, de la droga de autoengaño en que puede convertirse. Pero lo hace sin convicción, sin ofrecer más filosofía que un artículo de revista.

Por eso, entre fotos llamativas, gracietas de test y reflexiones autoirónicas, acaba pareciéndose más al Cosmopolitan que a El graduado. Y es que, igual que el protagonista, el director también hace una mala revisión de la película germen de la comedia romántica moderna. En la acumulación, Webb olvida las recetas que Buck Henry y Mike Nichols encontraron.

La dignidad no está en la apariencia, está en la esencia. Si se quiere contar algo especial, si se cuenta desde las tripas, ya hay la materia prima para la comedia romántica. Lo demás está en la elaboración: en sumarle risas, en proporcionarle profundidad, en encontrar la voz original.

500 días juntos se preocupa por la elaboración, pero no tiene materia prima.

AFTER (Alberto Rodríguez): 7,5

2009-10-27T11:09:00.002+01:00

Hay pelis que a mí me gustan y que no recomendaría ni a mi peor enemigo. After es de éstas.

Lo es por todo. Por la aridez de su estructura. Por lo poco queribles que son los personajes. Por lo excesivo de sus acciones. Por lo brutal de sus imágenes. Por la evolución de la historia. Por el desenlace que propone. Lo es por todo.

Pero sobre todo, lo es por la mirada que ofrece. Pocas películas hay tan rematadamente pesimistas como ésta. Su grado de pesimismo, de autodestrucción es tal que llega a generar tal lejanía que dudas entre alejar la vista de la pantalla, levantarte de la butaca o simplemente desconectar cualquier emoción de lo que sucede en frente de ti. Yo logré evitar esos tres riesgos. Pero me costó sufrir mucho más de lo recomendado.

Claro, que hay sufrimientos que te ayudan a acabar sonriendo. No es de éstos. Claro, que hay sufrimientos que te ayudan a ser mejor. Tampoco es After de éstos. Éste es un sufrimiento distinto, un sufrimiento en el que te acaba diciendo que no hay salida. Un sufrimiento con el que no estoy de acuerdo, un pesimismo casi de postal.

Pero que sea un sufrimiento no significa que no valore sus méritos. El primer mérito es precisamente generar sufrimiento. El segundo y esencial es que el creador de la soberbia 7 vírgenes vuelve a mostrar un talento inaudito para la puesta en escena, para la generación de sensaciones en la mezcla de actores y medios. El tercero y todos los siguientes son técnicos.

Pocas películas hay en el cine español con tal dominio del oficio. Si el guión es tan iterativo como original, si la fotografía es tan bella como dura, si la dirección de actores es tan coherente como homogénea, si el montaje es tan preciso como efectivo, si la música genera tanta salvación como lirismo, si todo eso es cierto, lo increíble es que el diseño de sonido alcanza una de las mayores cotas que este crítico recuerda fuera de Lynch o Haneke.

Hay que ser muy freak o pedante para valorar esto, pero sólo por ese logro merece la pena sufrir infinitamente durante dos horas. Aunque no la recomiende. Aunque desgraciadamente no logro olvidarla.

YO, TAMBIÉN (Álvaro Pastor y Antonio Naharro): 8

2009-10-20T11:50:00.002+02:00

Huyo como la peste de las películas biempensantes. No hay nada que más me fastidie que me hagan tragarme una peli para trasladarme un mensaje tan obvio como políticamente correcto. Todo esto es cierto. Pero si es cierto que huyo del cine con mensaje, no hay nada que más me emocione que ver verdad en pantalla.
Aunque esa verdad sea el trasunto de un mensaje. Pero cuando hay verdad, hay vida. Y cuando hay vida, no importa el objetivo, sólo la vivencia.
Mi vivencia empieza con el primer acorde, con la primera imagen de “Yo, también”. Mi vivencia continúa con el primer plano. Ahí, sobre el título de crédito, se aprecia un plano necesariamente fijo que no lo es. Un plano absolutamente imperfecto que deviene en marca de estilo de lo que vamos a ver después. Y lo que vamos a ver después no es perfecto, es natural. No es ficción, es verdad. No es cine, es realidad.
Lo que vamos a ver a ver después es una oda al cine verité que huye del dogma para dar un nuevo sentido a la cámara en mano. Que elude la belleza del encuadre para captar la vida allá donde y como esté. Que obvia el plano-secuencia para no anticiparse a los actores. Que deja que éstos gobiernen la trama en lugar de ser presa de guión. Que prefiere el cariño que nace del defecto a la impostura que nace de la virtud.
Lo que vemos después es puro sentimiento. Lo que sentimos los espectadores cuando Pablo Pineda empieza su primer día de trabajo, cuando su madre le lee un libro en inglés, cuando va a su primera fiesta laboral, cuando realiza cualquier actividad cotidiana, convirtiendo la rutina de otros en magia para él y para nosotros. Lo que sentimos los espectadores cuando su imperfección se torna perfecta para Lola Dueñas. Lo que sentimos los espectadores cuando sus vidas se suman y en el resultado se multiplican.
Lo que nos emocionamos los espectadores cuando vives cómo lo perfecto es enemigo de lo natural, la ficción es enemiga de la verdad, el cine puede ser amigo de la realidad. Lo que lloramos los espectadores cuando una peli biempensante se convierte en una vivencia que no es sino celebración del defecto, de la vida.

AGORA (Alejandro Amenábar): 6,5

2009-10-14T09:24:00.006+02:00

Amenábar siempre ha querido ser Spielberg, siempre ha corrido el peligro de convertirse en Spielberg. Con Agora lo ha conseguido.

Es tal su admiración por el creador de megahits que película a película, género a género, ha ido acercándose más y más a él hasta tomar todos sus defectos.

Sus virtudes las traía de casa. Desde Tesis hasta Mar adentro, podía apreciarse en cualquier plano su grúa en movimiento de cámara circular, la espectacularidad de sus conflictos, la claridad de su puesta en escena. Sumó éstas a las que el propio Amenábar traía de su gusto por el guión: creación de unos personajes que alimenten la trama pero generen interés sobre sí mismos, golpes de efecto que eleven la intriga, imágenes tan potentes como metafóricas y búsqueda nada disimulada de la emoción.

El problema es que sus virtudes propias desaparecen en Agora, sólo quedan las de Spielberg. Y los defectos de Spielberg también aparecen. Aparece un tratamiento de personajes algo monocorde, un esquematismo absoluto en la trama, un mensaje claramente maniqueo y todo ello, lleva a una falta de emoción que acaba por alejar lo que tanto dinero ha intentado acercar.

Quizás de todos los defectos el que más pueda molestar es el del maniqueísmo. Su posicionamiento en un solo lado del conflicto llega a molestar hasta al más anticatólico. Un poco de pudor producto de una mirada ajena le podría haber salvado del ridículo en que en ocasiones cae.

Eso sí, lo mejor llega en las escenas de Hipatia y Aspasio, en las que se indaga en la investigación, en el conocimiento. Ahí, cuando se olvida de Spielberg y de su brocha gorda, aparece la verdadera magia de Amenábar. Y lo peor es que llega a notarse que las secuencias que verdaderamente le importaban a nuestro maestro, las que fueron fuente y fin del proyecto.

Quizá si Spielberg no existiera, Amenábar no existiría. Pero es seguro que si Spielberg no existiera, Agora trataría sólo de astronomía y sería una mucho mejor película.

SI LA COSA FUNCIONA (Woody Allen): 7,5

2009-10-13T12:32:00.003+02:00

Siempre que está perdido, Woody Allen vuelve a sí mismo.
Le ocurrió a mediados de los 80 cuando decidió convertirse en Bergman y en Fellini. Respondió con "Delitos y faltas". Le ocurrió a principios de este siglo, cuando transmutó en un operario de Dreamworks. Respondió con "Todo lo demás". Le ha ocurrido ahora, al fugarse a Londres y Barcelona. Ha respondido con "Si la cosa funciona".

Y la vuelta a sí mismo le ha vuelto a venir bien. Porque "Si la cosa funciona" es puro Woody Allen. Es Nueva York, es comedia, es acidez, es diálogos hilarantes, es alter ego, es visión trágica de la vida que sin embargo genera alegría de vivir.
Como en el mejor Allen, como en el Allen que es él mismo, la historia funciona y los gags funcionan. Como en el mejor Allen, la identificación es clara y las antagonistas generan tanta risa como simpatía. Como en el mejor Allen, la comedia funciona y el drama avanza.
Pero del mejor Allen faltan cosas. Faltan gags visuales, más basados en la situación y no sólo en la brillantez del diálogo. Falta una profundidad que convierta en filosofía lo que es sólo conflicto. Falta una tranquilidad para llegar al final, que convierta el desenlace en resultado y no sólo en fin. Falta redondear con detalles lo que se ha tardado en construir.
Al igual que "Delitos y faltas" y "Todo lo demás, "Si la cosa funciona" es puro Allen. Un Allen que se agradece, que genera diversión y cierto gozo. Pero al revés que las otras dos películas, "Si la cosa funciona" es un Allen estupendo, un Allen menor.

CineForum: LA TORMENTA DE HIELO (Ang Lee)

2009-10-08T09:49:00.004+02:00

Esta mañana en mi ascensor, se han encontrado un señor mayor con una madre y su bebé. Tras quedarse mirándolo fijamente durante un rato, el anciano no ha podido evitar decir: "¡Qué felices son!". Tras sonreír de forma agria, ha añadido "Que aproveche ahora".

De eso va la peli de ayer. De la necesidad que tenemos de volver a los orígenes para ser felices. De lo que definiría Camus como "lo duro que es llegar a ser un hombre".

Quizás no vaya sólo de esto, quizás vaya de muchas más cosas, pero al asistir a esa escena esta mañana en mi ascensor, es el recuerdo que me ha levantado. Todos sus personajes quieren volver a su infancia, quieren volver al punto donde nacen, tienen que volver a la familia. Pueden hacerse más daño cuanto más poder tengan, pueden entrar y salir de la Zona Negativa, pero unos tienden a ella (Elijah Wood) y los más necesitan volver a la familia como punto donde ser niños, donde refugiarse, donde encontrar la protección de la placenta.

Sobre este cordón umbilical, teje Ang Lee una metáfora de la pérdida de valores a la que asistimos al crecer, de la extrema soledad que propone una sociedad abocada a que en la interacción ésta no haga sino aumentarse. Las reflexiones de Lee no pueden ser más pesimistas, la realidad en la que las presenta no puede ser más real. Sus conflictos parecen ser los eternos entre hijos y padres, su enfrentamiento con las mentiras del mundo (Nixon) es el del que descubre que todo era más bonito cuando se veía de lejos, cuando te acercabas a ello.

Para conseguirlo, el binomio de Lee y su guionista-productor Schamus recurren a tratar de acercarnos un mundo tan pesimista mediante una voz en off con la que encontrar empatía, una selección de actores que puedan caer bien aunque los personajes tiendan a caernos mal, unas imágenes tan idílicas como tristes, una metáfora continua en el agua que se vuelve hielo para luego volver a ser agua, en una serie de comportamientos infantiles que nos recuerden lo que fuimos y lo que anhelamos volver a ser. Toda esa mezcla la agita mediante un montaje soberbio que acorta las escenas hasta el límite sin reducir su significado, mediante una música que encuentra la poesía en la tristeza, mediante una fotografía fría que logra que los momentos cálidos se queden en nuestra retina.

Con todo ello, el binomio logra que entendamos cómo los personajes sufren al enfrentarse con el entorno, sufren al crecer, sufren al enfrentarse a sí mismos. Y en ese enfrentamiento, quieren volver a ser niños. Quieren volver a jugar en piscinas vacías, quieren volver a ser llevados a hombros por su padre, quieren volver a dormir en posición fetal, quieren volver a estar rodeados de un agua que no esté helada.

OTRAS RECOMENDACIONES DEL AUTOR:

1. El banquete de bodas

2. Comer, beber, amar

3. Brokeback Mountain

4. Sentido y sensibilidad

Las pelis de la cartelera

2009-09-28T12:41:00.007+02:00

Por si quieres saber qué película ver por una persona sin gafas de pasta y que realmente ha visto las películas que critica, ésta es mi lista:

AFTER: 7,5. Sufrimiento sin más recompensa que el talento técnico

AGORA: 6,5. Espectacular, pero más maniquea y menos épica de lo que querría

BRÜNO: 10. Desternillante, te reirás hasta el agotamiento físico.

ENEMIGOS PÚBLICOS: 6. Tan dispersa que no encuentra el foco de interés.

G-FORCE: 3. Comedia de acción en que ni las cobayas en forma de niño se ríen.

GORDOS: 7,5. Tan graciosa y emotiva, como algo excesiva.

EL SECRETO DE SUS OJOS: 5,5. Larguísima y somnolienta intriga.
MALDITOS BASTARDOS: 9. Tarantino en estado puro, gozo absoluto.

EL PRIMER DÍA DEL RESTO DE TU VIDA: 7. Una película de verdad "bonita".

PAGAFANTAS: 7. Risas constantes, carcajadas fruto de la identificación.

SI LA COSA FUNCIONA: 7,5. Un Allen divertido, un Allen menor.

VACACIONES DE FERRAGOSTO: 7,5. Pequeña, deliciosa.

THE VISITOR: 7,5. Por tener ambición, se queda a un palmo de ser completamente maravillosa.

YO, TAMBIÉN: 8. La peli más realmente bonita de la cartelera

Y tú, ¿estás de acuerdo? ¿cuál recomiendas?

EL SECRETO DE SUS OJOS (Juan José Campanella): 5,5

2009-09-28T11:44:00.002+02:00

Todavía no deja de sorprenderme la acogida crítica de esta peli. Todavía no deja de sorprenderme la acogida de los espectadores. Los críticos le regalan 4 estrellas. En filmaffinity, los espectadores la valoran con un impresionante 8,4.

¿Qué no he visto yo? ¿Qué no he sentido yo? ¿Qué he podido yo dejar de apreciar?

Admiro muchas cosas de Juan José Campanella. Admiro su talante al tratar de comprender a todos. Admiro sus diálogos, siempre humanos y comprensivos. Admiro su humor y su bondad. Admiro su dirección de actores y su apuesta por Ricardo Darín. Admiro su capacidad para completar las escenas.

Admiro eso en sus comedias sentimentales. Sigo admirando eso en su paso por el thriller dramático. Pero casi sólo admiro eso. Admiro eso y un par de escenas sublimes. Un plano-secuencia complejísimo en el estadio de Rácing de Avellaneda que llega a sobrecoger. Una escena en plano fijo desenfocada entre Darín y el borracho, que llega a emocionar.

Pero no hay mucho más que eso. Hay un metraje hinchado para una trama demasiado simple. Hay una historia de amor que no viene al caso. Hay un trauma que parece demasiado obvio. Hay búsqueda de la emoción y encuentro de la nada. Hay personajes que desaparecen sin apenas haber aportado. Hay dos tiempos distintos que casi parecen uno.

Debo ser yo el tonto. Debo ser yo el insensible. Debo ser yo el que no he visto lo que había que ver. Pero ¿qué es lo que han visto todos?

¿Cuál es la mejor peli de Tarantino?

2009-09-26T18:19:00.005+02:00

Con 6+1 películas más un episodio magistral de "CSI", Tarantino ya tiene una trayectoria que permite elegir, decidir cuál es la favorita de cada uno.

Como sabéis, a mí todas me parecen obras maestras, pero si tuviera que elegir, hay diferencias casi imperceptibles que me llevarían a que éste fuera mi ranking:

1ª. Kill Bill 2. Es sin duda mi favorita. Por el prodigio de mezcla de géneros, por los diálogos desternillantes, por la coreografía y fuerza de las luchas, por las imágenes épicas, por Uma,por lo bien que se lo pasa QT al otro lado de la pantalla, por lo bien que nos lo hace pasar. Porque es el compendio de todas las habilidades de un Tarantino en absoluto estado de gracia.

2ª. Death Proof. La mejor puesta en escena de los últimos años. En la versión de 110 minutos, cada escena tiene tal fuerza, tal interpretación, tal tensión, tal equilibrio que consigue que cada cuadro sea totalmente magistral. Si todo el conjunto y todas sus partes brillan, la secuencia final de 25 minutos de persecución, se convierte en la mejor escena de acción jamás rodada. Brutal, desternillante, sublime.

3ª Jackie Brown. La obra que demuestra la madurez de QT, que enseña que tiene tal talento que puede hacer una película suya o una película clásica. Si el humor sobresale, si la estructura sorprende, si la intriga crece, es sin duda la peli en que los personajes y los conflictos son tan profundos que acaban por conmover. Siendo desternillante, es su obra clásica, su melodrama negro.

4ª Reservoir Dogs. La obra seminal de alguien destinado a la historia. La rotura definitiva con una forma pasada de ver cine. La aparición estelar de una mirada: la del que lo ha visto todo y no puede ver una peli como si no hubiera visto nada. Diálogos surrealistas, conflictos bestiales, violencia ultrarrealista, personajes legendarios, tiroteos finales. Todas sus constantes estaban ya ahí. Todas sus constantes están aquí.

5ª Inglorious Basterds. Si sólo queda quinta, no es porque no sea magistral, que lo es, sino porque las otras quizá son más redondas. Para ser circular sólo le faltan 20 minutos de metraje. Eso sí, en el camino quedan secuencias gloriosas, escenas de casi 30 minutos llamadas a pasar a la historia. Queda eso y queda el Coronel Landa, la mejor interpretación del cine moderno.

6ª Kill Bill. Sus excesos son la cumbre de su inventiva. Tiene las mejores imágenes de su carrera, un humor inigualable y algunos pasajes simplemente históricos. La pelea con la niña, el tramo manga y la escapada de La Novia del hospital son imposibles de olvidar.

7ª Pulp Fiction. Llevo sin verla diez años. Todavía no me he recuperado de las risas que me generó, de lo muchísimo que me abrumó, de lo extraordinariamente que llegó a cambiar el cine. Fue tan innovadora que necesito volver a verla para asumirla, para entenderla del todo.

8ª CSI. El mejor segmento de la televisión moderna. Cogiendo algunas ideas de un fragmento de Kill Bill 2, Tarantino fue capaz de respetar las convenciones de la serie, y hacer al mismo tiempo algo suyo, algo único, algo que te ata al sofá y no te suelta hasta varios días después.

Probablemente no estés de acuerdo con casi nada de mi ranking. Porque, ¿cuál es tu ranking?

CineForum: EL CUARTO MANDAMIENTO (Orson Welles)

2009-09-24T10:32:00.002+02:00

El progreso nos arrolla.

Se le puede llamar progreso, pero también se le puede llamar cambio. Y el cambio nos da miedo y al mismo tiempo, nos atrae. El cambio nos subleva y al mismo tiempo, nos eleva. El cambio lo prevemos y sin embargo, siempre nos pilla desprevenidos. El cambio es inminente, el cambio siempre nos pilla tarde. El cambio nos arrolla.

Igual que uno nunca sabe cuándo se ha vuelto adulto, uno tampoco sabe cuál ha sido el momento en que el cambio le ha pillado tarde. Cuál ha sido el momento en que el cambio le ha arrollado, ha tirado abajo toda su estructura.

Del progreso, del cambio, de algo tan ambicioso como esto trata El cuarto mandamiento.

Una película profunda, compleja que se esfuerza en no ser difícil. Una película en que los personajes tienen cien aristas y mil complejos, donde el recién descubierto psicoanálisis se introduce en la trama con la sutileza de la pluma de Orson Welles. Una película en que las luces y las sombras penetran en los ambientes con unos ángulos y expresividad antes desconocidos. Una película acerca de la invención y del avance que aparece bajo la forma de la innovación permanente. Una película en que la vitalidad y el lento discurrir de lo pasado queda arrollada por el progreso.

Una película que creó progreso y sin embargo, fue arrollada por el miedo que da éste.

MALDITOS BASTARDOS (Quentin Tarantino): 9

2009-09-21T09:18:00.010+02:00

Tarantino es quien es gracias al cine. No sólo gracias a hacer cine, sino sobre todo gracias a ver cine. El cine le ha formado, le ha cambiado, le ha hecho forrarse. Le ha hecho ser quien es.

Él lo sabe, él sabe que para él el cine lo es todo. Es su vida, es la vida. Por eso su obra más pensada, más trabajada, comienza con una sábana que podría ser una pantalla. Y al levantarse ésta, aparece un coche cargado de nazis, se inicia la tensión. Así empieza Inglorious Basterds. El cine se mete en la trama a partir de ahí, siendo un movie theatre el escenario principal y una peli dentro de la peli el evento clave. Pero con eso no le basta. Tiene que acabar la peli con la frase, casi tan cinéfila como autoirónica: "Creo que ésta va a ser mi obra maestra".

No puede ser más claro. El cine está en el planteamiento, en el nudo y en en el desenlace de la peli que nos llevaba anunciando desde 1996. Y por muchas expectativas que hubiera, ha vuelto a no defraudar. Ha vuelto a alcanzar la maestría, ha vuelto a ser él mismo. Puede que le haya faltado algo de metraje para ser tan epopéyico y preciso en la puesta en escena como en Kill Bill o Death Proof, pero ha vuelto a ser él mismo.

Tiene todas las características de su cine: personajes a los que se presenta como leyendas, miles de saltos en el tiempo adelante y atrás, diálogos tan largos como sorprendentes, humor referencial, malos que no pueden ser más atractivos, buenos que no pueden ser más malos, violencia gratuita, actores que sabes que nunca más van a estar igual y música que parece nacida para la ocasión. Es puro Tarantino, es puro cine que satisface las expectativas, pero no se queda ahí.

Al introducir el cine y la historia en la narración, en la fusión asoma de forma épica un mensaje integrador, que vuelve a lograr que tras las miles de risas y de tensión generada, te emociones como un niño cuando parece decirte que en la mezcolanza de vidas, de razas, de lenguajes, de misterios, de géneros, está la vida. Está la vida mejor.

Negros, indios, arios, judíos, da igual. Inglés, francés, alemán, italiano, da igual. Thriller, western, comedia, musical, da igual. Personajes, personas, cine, vida, da igual. El cine es la vida y la vida es el cine. Y en la mezcla de ambos, como en la mezcla de todo, es donde está el futuro, donde está el presente.

Tarantino lo sabe mejor que nadie. Porque él es quien es gracias al cine.

El acontecimiento del año: la nueva de Tarantino

2009-09-18T12:00:00.003+02:00

Hace muchísimos años que no ocurría esto. Hace muchos años que no había nadie capaz de levantar el mundo cinemtográfico, de hacer esperar cada película con la ilusión de un niño, con la expectación del que sabe que va a disfrutar de algo histórico.

Probablemente desde Hitchcock no había ningún cineasta capaz de unir tanto a la crítica y al público, de hacer que cada estreno suyo fuera un acontecimiento, el hito que merece ser.

Las primeras críticas de Malditos bastardos han vuelto a alimentar el fenómeno. Tras cinco obras maestras en cinco películas, los eternamente malditos críticos han vuelto a calificar Inglorious Bastards como la sexta de seis.

Reservoir Dogs me dejó anonadado. Pulp Fiction me hizo reír tanto que necesité años para llegar a entenderlo todo. Jackie Brown me levantó lágrimas. Aparte de lágrimas, Kill Bill me levantó de la butaca. En Death Proof subió la butaca a la montaña rusa.

Por eso y por Tarantino, espero Malditos bastardos con ansia, con la ilusión de un niño, con la expectación del que va a ver historia.

Yo no sé vosotros, pero yo me muero por verla.

GORDOS (Daniel Sánchez-Arévalo): 7,5

2009-09-15T09:08:00.002+02:00

Con sólo dos películas, Daniel Sánchez-Arévalo ya es un autor. Ya tiene una personalidad propia. Ya tiene un hueco en el cine español.
Tiene un hueco por su apuesta, por su estilo, por sus resultados. Por proponer un cine comercial que al mismo tiempo no lo es. Por hacer de la realidad paisaje, y subvertir ésta hasta encontrar su mundo propio.
En este camino, Sánchez-Arévalo demuestra muchas cosas que nos llevan a querer a sus personajes, a sentirlos cerca, a reírnos con ellos, a ansiar un final feliz que ya van dos veces que parece más soñado que real.
Lo primero que demuestra es su conocimiento del mundo. A diferencia de muchos autores que parecen llevar un camino paralelo al del mundo en el que viven, DSA no se sumerge en éste, sino que se nota que lo vive todos los días. Por eso sus personajes pueden ser a veces esquemáticos por representativos, pero nunca son tópicos, siempre tienen matices, verdad. Siempre puede ser alguien que se parece a nosotros.
Y eso es lo que lo lleva a su verdadera comercialidad: el sentir que sus personajes pisan el mismo mundo que nosotros, que se enfrentan a conflictos parecidos a los nuestros. Que se autoengañan y se equivocan a diario. Que hacen planes para ser mejores, que se empeñan en buscar la misma piedra en la que se tropezaron.
Tantos personajes y tanta verdad siempre consiguen risas, no siempre consiguen verdad. La verdad la consigue cuando logra diluir su tendencia al exceso para generar comedia. Cuando logra atenuar ésta y centrarse en lo brutal de la historia, aparecen momentos tan maravillosos como todos los de la historia de la embarazada y su marido que no la mira. Sólo por cada escena de Roberto Enríquez merecería la pena pagar la entrada, merecería que fuera cine realmente comercial. Pero hay eso y hay mucho más. Hay risas aseguradas, hay lágrimas que aparecerán sin que apenas te des cuenta.
Es el peso de la autoría, es el peso de la verdadera personalidad.

Cómo se siente uno al rodar un largo

2009-09-10T12:12:00.005+02:00

Como sabéis, acabo de terminar de rodar mi primera peli. Pues bien, pese a mi incontinencia verbal, hay muchas cosas que he vivido que no sabría explicarlas. Pero tengo suerte, alguien se ha dedicado a explicarlas por mí. Y lo ha hecho cientos de veces mejor de lo que yo lo hubiera hecho.

Se llama Dany Saadia. No sólo es amigo y un gran tipo, es un gran director. No os perdáis Filmonauta

CineForum: EL BUENO, EL FEO Y EL MALO (Sergio Leone)

2009-09-09T09:44:00.003+02:00

En el principio no estaba el cine. El cine nace como arte tras más de tres mil años de literatura, de teatro, de pintura. Eso hace que como arte, casi siempre dependa de éstos. Por eso hay muy pocas historias que no puedan ser más que cinematográficas. El bueno, el feo y el malo es una de ellas.

Es cine puro por los paisajes, por la aparente simplicidad de las historias, por lo aparentemente esquemático de los roles, por el no pasado de los personajes. Es cine puro por todo eso. Pero todo eso ya aparecía en el western tradicional. Lo que cambia respecto al western tradicional es esencialmente la mirada.

La mirada de Leone ya no es la del que una ve una película por primera vez. En su mirada hay ironía, hay referencias a otras películas, hay parodia. Y eso convierte a un género tan antiguo y maniqueo como el western en algo actual, divertido, apasionante.

A ello ayuda de forma definitiva su inmenso talento, su descomunal inventiva. Inventiva para descubrir planos nuevos, para generar tensión sin una sola bala, para componer violencia al son de música navideña, para editar vida cinematográfica a partir de planos hiératicos que acercan a la muerte. Todo en Leone se une para hacer cine. Cine de verdad.

El enorme pedazo de cine que va de un primer plano cerradísimo a una panorámica que funde al personaje con el horizonte. El enorme pedazo de cine que va de un plano totalmente innovador a un vaquero que se vuelve personaje de western. El enorme pedazo de cine que hay en un género nuevo que satisface las expectativas de siempre.

OTRAS RECOMENDACIONES DEL AUTOR:

1. Érase una vez en América

2. Hasta que llegó su hora.

EL PRIMER DÍA DEL RESTO DE TU VIDA (Remy Bezançon): 7

2009-09-07T09:58:00.002+02:00

Cuanto más vive uno, más manías tiene. Cuanto más se dedica a algo uno, más inflexible se vuelve. Cuantas más pelis veo, más odio ciertas cosas.

Una de las que más odio es el afán de tratar de contar una historia que sucede en muchos años. Creo que el cine está hecho para lo anecdótico, para un relato breve y pequeño que se vuelve símbolo de algo mucho más grande. Cualquier otro cine me resulta poco cine.

Cuando entro en la familia de El primer día del resto de tu vida y veo el continuo cambio de años, me doy cuenta que voy a tener que luchar contra mí mismo, contra mi intolerancia. E inicio mi lucha desconfiado. Sin embargo, al cabo de un rato, me doy cuenta de que he dejado de luchar contra mí, que me he dejado llevar por su humor, por su costumbrismo, por sus personajes.

El mérito es más del guión y de la edición que de la dirección. Aunque cuenta algo tan grande como la vida de una familia en doce años, no lo hace recurriendo a su día a día, sino que busca un solo día cada 3 años para poder contarlo todo. Y en la concentración, la peli encuentra su forma, la trama encuentra su cuerpo, la narración llega a su tono.

Su tono es el de una comedia agradable familiar, donde las disputas parecen reales y la ternura no suena a impostura. Donde los personajes no necesitan idealización ni crecimiento. Donde la belleza está más en lo pequeño que en lo grande.

Por eso El primer día del resto de tu vida logra mantenerte durante todo el metraje con una sonrisa y un amago de emoción. Logra atarte a la silla con la certeza del que sabe que lo que va a venir te va a gustar sin llegar a epatarte. Logra que sigas a su familia sabiendo que es tan real como la tuya. Logra en el plano final convertir el amago en emoción pura.